Loboob Oscillator

Jeff Buckley: Un alma en estado de gracia

2010-03-07T00:07:00.030-06:00

Un par de notas suenan en una guitarra eléctrica, el ritmo es pausado, la respiración es lenta. La voz de un hombre, o mejor dicho, el aullido de una criatura deshecha por la tragedia que una pasión amorosa conlleva, comienza a surgir poco a poco del silencio.

El afecto incomprendido, irrealizable, ese sentimiento tristemente familiar. Solo nos queda llorar; llorar o cantar (en tono menor, en tono doliente, toda esperanza de nuevo desaparece). Jeff Buckley es ese hombre que murmura al principio del disco: "If only you'd come back to me..."

Y debo comenzar por el final, para anunciarles la triste noticia de que este hombre divino esta muerto. Un rio acabo con su ultimo aliento cuando contaba con solo 30 años de edad. Nadie sabe si se trato de un suicido o de un lamentable accidente. Ya no importa, se ha ido de este mundo.

Veo a Jeff como a un hermano. Con su voz dulce y virtuosa supo expresarnos todos aquellos anhelos irrealizables del corazón.
Era un gran cantante, uno de los mejores que se haya podido escuchar en los últimos años. No solo eso, también era un gran guitarrista; no un guitarrista formula 1 de siete velocidades, sino un músico que sabia hacer llorar a su instrumento; realzando con esta técnica mesurada y precisa, la emoción inherente en su propia voz. Su manera particular de arpegiar la guitarra eléctrica era un técnica poco usada entre sus contempraneos en la decada de los noventa (todos parecian estar más preocupados por subir el volumen de la distorsión que en el misterio de sus acordes).
Se ha hablado mucho de la prodigiosa extensión vocal de Buckley (4 octavas y media según la leyenda). Jeff era tan bueno, que le hubieran bastado solo dos notas de su vasto registro para hacernos llorar. El timbre peculiar que salia de su canto tenia una vibración especial y emotiva.

Grace es el titulo del álbum del cual estoy hablando, y es el único que llego a publicar en vida. ¿De que trata un disco como éste? En palabras... oh, si fuera posible explicar esta música a través de estas vulgares, mensajeras verbales; creanme que lo haria.
Estos cantos aullan por las entrañas de la tierra y seguirán aullando (por los siglos de los siglos)... por el dolor de estar enamorado y súbitamente perderlo todo (tienes que cargar con ese peso toda tu vida hermano).

"La música es el arte que más fácilmente llega al ser humano", solia decir el cineasta aleman Werner Herzog. El anciano realizador lo ha dicho todo. Yo solo puedo confesar: ¡Lo creo!

Jeff donde quiera que estés, los astros y la naturaleza te bendigan; porque fuiste un hermano del alma para nosotros; porque nos diste algo que muy pocos han podido hacer: expresar lo inexpresable. Hablarle al corazón en su propio idioma.

Grace (1994)

Tracklist:
1.Mojo Pin
2.Grace
3.Last Goodbye
4.Lilac Wine
5.So Real
6.Hallelujah
7.Lover, You Should've Come Over
8.Corpus Christi Carol
9.Eternal Life
10.Dream Brother

Link de descarga: http://www.mediafire.com/?mmmtjyn2yyl

La Ciudad Desnuda de John Zorn: del huésped al hostil

2010-02-06T16:22:00.004-06:00

Hay dos cosas que el hombre no puede elegir, nacer y morir, a las que se agrega un pequeño grupo de incertidumbres, cuándo, dónde y cómo. Lo sobrante en medio de ellas constituye el abanico de posibilidades para existir, nuestro margen de movimiento. La gran mayoría de los nacidos en México no eligió que fuera así. Tenemos expectativas que en otros países no se pueden siquiera imaginar, y al mismo tiempo carencias que algunas naciones sólo conocen a través de libros de historia.

Entre muchas otras consecuencias de haber nacido aquí, se puede señalar, salvo algunos casos, la obligación de aprender en la primaria las posteriores a mexicanos al grito de guerra; los mitos republicanos se fijan en la psique, los Niños Héroes, el Pípila y los pulcros caudillos. Poco después, conforme se vuelve importante trabajar y sobrevivir, todo ello se cubre con una capa de indiferencia. En el mejor de los casos sobrevive un recuerdo, estéril y sin contexto, una fórmula que se reitera sin mayor dificultad.

Durante este año el lugar común, el tema fácil, es sin duda el Bicentenario; y comenzamos a sacar del cajón a nuestros indígenas, los hidalgos y zapatas, sacamos del olvido a las minorías que permanecen ocultas 90 años de cada siglo para darles su década de atención. Tal vez, en el último extremo de la fila de los grupos minoritarios del país estén los mexicanos por decisión. Hace 7 años, un 7 de febrero, murió un caso ejemplar de aquellos que, nacidos en otro país, deciden venir al nuestro, vivir y ser mexicanos: Augusto Monterroso.

Guatemalteco nacido en Honduras, está junto a maestros como Juan José Arreola en el reducido grupo de los escultores de páginas perfectas, textos breves, cuando no brevísimos –se recuerda su enigmático Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí– que entretejen diversos niveles semánticos en unas cuantas letras; recibió el Premio Príncipe de Asturias de Letras en 2000. Podía hacer sátira política de una manera tan perspicaz que pasaba inadvertida ante los primitivos aparatos de censura gubernamental o condensar tragedias sociales en una historia de ovejas. E invita a hacer una simple pregunta, ¿por qué México?

Muchas de las virtudes actuales de nuestro país no podrían comprenderse sin el aporte cultural, filosófico y científico de los exiliados por la guerra civil española o las dictaduras militares de Sudamérica. Luis Buñuel, Remedios Varo, José Gaos, Enrique Dussel o el mismo Che Guevara, por dar una muestra reduccionista, eligieron a México entre cientos de posibilidades. Algo debieron haber observado en este país, algo que probablemente perdemos de vista quienes no tenemos la perspectiva de la exterioridad.

En ese tono de soliloquio temeroso de su entorno que Octavio Paz diagnosticó en el Laberinto, ya comenzó el autoanálisis de los centenarios a puerta cerrada, sin el interés de mirarse a través de la mirada de otros. Acostumbrados a defender a nuestros migrantes del norte, a exigir que el vecino les dé lo que no podemos darles, olvidamos a quienes llegan con otro concepto de México. Los antiguos griegos usaban la palabra xeno para designar sin distinción tanto a un extranjero como a un huésped; no hay identidad que se construya sin alteridad.

Otro juego de palabras: huésped, que usamos actualmente, viene del latín hospes; y de ahí también nacen hospedar, la anglosajona host y, claro, host(il). ¿Cómo pasamos del huésped al hostil? En nuestra sociedad "moderna", ¿hay quien, en sus cabales, reciba como huésped en su casa a cualquier desconocido que toque la puerta? (lo cual era una costumbre entre los pueblos civilizados de la antigüedad). Perece que hoy gana la sospecha, el xeno es mirado más como potencial hostil que como un huésped. No se trata de abrir la puerta sin más, en efecto, el peligro es real; en algún momento el camino se torció.

Y así llegamos a las ciudades hostiles de nuestro tiempo (Ciudad Juárez, un botón; y la isonomía inaugurada por los griegos sólo se aplica entre los futbolistas de primera división). El Otro como amenaza, como peligro (el joven, el homosexual, el extranjero). Un poco de esa desesperación creo que habita en la Naked City de John Zorn; el disco no es sólo música, es una época gritando.

Con sus "molotovs autitivos" que acaban de arder a veces en menos de un minuto, Zorn recuerda la brevedad de Monterroso, pero con la angustia de Anton Webern (otro compositor, desde la música clásica o académica, de volátiles piezas oscuras). Es una desesperación apocalíptica; cuando escucho con atención el free jazz de Zorn, la música de Webern, Ligeti, Schönberg casi puedo percibir con claridad un tufo a FINAL. Algo que está a punto de quebrarse, y me pregunto ¿qué podría cambiar o terminar? Tal vez lo que está en jeugo es esa actitud hacia lo Otro (no sólo hacia lo otro humano, también a lo otro vivo y a lo otro existente).

Tal vez sea una vuelta a la máxima maya: In Lak'ech (yo soy otro tú), una otredad que Occidente (con heraldos como Levinas o Derrida) está re descubriendo después de casi 2 mil años. De cualquier modo, Naked City es un excelente soundtrack para cualquier cosa que se esté quebrando.

Click en la portada para bajar
Gracias a Lifeferocity por el link
En vivo:

Yeah Yeah Yeahs en la Arena Monterrey

2010-01-30T07:39:00.023-06:00

El sábado 23 de enero estuvieron por primera vez Karen O, Brian Chase y Nick Zinner en nuestra ciudad. Revitalizadores del punk (con un toque ligero de pista de baile) y herederos del sonido de bandas y músicos como: Siouxsie & the Banshees, Nick Cave and the Bad Seeds, Sonic Youth, los shoegazers, postpunks (y demás hijos del noise), PJ Harvey y Blondie. La cita fue a las 9 de la noche y la redacción de LoBoob se tomo la libertad (y el placer) de asistir.

Las bandas teloneras fueron los regiomontanos Miami Mami, una banda con un buen ritmo funk; y los jalisquenses Le Butcherettes, un dúo punk liderado por una chica que todo mundo nombraba aquella noche como "La Loca", y que curiosamente llevaba un vestuario bastante similar al de Las Muñequitas (programa regiomontano equivalente a Barnie o los Teletubbies).

Los Yeah Yeah Yeahs hicieron su entrada a las 10:50 de la noche. Karen O se mostró llena de energía como siempre; gritona y cariñosa con su publico.

Al fondo del escenario podíamos observar una espiral hipnótica, formada por lineas azules, y justo en el medio: un gran ojo.

El vestuario de Karen fue tan colorido y excentrico como todos esperábamos: luciendo un traje con hombreras, que asemejaba el de una emperatriz marciana salida de una vieja película ciencia ficción; y después, salio convertida en una "gran jefe india", portando un enorme penacho. Como anécdota aparte, un día después del concierto, mi madre vio un reportaje en la tv y soltó la gracia de que "esos monos parecían piñatas".

La función fluyó de una manera rápida, las canciones estaban conectadas entre si por medio de pasajes instrumentales, guitarreos estridentes, sonidos electrónicos y golpes de batería que servían de puente de unión entre las rolas. Entre el repertorio se encontraron favoritas como Cheated Hearts, Gold Lion, Honeybear, Pin, Zero, Heads Will Roll y Turn Into. La banda se despidió cariñosamente del publico, pero éste pedía a gritos emocionado y lleno de adrenalina que la función continuara un poco más; salieron de nuevo y descargaron sobre nuestros oídos sus clásicas Maps y Date with the Night. El publico seguía pidiendo por más, y por tercera vez los neoyorquinos salieron al escenario y nuestra adorada Karen O grito a todo pulmón: "One more for Monterrey".

El concierto concluyó a las 12:10. Todos salimos contentos, tarareando nuestras canciones favoritas durante el trayecto a la salida de la arena.

A la salida, detuvimos unos instantes a un fan y le preguntamos por sus impresiones del concierto. He aquí nuestra breve entrevista:

LoBoob: ¿Que te parecieron las bandas teloneras? ¿Valió la pena la larga espera?

Fan: Ya se estaban tardando un chingo y me estaba quedando medio dormido (me toco madrugar hoy), pero nomas comenzó y pura pinche adrenalina; todos nos pusimos a gritar, a saltar y a bailar. Definitivamente uno de los mejores conciertos a los que he ido. Estaba casi al borde de las lágrimas. Las bandas abridoras no estaban del todo mal, mucho show de la loca esa, hasta estuvo entretenido; pero cuando se puso la sangre falsa (que desde donde estaba sentado parecía naranja) en la boca me pareció demasiado. Las canciones en general estaban divertidas.

LoBoob: ¿Que rola esperabas con más ansias?

Fan: Date with the Night, por un momento pensé que no la tocarían, pero se la aventaron en el encore, estuvo de poca madre.

LoBoob: ¿Y cual faltó?

Fan: ¡Runaway!

LoBoob: ¿Volverías a verlos si regresaran a Monterrey?

Fan: ¡A huevo! Cada vez que vuelvan por estas tierras.

LoBoob: ¿Algún comentario que quieras dejarnos para concluir?

Fan: ¡Karen O, Brian Chase y Nick Zinner Rules! ¡Larga vida a los Yeah Yeah Yeahs!

Setlist:
Dull Life

Cheated Hearts

Pin
Honeybear
Gold Lion
Zero
Shame and Fortune
Skeletons
Heads Will Roll
Y Control
Hysteric
Turn Into
Way Out
Encore: Maps, Date with the Night
Encore 2: Tick

Fotografias cortesía de Tita Elizondo
http://www.flickr.com/photos/titaelizondo/

Discos 2000-2009: Los que más nos gustaron

2010-01-16T23:20:00.015-06:00

Para iniciar el 2010 los integrantes que armamos este chiquito blog intentamos hacer una recopilación de esos discos que más nos agradaron en lo que va del 2000 al 2009… así es, nos pusimos un tanto intrépidos y en base a lo que cada quien había escuchado decidimos armar una lista por individual y después compararla para ver que discos merecían mención honorifica… sin embargo, por la variedad de cosas que escuchamos y las diferencias entre gustos de sus tres servidores tal cosa se volvió un caos, concordábamos en muchos pero en otros la cosa era totalmente opuesta y por ese motivo nos atoramos un rato… al cabo de unos días salimos del bache, gracias a que decidimos seguir el método de Luis donde optamos por mejor puntuar los discos. El resultado, pues bueno…verán que la lista es muy variada y hace marcados contrastes en cuestión de las posiciones, pero más que ver los lugares esperamos que tomen la entera recopilación a manera de simples recomendaciones de acuerdo a lo que más nos gusto y nos emociono musicalmente en lo que va de la década.

Sin más, les dejamos este pequeño y curioso top, en donde se mostro como favorito el futurista Kid A, el primer disco de Radiohead que nos trajo nostalgia del krautrock y que también fue uno de los que nos dio la bienvenida a la década del nuevo milenio.

1 Radiohead - Kid A

2 The Flaming Lips - Yoshimi Battles the Pink Robots

3 Bjork - Vespertine

4 Radiohead - Amnesiac

5 Animal Collective - Merryweather Post Pavilion

6 Arcade Fire - Funeral

7 Portishead - Third

8 Beck - Sea Change

9 Daft Punk - Discovery

10 Air - 10 000 Hz Legend

11 Tv on the Radio - Return to Cookie Mountain

12 Pj Harvey - Stories from the City, Stories from the Sea

13 Dirty Projectors - Bitte Orca

14 Goodspeed you black emperor! - Lift Yr. Skinny fists...

15 Sigur Ros - ( )

16 Aphex Twin – Drukqs

17 Steven Wilson – Insurgentes

18 Panda Bear - Person Pitch

19 Radiohead - In Rainbows

20 Royksopp - Melody A.M.

21 Sigur Ros – Takk

22 Tool – Lateralus

23 Battles – Mirrored

24 Mogwai – Happy songs for happy people

25 Architecture in Helsinki – In case we die

26 Liars – Drum's not dead

27 El Perro del Mar - El Perro del Mar

28 A Silver Mt. Zion – Born into trouble as the sparks fly upwards

29 Fleet Foxes - Fleet Foxes

30 The Knife - Silent Shout

31 Atlas Sound – let the blind lead those who can see but cannot feel

32 The White Stripes - De Sitjl

33 Animal Collective – Sung Tongs

34 Fiery Furnaces – Blueberry boat

35 Opeth – Blackwater Park

36 Belle and Sebastian - Dear Catastrophe Waitress

37 Grizzly bear – Yellow House

38 Bob Dylan - Modern Times

39 A Perfect Circle – Mer de noms

40 Tv On the Radio - Desperate Youth, Blood Thirsty Babes

41 Radiohead - Hail to the Thief

42 Do Make Say Think - Winter Hymn Country Hymn Secret Hymn

43 Wilco - Yankee Hotel Foxtrot

44 Soundtrack - V.A. - O Brother, Where Art Thou?

45 Yeah Yeah Yeahs - Fever to Tell

46 Super Furry Animals - Rings Around The World

47 Opeth – Deliverance

48 Bob Dylan - Love anf Theft

49 Smashing Pumpkins – Machina, the machines of God

50 Porcupine Tree - Fears of a Blank Planet

51 Maudlin of the Well – Part the second

52 Explosions in the Sky – Those who tell the truth shall die/Those who tell the truth shall live forever

53 Don Caballero - World Class Listening Problem

54 Animal Collective - Feels

55 Cynic – Traced in air

56 The Shins - Chutes Too Narrow

57 Negurã Bunget – Om

58 Múm – Finally we are no one

59 Stereolab - Sound-Dust

60 Piano Magic – Disaffected

61 The Fiery Furnaces - Gallowsbird's Bark

62 Deerhoof – The runners four

63 M83 - Before the dawn heals us

64 Grizzly Bear - Veckatimest

65 The Field – From here we go sublime

66 M.I.A. - Kala

67 Elliott Smith - Figure 8

68 The Mars Volta – De-Loused in the comatorium

69 The Kings of Convenience - Quiet is the New Loud

70 Arcade Fire - Neon Bible

71 Calexico – Feast of wire

72 Bjork - Medulla

73 Deftones – White Pony

74 NERD - In search of…

75 The Residents - Demons Dance Alone

76 Queens of the Stone Age - Rated R

77 The Flaming Lips - Embryonic

78 Sonic Youth - The Eternal

79 At The Drive-In – Relationship of comand

80 Animal Collective - Spirit They're Gone, Spirit They've Vanished

81 Tortoise - It's all around you

82 Cabezas de Cera – MetalMusica/Aleaciones Aleatorias

83 Plush - Fed

84 Wilco - A Ghost is born

85 Bat For Lashes – Fur and gold

86 My Morning Jacket – Z

87 Dustin O'Halloran - Piano Solos, Vol. 2

88 Antony & the Johnsons – I am a bird now

89 Yo la tengo - I'm not afraid of you and I will beat your ass

90 Of Montreal – Hissing Fauna, are you the destroyer?

91 Modest Mouse – The Moon & Antartica

92 Mike Stern – Who let the cats out?

93 Suede – A new morning

94 Pain of Salvation – Be

95 Trachtenburg Family Slideshow Players- Vintage Slide Collections

96 The White Stripes - Elephant

97 Sonic Youth - Murray Street

98 Massive Attack - 100th window

99 The Strokes - Is This It

100 Elizabeth Anka Vajagic – Stand with the stillness of this day

Los mejores discos de 2009

2009-12-29T17:49:00.006-06:00

Así que el último año de la década terminó. La cosecha musical en realidad no fue tan mala. Resultó difícil darle la vuelta al asunto y evadir la tentación de hacer eco de las listas que aclamaron al Merriweather Post Pavilion como el claro favorito del año; y a final de cuentas nuestra lista no podrá ser una excepción, esto por una razón específica, el último disco de Animal Collective condensa una de las pocas líneas de producción musical que resultó mínimamente original durante la década --en contraste con el refriteo vintage y revivalismo de muchos grupos que acabaron por ser extendidamente populares en los últimso años, ya sabrán a cuáles me refiero.

En estos tiempos es sumamente difícil hacer algo un poco original --en el borde final de la historia, dos mil años de civilización occidental dejan poco margen de maniobra, pocos territorios no explorados, una tragedia de nuestra generación. Sin embargo, ese sonido, llamémosle "Prog Pop", sin ser la cúspide del virtuosismo --no creo que pretenda serlo-- no suena a algo anterior, es imposible imaginar una de estas canciones en las estaciones radiales de los 90's,80's o cualquier otra anterior.

Merriweather Post Pavilion es casi con seguridad el mejor disco de Animal Collective, y logra algo que pocos consiguieron esta década, ser un sonido particular identificante de una generación (imposible concebir ese sonido sin la matriz cultural que lo gestó: los ipods, globalización en su punto, culturas híbridas, el creciente internet, myspace, facebook: nada de esto había en el año 2000). Junto con él, otros excelentes álbumes que corroboran una especiede estética compartida: los de Dirty Projectors y Grizzly Bear, entre varios otros grupos que no figuraron esta década, o el mismo Atlas Sound.

Es un sonido pop, sin duda, pero haciendo algo que no concebíamos apenas en el 1999 reinado por la aún señorita Spears y las patéticas Boybands: el pop puede crear,puede progresar ya hacer cosas interesantes. Pop, POPular, lo masivo, en medio de la sociedad de información, el consumo masivo de información como posibilidad creativa, algo impensable en el siglo XX.

Sin embargo, no encuentro argumento para dejar de lado lo que, sin decir lograr cosas nuevas, suena excelente con lenguajes ya conocidos; también fue un buen año para las intenciones progresivas: Martigan con una de las canciones más sólidas, épicas y redondas que he escuchado en mucho tiempo, el regreso portentoso de Magma, el accidentalmente buen disco de Maudlin of the well.

El metal mantuvo un bajo perfil este año, sin embargo, creo que contra todo pronóstico el género agarró un segundo aire en la década, y mostró una importante evolución. El death metal está representado este año por un sólido Obscura; algo más melódico por el inesperadamente buen disco que resultó el último de Dream theater (no pude evitar ponerlo en el quinto lugar pues disfruto cada segundo del disco), o el ya popular Mastodon.

También está el pop de alta factura, a veces oscuro, de Bat for Lashes (qué linda mujer), St. Vincent, The Antlers o Phoenix. La lista ecléctica como ya es constumbre, tratandod e hacer un buen balance.

Una buena cosecha; no queda más que redundar en la recomendación para que se bajen algunos de estos discos (un par ya han sido reseñados aquí en el loboob), la gran mayoría está por ahí volando en la blogósfera. No adelanto más porque el staff de loboob también está preperando una lista con lo mejor de la década. Sin más, aquí la lista:

1. Animal Collective – Merriweather post pavilion
2. Martigan – Vision
3. Maudlin of the Well – Part the second
4. Dirty Projectors – Bitte Orca
5. Dream Theater – Black clouds & silver linings
6. Riverside – Anno Domino High Definition
7. Grizzly Bear – Veckatimest
8. Bat for Lashes – Two suns
9. Magma – Ëmëhntëhtt-Ré
10. Nemo – Barbares
11. Gazpacho – Tick Tock
12. Isis – Wavering radiant
13. Atlas Sound – Logos
14. The XX – XX
15. The Antlers – Hospice
16. Mastodon – Crack the skye
17. Obscura – Cosmogenesis
18. The Tangent – Down and out in paris and London
19. Transatlantic – The whirlwind
20. The Big Pink – A brief history of love
21. Fever Ray – Fever Ray
22. St. Vincent – Actor
23. Memory Tapes – Seek Magic
24. IQ - Frequency
25. Lindstrøm & Prins Thomas – II
26. Phideaux – Number 7
27. Porcupine Tree – The incident
28. Delirium – Il nome del vento
29. Antony & The Johnsons – The crying light
30. 5bridgeS – The Thomas tracks
31. Neon Indian – Psychic Chasms
32. Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix
33. BLK JKS – After the robots
34. Bibio – Ambivalence avenue
35. The pains of Being Pure at Heart – The pains of being pure at heart
36. A Sunny day in Glasgow – Ashes grammar
37. Katatonia – Night is the new day
38. Dominique A – La musique
39. The Flaming Lips – Embryonic
40. The Decemberists – The hazards of love

Vince Guaraldi y los doce dias de navidad

2009-12-17T03:51:00.013-06:00

Navidad. El invierno ha llegado. Los niños están tirados, sin hacer nada; viendo la tele todo el día en casa (afuera hace mucho frió para salir a jugar) o inventando los juegos imaginarios que solo su mente infantil es capaz de comprender. Están lejos de los maestros, de las tareas y los regaños; no hay mejor momento para celebrar. En casa, mama cuelga las medias en la chimenea y desempolva las miniaturas de jesucristo y los reyes magos; papa se hace bolas poniendo los foquitos del pino; en un par de días, todos en casa acabamos aprendiéndonos de memoria esas tonadas que salen de la pequeña bocina de los foquitos musicales, esas melodías que suenan siempre nostálgicas, casi tristes, y aun así, de una manera extraña... esperanzadoras.
Esta época ha inspirado a un buen numero de obras de arte del mundo occidental, desde música: el Oratorio de Navidad, de Johann Sebastian Bach; incontables pinturas desde la época medieval; literatura: Canción de Navidad, de Charles Dickens; cine: It's A Wonderful Life, de Frank Capra; The Nightmare Before Christmas, de Tim Burton. Caricaturas bizarras (en verso): "How The Grinch Stole Christmas", de Chuck Jones. Y, sin lugar a dudas, a influenciado fuertemente la mente de Wayne Coyne, el hombre al frente de Los Flaming Lips (su mayor ambición, después de hacer canciones con su banda, es llevar la festividad a los marcianos y a los animales del zoologico).

Vince Guaraldi Trio - A Charlie Brown Christmas (1965)

En este álbum, melodías clásicas navideñas pasan por el filtro de un jazz rico en armonías, cuidadosamente balanceadas, que incluso, me atrevería a decir, intensifican el espíritu navideño, ya inherente en ellas.
Ésta inspirada interpretación corre a cargo del trio de Vince Guaraldi (piano, arreglos y composiciones), acompañado por Jerry Granelli en la bateria y Fred Marshall al contrabajo.

Creo que la mayoria de nosotros alguna vez hemos escuchado el juguetón y pegajoso tema de la serie Peanuts, aquella de Charlie Brown (un niño calvo, que si creciera, probablemente terminara mas neurótico que el mismo Woody Allen) y su perro Snoopy. Si nunca la ha escuchado, vaya al youtube, o a su tienda de discos más cercana y seguro se le quedara grabada para siempre la pequeña pieza compuesta por Guaraldi, incluida en este álbum, banda sonora para el especial navideño de dicha serie.
La música es mayormente instrumental, pero de vez en cuando al trio se les une un coro de niños.

No puedo imaginar un banda sonora mejor para acompañar esta festividad; recordar aquella infancia llena de magia, y disfrutar un buen momento en compañía de familia, amigos y amantes.

Tracklist:

"O Tannenbaum"
"What Child Is This?"
"My Little Drum"
"Linus and Lucy"
"Christmas Time Is Here" (Instrumental)
"Christmas Time Is Here (Vocal Version)"
"Skating" –
"Hark! The Herald Angels Sing"
"Christmas Is Coming"
"Für Elise"
"The Christmas Song"
"Greensleeves"

Para descargar, darle click a los niños bailarines

Siouxsie and the Banshees y las creencias en lo etéreo

2009-12-08T20:51:00.004-06:00

Una de las cosas que más encuentro graciosas últimamente es el interés que tuvo Sir. Arthur Connan Doyle en las hadas, hace ya no mucho tiempo que vi una película basada en estos hechos reales en donde un par de niñas fotografiaron a las hadas mismas en medio de su jardín y en aquel entonces el popular creador del detective de Sherlock Holmes, se tomo tan en serio dichas fotografías que dedico parte de su vida al estudio de éstos seres fantásticos protectores de la naturaleza.

Para muchos fanáticos del detective Holmmes este hecho es como un pequeño tropezón del creador del personaje, ya que al menos se sabe que Conan Doyle siempre mantuvo vivo ese lado creyente en lo místico y desde luego en los seres halados cosa que lo llevo a publicar por allá de 1922 el libro “The coming of the fairies”, que por lo que he leído se trata de un estudio a detalle de éste mundo mágico (No se, pero me da la impresión de que el personaje de Arthur Spiderwick de la historia Crónicas de Spiderwick esta algo inspirado en Conan Doyle). Para colmo de todo esto, allá por el ’82 mucho después de todos esos dimes y diretes de las supuesta autenticidad de aquellas fotografías, una de las niñas (ahora ya una mujer de la tercera edad) revelo la falsedad de éstas al decir que las dichosas hadas eran imágenes de revistas recortadas sostenidas con alfileres para sombreros… Gran desilusión, pero bueno, al menos yo me hubiera llevado la desilusión desde un principio, como eso de que el tipo le tuviera tanta fe a semejantes chiquilladas del club winx, para desilusiones como esa me he llevado unas grandes de algunos héroes personales, en el mundo de la música existen varias cosas que me hicieron sentir un tanto desilusionada.

Siempre lo he dicho, pero al menos Roberth Smith fue uno de esos que me ha hecho sentir que actualmente no vale la pena seguir comprando los discos de The Cure, si, que buenas desilusiones me ha dado éste hombre en estos últimos años… y ya que estamos en el post punk, otros que iban para aquel lado a temprana edad pero se pudieron reivindicar fueron los de Siouxsie and the Banshees, muy personalmente creo que el Tinderbox los salvo de caer en un bache del que tal vez ya no se repondrían en el ’86 por tener tan malas críticas en el Hyaena tanto por sus fans más punks de antaño como por la crítica especializada (y que mal, aunque éste no es obviamente mi álbum preferido me encanta ese excelente cover de Dear Prudence que los hizo aún más populares ), pero Tinderbox supo conjugar esa formula popera ochentera que ya se traían en mano con la vivacidad del post punk, si bien Robert Smith los abandono en Hyaena en éste álbum no se le extraña nada al señor de los The Cure. Siouxsie Sioux tan diva y melodramatica como siempre entonando con su voz potente piezas tan intensas y bailables como City in Dust, un sencillo que se coloco dentro de los favoritos de la comunidad inglesa durante esa época y que sigue siendo de las canciones más recordadas del género, y que a pesar de que Tinderbox es una celebración al pop guarda algunos tintes góticos para goce de los que se habían hartado un tanto de la dilusión en la que se vieron envueltos en Hyaena.

Un conjunto de canciones misteriosas y provocativas que dejan con ganas de sacar tus discos de Joy Division, The Cure y Bauhaus para revivir esa etapa "fea" y siniestra del punk, para ahora si creer en lo etereo y la magia desde un lado más obscuro que estas piezas regalan ,y más que añorar a unas hadas de jardín, el añoro se centra en esa dama de negro y su encantadora voz.

Descarga Tinderbox aquí

Atheist: La bifurcación del dios

2009-12-01T11:54:00.011-06:00

En pleno siglo XIX se sucitó lo que me parece ser una conmosión en toda la cultura occidental ¿En qué consistió? Fue un terremoto subterráneo debido a la intuición, un secreto a voces, de la crisis de todo fundamento. Uno de esos macro-diagnostas de la civilización, Nietzsche, lo resumió todo en el aforismo 125 de la "Gaya ciencia":

"¿No habéis oído hablar de ese loco que encendió un farol en pleno día y corrió al mercado gritando sin cesar: ¡Busco a Dios!, ¡Busco a Dios!. Como precisamente estaban allí reunidos muchos que no creían en dios, sus gritos provocaron enormes risotadas. ¿Es que se te ha perdido?, decía uno. ¿Se ha perdido como un niño pequeño?, decía otro. ¿O se ha escondido? ¿Tiene miedo de nosotros? ¿Se habrá embarcado? ¿Habrá emigrado? - así gritaban y reían alborozadamente. El loco saltó en medio de ellos y los traspasó con su mirada. ¿Qué a dónde se ha ido Dios? -exclamó-, os lo voy a decir. Lo hemos matado: ¡vosotros y yo! Todos somos su asesino. Pero ¿cómo hemos podido hacerlo? ¿Cómo hemos podido bebernos el mar? ¿Quién nos prestó la esponja para borrar el horizonte? ¿Qué hicimos cuando desencadenamos la tierra de su sol? ¿Hacia dónde caminará ahora? ¿Hacia dónde iremos nosotros? ¿Lejos de todos los soles? ¿No nos caemos continuamente? ¿Hacia delante, hacia atrás, hacia los lados, hacia todas partes? ¿Acaso hay todavía un arriba y un abajo? ¿No erramos como a través de una nada infinita? ¿No nos roza el soplo del espacio vació? ¿No hace más frío? ¿No viene de contiuno la noche y cada vez más noche? ¿No tenemos que encender faroles a mediodía? ¿No oímos todavía el ruido de los sepultureros que entierran a Dios? ¿No nos llega todavía ningún olor de la putrefacción divina? ¡También los dioses se pudren! ¡Dios ha muerto! ¡Y nosotros lo hemos matado!..."

Es de subrayar esa angustia; ¿hacia dónde iremos ahora que Dios ha muerto? ¿Hacia todas partes? --y bien sabemos que todas son ninguna. Desde luego, esta no es una frase de ateísmo insulso como muchos quieren leer. Uno de los más puntuales intérpretes de Nietazsche, el italiano Gianni Vattimo, ha explicado cómo este pasaje se refiere a la caida de todos los fundamentos (lo que François Lyotard llamaría en el s. XX el fin de los "Metarrelatos).

El occidente antiguo tuvo el Mito, luego, por un periodo corto vino el Logos; durante siglos la Fe habría de regir el mundo occidental para dar paso, con el Renacimiento y la Ilustración, a la Razón. Todos ellos son Metarrelatos del mundo, Fundamentos para organizarlo y confiar ciegamente que seguirá igual, relativamente estable. Sin embargo, ya para los días de Nietzsche, sobre todo con él, comienza a sospecharse que incluso la Razón estaba fracturada (los "maestros de la sospecha" aprecerían en este contexto, Nietzsche, Marx y Freud); y no había forma de resanar el hueco con u Fundamento "mejor", más puro, perfecto. Se aceptó la tragedia, no hay fundamento apra el mundo, la existencia o la acción humana.

En el aforismo del Loco de Nietzsche el tono desesperado ya despunta; pero sería necesario que un creyente "sintiera" esa crisis de fundamento en la médula del alma. Tal fue Feodor Dostoievski; en una de las más grandes novelas de la historia, Los hermanos Karamázov, la línea temática central es un parricidio (¡¿no es un síntoma psico-cultural que nos indica el magno parricidio? ¿el asesinato de El Padre?!); una de las lineas de sentido subyacente más interesante está representada por Iván Karamázov (la imagen perfecta del hombre de la Modernidad: un ilustrado, racionalista, revolucionario, ateo), su historia trágica se puede resumir en una simple pregunta: si no existe Dios, ¿qué me obliga a respetar a los otros seres humanos? ¿qué me obliga a no salir, complir todo impulso y asesinar a todos? En efecto, si no existe un más allá, un jucio, un criterio superior, ¿qué nos obliga a llevar una vida buena? ¿por qué no romper las filas de la sociedad y entregarse al placer, al asesinato, hasta que el último hombre sobreviva?

Esa fue la primera reacción a la crisis de los fundamentos; la angustia en Dostoievski es mayúscula. Y es la pregunta de nuestros días, de los tiempos posmodernos; si hemos dejado de creer en Dios, en la Razón ilustrada como fundamente de una sociedad de derecho, si ya no creemos en nada ¿qué nos obliga a respetarnos mutuamente? La línea es delgada. No en vano se dice que la sociedad, en estricto sentido de la palabra, se ha diluido al dejar atrás ese fragil Contrato Social heredado de la Ilustración. Lo que queda es un el egoísta elogio neoliberal del Mercado que se meuve sobre una sociedad simulada (Baudrillard) --la crisis económica de 2009 ¿no fue una sacudida para aquellos que veían en el mercado una nueva entidad metafísica autorregulada y perfecta que nos llevaría al bienestar?

En medio de la tormenta parecían haber sólo dos opciones: el dogma o la barbarie, con Auschwitz como inesperado punto intermedio. Precisamente despues de la Segunda Gurra (punto de inflexión en la que se mostró lo peor del hombre, toda su mosntruosidad, su capacidad de dogma y su potencial de barbarie) algunos comenzaron a pensar en salidas no dicotómicas, no dogmáticas, intermedias, difusas (en el sentido de la Fuzzy Logic). Así, continuando con la lectura Nietzscheana, Vattimo nos invita a un "nihilismo asumido" (una "ontología debil"); en efecto, renunciar al fundamento, renunciar al centro y reconocer la periferia (algo significativo para nosotros, los marginales, los mestizos, los latinoamericanos, en la "periferia" que señala el argentino-mexicano Enrique Dussel); según Vattimo es una chance (así con el angilicismo)renovada para la libertad. ¿No era lo que la civilización pedía a gritos? ¿que nada la obligara a nada? ¿ser libre?

Más recientemente, uno de los más eloceuntes cronistas de la posmodernidad (modernidad líquida según sus términos), el polaco Zygmunt Bauman ha llamado la atención sobre un punto: es la muerte de "El" Dios, El Dios "único" que ha provocado dogmas y masacres, el único dios de las cruzadas, el único dios del 11 de septiembre; el concepto de "Un Dios Único" (y que además nos pide rechazar a los otros es el que subyace al odio étnico, los Otros son enemigos de El Dios. Lo que muere es el concepto de Un Dios, o, para hacer una extensión conceptual, de Un Fundamento. Chance para la libertad, conceurda Bauman.

La humanidad, y en específico la civilización occidental ya ha experimentado el "multicromatismo divino", justo en la cuna de occidente, con la hélade (quede claro que politeísmo no es sinónimo de tolerancia, las muestras sobran en al historia). Varios helenistas, como Jacqueline de Romilly han notado que la matriz cultural griega (específicamente ateniense) en que se gestó el nacimiento de la democracia, la libertad, la filosofía, la isonomía, la justicia (en resumen, las virtudes de occidente, porque hay que admitirlo, tiene virtudes en contraste con sus grandes demonios) es ese politeísmo tolerante que los caracterizaba (tolerancia, no la "tolerilla" que defendemos actualmente; tolerancia y no indiferencia; no insultar al contrario, pero discutir y argumentar si no hay aucerdo). Cuando los griegos se encotnraban un pueblo con diferentes creencias, no trataban de borrarlas para imponer las suyas; decían "Amón-Ra es el Zeús egipcio", continuamente incorporaban deidades extranjeras a su panteón.

Esa fue la matriz de la democracia, de las leyes, la tolerancia, de la libertad; no en vano, un mudno civilizatorio, el nuestro, surgió de ahí, y al que no le guste puede libremente marcharse (como sócrates en su coloquio con Las Leyes).

Una metáfora de musical de esta libertad es "A-theist". Tocan sobre un hilo frágil, tan frágil como el nihilismo asumido de Vattimo. La crisis consumada, la barbarie, sería sólo ruido; pero Atheist es mucho más que eso, es un complejo estruendo. No es el metal dogmático. Por ahí están las síncopas del jazz, los tiempos elaborados del progresivo, y por algunos momentos el colorido de influencia latina -por increíble que parezca. No es el ruido irreflexivo, un ateísmo burdo, sino la deidad bifurcada.

Su disco "Unquestionable presence" de 1991 es considerado como uno de los más (o el más) influyentes en el Technical Death Metal. Es una salida de las estructuras rígidas, del dogmatismo, signo cultural, tal vez, de una salida/reposición de la metafísica.

Un pasaje en Mother Man, crítico de uno de los últimos metarrelatos, el humanismo ilustrado (contra el eco cartesiano del Hombre como "amo y señor de la naturaleza"):

"You say there's freedom within our nature
Well I don't think you understand

Mother Earth has fallen to Mother Man

The Air, the Sea, the Grass, the Trees,The nemesis is the major,

Fearless leader Mother Man

Come on take a look

At what's become

Of the existence that leads

Or so we think

That's always a popular phrase
It suits the laws written

By dear Mother Man,Those heavy hands"

¡Bienvenida sea la época sin dios!

Baja el disco aquí

Conoce más de la banda por acá

(Gracias a danmetal por el link)

Ficha del disco (1991):

"Mother Man" – 4:34
"Unquestionable Presence" – 4:07
"Retribution" – 3:17
"Enthralled in Essence" – 3:38
"An Incarnation's Dream" – 4:53
"The Formative Years" – 3:30
"Brains" – 3:41
"And the Psychic Saw..." – 4:45

Lainop:

Kelly Shaefer (vocals,guitar)
Rand Burkey (guitar)
Tony Choy (bass)
Steve Flynn (drums)
Roger Patterson (bass) (on tracks 9-15 on 2005 re-release)

King Crimson: El despertar del Rey Carmesí

2009-11-24T06:00:00.014-06:00

Algunas personas, por intervención divina o por injusticias del destino, tienen la habilidad de poder distinguir cada nota musical; basta una escuchada, a veces incluso entre toda la masa tonal, pueden separar cada sonido y nombrarlo: Es el llamado Absolute Pitch (oído absoluto). Famosa es la anécdota del niño Mozart, en aquel entonces de 13 años de edad, llendo a la capilla sixtina a escuchar el gran Miserere de Gregorio Allegri (Para coro a cappella. Una interpretación en la catedral de Salisbury: http://www.youtube.com/watch?v=1FQND5YFIqA&feature=related), cuyo manuscrito, el Papa había prohibido sacar de la capilla. El pequeño genio, después del concierto fue y la copio entera de memoria.
Otras personas, sin poseer este don, son capaces de entrenar el oído hasta que, después de años de estudio, pueden distinguir en mayor o menor medida estos sonidos: Es el llamado Relative Pitch (oído relativo).
Otros, menos afortunados, son incapaces de distinguir las notas musicales o les cuesta un trabajo fuera de lo ordinario: Son los llamados Tone Deafs (Tone: Tono o nota. Deaf: Sordo). Robert Fripp, la mente propulsora de aquella idea llamada King Crimson, decía incluirse en esta ultima categoría cuando aun era un joven estudiante de guitarra: "I was tone deaf, with no sense of rhythm at all". (Otro músico celebre, Roger Waters, también clamaba serlo; su compañero en la mítica banda Pink Floyd, Rick Wright, decía que era incapaz de afinar su propio instrumento y debía hacerlo por él).

Si llamo "idea" a King Crimson en lugar de "banda", es porque seria imposible señalarla como tal; varios son los miembros que han pasado a través de el Rey Carmesí; solo Fripp se ha mantenido desde el principio; para él "King Crimson es una forma de hacer las cosas". Una reencarnación que incluso en nuestros días aun no ha muerto por completo.

Músico imparable e inquieto, mantuvo una gran cantidad de proyectos y colaboraciones fuera de Crimson, al lado de nombres como Brian Eno, David Bowie y Peter Gabriel.

Uno de los guitarristas legendarios de la historia del rock, Fripp se distinguía por tener una manera de tocar que poco tenia que ver con el blues y más con el jazz o las nuevas tonalidades de la música clásica del siglo XX. Con un estilo más mecanisado que sus colegas Clapton, Hendrix, Beck, Page y Zappa; al igual que estos, supo abrirse camino como uno de aquellos virtuosos que también podían componer (el cual nunca fue el caso de algunos de los guitarristas de rock más veloces).
Cosa rara entre los compositores: durante todas las épocas y cambios de agrupación de la banda, Fripp nunca intento imponer su voluntad, dándole siempre voz a todos.

En 1969, sale a la luz In The Court of The Crimson King, álbum debut de la banda, uno de los más grandes, que podemos incluir junto con discos como: Velvet undergournd and Nico, The Piper at the Gates of Dawn (Pink Floyd), The Doors, Are You Experienced? (Jimi Hendrix), Led Zeppelin I, The Songs of Leonard Cohen, Marquee Moon (Television), The Ramones, y Horses (Patti Smith). Todos en la lista de debuts geniales del Rock and Roll.

Inspiración posteriormente de muchos, este disco fue curiosamente ignorado por completo por la revista Rolling Stone en su lista de los 500 mejores álbums. Si yo fuera el editor de la famosa revista, me sentiría agobiado y obligado a escribir una disculpa publica por tremenda metida de pata.

Un año despúes, In The Wake of Poseidon, un hermano gemelo del anterior nacía. Para muchos una obra menor, una mera copia del anterior; para otros (entre los que me incluyo) tal vez no sea una obra tan fuerte, emocionalmente hablando, que su antecesor, pero un disco nada despreciable, con grandes e inspirados momentos.

¿Que diferencia hay entre estos dos discos? Las guitarras acusticas tienen mas protagonísmo en el segundo. ¿Que elementos se repiten en ambos? Hechemos un vistazo:

In The Court Of The Crimson King (1969):

"21st Century Schizoid Man"
Un clásico de la banda, es una tema lleno de riffs de guitarras y distorsiones, acompañadas de vez en cuando por un frenetico saxofón. Los pasajes instrumentales son multiples y extensos, rapidos y ritmicamente diversos e inestables. Subitamente, sin previo aviso (¡y sin preparación!), entra de nuevo el riff inicial; y como no podia terminar de otra manera una pieza asi: todos los musicos se vuelven locos y tocan de la manera mas disparatada posible; premeditadamente, pero no escrito previamente. Gran tema abridor.

"I Talk To The Wind"
El estruendo y el cataclismo de "21th Century Schizoid Man" subitamente se vuelca en la dulce "I Talk to The Wind", uno de los temas mas bellos del disco (que de paso parece contradecir todo lo anterior). El vocalista (Greg Lake), una flauta (ejecutada por el multi-instrumentista de la banda, Ian MacDonald), y una guitarra, conversan en perfecta armonia; posteriormente sera la flauta la que lleve el protagonismo antes de regresar al tema principal.

"Epitaph"
Una entrada de timbales orquestales marca el incio de "Epitaph", otra melodia suave, con una guitarra acustica y las cuerdas de fondo (reproducidas por un mellotron, instrumento tambíen usado por The Beatles en "Strawberry Fields Forever".)

"Moonchild"
Los teclados salen a la superficie, acompañando otra melodia lenta y suave de parte de Greg Lake. Es el track que contiene el pasaje instrumental más largo, donde el teclado (Ian McDonald) y la guitarra (Fripp) tocan juntos a un volumen realmente bajo y con un timbre dulce y tintineante (como pequeñas campanas); por momentos, lejos de ser un sonido reconfortante, la armonía se aleja del mundo tonal para acercarse al de Boulez y Stockhausen.

"The Court of the Crimson King"
Otra pieza rock-orquestal. El mellotron haciendo el papel de las cuerdas de nuevo; Fripp interpreta arpegios sencillos en su guitarra acustica. El estribillo, con sus coros sacados de la música sacra de la antiguedad, y de nuevo, la flauta, haciendo un ultimo pasaje, un ultimo solo; esta vez la guitarra electrica se le unira. El tema principal regresa, la banda parece dar el golpe final, lleno de pomposidad orquestal, pero no, ha sido un final falso... a los pocos segundos podemos esuchar pequeños instrumentos de viento, y de nuevo, entra el estribillo, esta vez en un arreglo puramente instrumental; este si es el final, ha terminado una obra maestra, irrepetible, como todas.

In The Wake Of Poseidon (1970):

"A Peace - A Begining"
Contiene el tema principal del disco; un tema corto y sencillo. El vocalista (de nuevo Greg Lake, quien dejaría la banda para formar Emerson Lake and Palmer) interpreta, casi a cappella (casi, ya que solo aparecen un par de notas en los teclados al final.) una de las melodías mas suaves del repertorio de Crimson.

"Pictures of a City"
Podría ser la compañera perfecta de "21st Century Schizoid Man", algunos elementos se repiten: los riffs incesantes, llenos de distorsion; los metales, las variaciones ritmicas. Un pequeño bajeo jazzeado aparece despúes de 5 minutos de guitarras eléctricas.

"Cadence and Cascade"
La contraparte de I Talk To the Wind, una guitarra acustica acompaña al vocalista Greg Lake. De nuevo, la flauta hace su entrada para hacer una melodia llena de magia.

"In The Wake of Poseidon"
Con elementos que nos remiten a Epitaph e In the court of the Crimson king. De nuevo el sinfonismo, que tanto le obsesiono a esta banda y los coros de lamentos paganos.

"Peace - A Theme"
El tema principal del disco en una versión instrumental, para guitarra acustica sola.

"Cat Food"
Con un sonido ligermaente distinto al de los tracks de su album anterior; los Crimson hicieron una especie de blues bizarro, lleno de disonancias al piano.

"The Devil's Triangle"
Un remake (o re-interpretación) de la sinfonia Los Planetas, de Gustav Holst (Primer movimiento, Marte: http://www.youtube.com/watch?v=L0bcRCCg01I)

"A Peace - An End"
Re-exposición del tema inicial. La voz entra sola, como al principio del disco; y entonces: un coro de voces y una guitarra acustica entran a acompañarla. Es como indica el titulo, un final de atmosfera quieta, pacifica.

Belle and Sebastian y los paseos bicicleteros.

2009-11-16T19:52:00.008-06:00

Hay música que se disfruta más al aire libre, y hay música que parece acoplarse perfecto a las caminatas a mitad de la tarde, a los paseos por el campo y a las aventuras en bicicleta en el recorrido por una natural y verde vereda.

Es una lástima que nunca aprendí a andar en bicicleta, si no seguro que unos de mis discos preferidos para los paseos representantes de la ñoñez pura serían los de Belle and Sebastian,si ese fuera el caso tal vez me reproduciría un par de veces seguidas el If You’re Feeling Sinister que de siniestro no tiene ni una gota, para nada, si como todo de éstos escoceses se trata de emotivas y radiantes piezas para iluminar esos ratos con un folk y pop suavecito de tintes sesenteros, el equivalente a un respiro para el más hastiado del estruendo y las máquinas de la ciudad, ese pan de cada día… esos discos son para mi son como oxígeno puro directo a los pulmones justo como esos alegres paseos por un lugar repleto de árboles.

Stuart Murdoch vocalista de B&S hasta en sus (extensas) letras más tristes trata de hacerlo lo menos incomodo para el escucha:

Now he is swapping his tent for a sheltered home
He doesn't have a family, he is living alone
He remembers all the punks and the hippies too
And he remembers Roxy Music in seventy-two
He doesn't understand and he doesn't try
He knows there's something missing and he knows it's you and I
We're the younger generation, we grew up fast
All the others did drugs
They're taking it out on us

Como tratando de no deprimir lo suficiente pues al menos en la música con toda su riqueza coral siempre mantiene esa dulzura tan común de ésta banda que nació en Glasgow Escocia en el año de 1996 y que ha sido comparada con The Smiths por crear en sus fans una fidelidad exagerada justo como Morrisey lo llego a ocasionar en sus seguidores. (No se la verdad, pero al menos yo no me abalanzaría intentando manosear a Stuart Murdoch como a Morrisey muchas veces le ha tocado con algunos, pero bah, el solo imaginarlo me hace sentir como una loca que intenta abusar de un chico puro e inocente).

Definitivamente que el sentimiento que transmiten esos temas dista mucho de esos roces con la sensualidad, de hecho, como con todos los discos de Belle and Sebastian ésta no es la excepción y es que If You’re fFeling sinester es un buen compañero para los corazones sensibles, desde el nombre de la banda (si ya sabrán, ponerle de nombre a la banda como una popular caricatura basada en un aún más popular cuento infantil)que va hasta la delicadas y alegres composiciones que sobre todo hacen enfatizar en estos escoceses su buena y bien intencionada oda al pop para concluir con un simple “me pone de buenas”, tal vez y ya después de varias reproducciones el efecto bicicletero llegue por sorpresa para invitar a dar un recorrido lleno de color en el parque más cercano; y para quien no sabe andar, de perdido da la ilusión de imaginarlo.

Descarga el disco aquí

John Coltrane: meditación y fractalidad

2009-11-03T13:04:00.005-06:00

Actualmente asuntos como la expansión del universo, que éste surgió del susodicho Big-Bang, que para ser como es debe tener cuando menos 9 dimensiones son temas de chisme de lavadero. Bueno, tal vez exagero; lo cierto es que ya forma parte del dominio público el que Todo estuvo junto alguna vez para luego explotar, que no somos el centro del universo, etcétera; que hasta un Vicente Fox cualquiera lo podría decir sin empacho.

Y esas conclusiones que hoy pueden integrarse sin mayor problema a la doxa cotidiana no serían posibles sin siglos de civilización, sin la idea loca de éste u aquel otro astrónomo ya polcao, ya italiano, ya inglés. Lo inverosimil debió haber sido el punto cero de la civilización; trato de imaginar al primer ser humano que se hizo un pregunta, sin absolutamente ninguna referencia previa, tal vez se preguntó "qué es aquello" (desde luego, lo equivalente en términos de su hipotético primer lenguaje), no pudo haberlo hecho sin una cierta noción de lo "aquello", la "aquellidad" (sic); pero cómo concebir cualquier conceptualidad, la aquellidad ene ste caso, sin el lenguaje. El punto cero es casi inconcebible para cualquiera que venga después de él, después del lenguaje, del pensamiento abstracto. El hombre del punto cero debió haber sido un auténtico Adán.

Así, sería inimaginable la cuántica o la gravedad sin la creación de aparatos como el telescopio, sin que a un loco se le ocurriera el cálculo diferencial y, en fin, sin que a un par de semi changos, o mejor dicho de post changos, les pasara por la masa gris que hay un mundo más allá de sus narizotas, más allá de comer y de comer con "g".

Así pues, me sorprenden cada vez más los pensadores llamados "presocráticos". Su grado de abstracción y lejanía histórica hace que muchos los quieran leer desde la actualidad de manera simplista. Pero ¡traten de concebir el origen de todas las cosas que existen, que son --y en algunos casos también las que no son-- sin todas las fórmulas acabadas que nos enseñaron en la primaria!

Es por ello que me voy de espaldas cuando leo a un tipo que vivió cinco siglos antes que cristo, y sus escritura asegura "Juntas y de vez estaban todas las cosas, sin límite en cuanto a capacidad repletiva, sin límite igualmente en cuanto a pequeñez; que lo pequeño no tenía tampoco límite. Y, a pesar de hallarse juntas y de vez todas las cosas, bajo el dominio de la pequeñez ni una sola de ellas estaba de manifiesto". Me refiero, claro está, a Anaxágoras; cualquier parecido con lo que se dice que había antes del Big Bang no es coincidencia.

O cuando dice "en todo hay de todo, hay una suerte o parte de todo": ¡una noción de fractalidad dos milenios antes de Mandelbrot! No es este el momento de sacar a relucir la genialidad heráclito-parmenidea, o el prólogo a la cuántica que hace Demócrito; sólo cabe señalar y pasmarse ante las conclusiones a que llegaron con el único --si se me permite la redundancia-- medio de la Meditación, la contemplación, la θεωρία.

Meditar ¿Qué es meditar? Al plantear la pregunta comenzamos ya a meditar. ¿Qué es meditar? --del latín "meditatio". En el orden del estricto significante, es decir, abstraídos del significado y la etimología, Meditatio remite a una cierta mediación, lo medio, el en medio; mediación entre dos (cuando menos), un uno y un otro. Si se busca la mediación es por el no acceso, la no estancia en lo otro, el objeto de la meditación. Y lo que está del otro lado del camino, del medio, es una iluminación, un des-cubrimiento, Alétheia --que no tendrá "validez" científica, eso vale aquí un Pontificio Rábano.

Meditar sobre lo Uno y lo Múltiple --empédocles, desdeluego--, el todo y lo particular, lo uni-verso y lo multi-verso, la fractalidad del todo contenido en lo uno. ¡Vaya Maravilla!

Fractalidad y Meditación, un adjetivo y un sustantivo para John Coltrane. Meditación por lo abstracto y poder de mediación (con un posible dios, con el amor, la comapsión por los otros, lo otro, El Otro, l'Autre, le tout autre) de su disco llamado así "Meditations" un poderoso tránsito (¡mediación!) que va del Coltrane modal (en lo personal mi etapa favorito, no sólo de Coltrane sino tal vez de todo el jazz) a su etapa free --y última.

La fractalidad, un justo calificativo para su jazz modal. ¿Qué es jazz modal? --meditamos. Más que un estilo, es una estructura para interpretar, ohh estructuras --guiño para Lévi-Strauss. Y como se dice mejor en términos wikis, cito: que en el jazz modal "cada nota en la escala se convertía en la primera nota de un nuevo modo, que aunque podía incorporar todas las notas de la escala mayor original, sonaba diferente porque el nuevo punto de partida reorganizaba el orden de distancias entre las notas. Así, si un músico estaba improvisando sobre, por ejemplo, un acorde en Re, podía elegir cualquier centro clave correspondiente a la escala, incluyendo la nota Re (a menos que el compositor dictase modos específicos para ser usados en los solos)."

Por eso hay un aire de fractalidad e irresolución, una estructura que se propone, se bifurca, se contrae; el sonido inicial anunciaba ya la pieza total, que a su vez conserva la reminiscencia de las primeras notas. El todo es escucha en la parte y la aprte resuena en el todo. Por ello la improvisación en el Modal Jazz es sumamente difícil, además hay que hacerlo sin sonar repetitivo. ¡Por eso hay tan pocos discos de jazz modal!, todos ellos ejecutados por un puñado de genios.

Davis, el padrino del modal dijo "The music has gotten thick. Guys give me tunes and they're full of chords. I can't play them...I think a movement in jazz is beginning away from the conventional string of chords, and a return to emphasis on melodic rather than harmonic variation. There will be fewer chords but infinite possibilities as to what to do with them".

Y para no ser tan simplístas, hagamos un tándem. Hoy la medicación de loboob exige una sobredosis de Coltrane, el libre y el modal:

Para Meditations: www.mediafire.com/?23d1nd2ww51 (cortesía de http://theoreticalmusic.blogspot.com)

Y para los buenos modales, my favorite things, por si aún no lo tienen --que sería un pecado--: http://www.badongo.com/file/10812756

Y como wikipedia es mejor para als fichas técnicas: Coltrane

Aquí su ejecución de My favorite things (Vi a McCoy Tyner en vivo, malditasea!):

The Flaming Lips: Viaje través de los paraisos artificiales

2009-10-29T06:46:00.031-06:00

En algún momento de 1965, John Lennon y George Harrison se encontraban en un elevador, cuando súbitamente ante ellos apareció la visión abrasadora de las llamas; creían que todo estaba incendiándose o que estaban a las puertas del infierno. No tenían la menor idea de lo que sucedía y se pusieron a gritar como histéricos. Minutos antes, en un club en el que se encontraban, un conocido les había suminstrado LSD en su bebida sin que ellos se dieran cuenta.

La experiencia psicodelica siempre ha estado ligada a la de las drogas, específicamente al ácido lisérgico. Los hippies, esos predicadores del flower power, se esparcían por todos lados en América, eran cristos multiplicándose como gremlins. Los hijos de Chuck Berry y James Dean bailaban mas frenéticos que nunca.
En aquellos tiempos se hacían experimentos con el LSD cuales investigaciones científicas, sometían a personas como a el cineasta Federico Fellini a tales experiencias, con la única intención de observar de que manera se prolongaban los efectos en las personas creativas. Aldous Huxley, el autor de "Un Mundo Feliz" y "Las Puertas de la Percepción", (titulo éste ultimo que inspiraría el nombre de la famosa banda del difunto Jim Morrison) por su propia cuenta buscaba desarrollar su propia percepción e "iluminarse" por medio de esta y otras drogas de efectos similares.

Pero estábamos en 1965. La música pop, o el rock and roll, se volvía más aventurada; ahora danzaban a la par con formas más extensas y más propias del sinfonismo o del jazz. Aunque, probablemente todos estaban demasiado drogados para escucharla. O tal vez, todo se reducía a revivir los rituales mágicos, los rituales paganos del pasado.
Detrás de estas danzas dionisiacas, estaban los músicos, fabricando las bandas sonoras de la alucinación colectiva. Pink Floyd, The Grateful Dead, Janis Joplin, The Doors, Jimi Hendrix, al igual que bandas previamente establecidas como The Beatles, The Who y The Kinks, eran los sumos sacerdotes que se adherirían a ese nuevo estilo, a ese surrealismo de parábolas pacifistas.

Corta fue la existencia del movimiento hippie, y así mismo, de la música psicodelica, pero su influencia seguiria esparciendose a través de los años.

En la década de los ochentas surgiría en la ciudad de Oklahoma, The Flaming Lips; quienes en aquel entonces eran una banda de culto que solian crear un sonido que bien podría calificarse de psicodelia punk (si tal mezcla es posible). Sus miembros cambiarían a través de los años, a excepción de el hombre de la voz, Wayne Coyne, un tipo obsesionado con la ciencia ficción, la navidad y los zoologicos; y el bajista Michael Ivins, un tipo bizarro que hoy lleva siempre lentes oscuros y parece miembro de la policía secreta. A principio de los noventas se les uniría el multi-intrumentalista Steve Drozd (batería, teclados, guitarras), un ex-heroinomano, hijo de un saxofonista que tocaba en una banda de Polka. Recientemente se les uniría Kliph Scurlock, al principio como baterista de gira, y después como miembro permanente de la banda.

A partir de finales de los noventas, su sonido tomaría un giro completo para encontrarse con la música electrónica y el pop sinfónico, dejarían de ser una banda de culto para entrar en el mainstream, para bien o para mal. Sin ser virtuosos de su instrumento, sin duda lo llegarían a ser del estudio de grabación, explotando todas sus posibilidades de la misma manera en que lo harían The Beatles a finales de los sesentas o recientemente la banda inglesa Radiohead.

No hay necesidad de hablar y alabar sus magníficos trabajos previos: Zaireeka (1997), The Soft Bulletin (1999) y Yoshimi Battles the Pink Robots (2002). Los tres son albums que para para muchos de nosotros tienen un lugar asegurado en los clásicos de nuestra audioteca personal.

Hoy, despues de tres años desde su ultimo album, At War With The Mystics (2006). Los Labios Ardientes vuelven a la carga, los chicos de Oklahoma empuñaron sus guitarras, mas distorsionadas que nunca, llenos de entusiasmo como siempre, y nos traen el album más psicodelico que hasta a la fecha han hecho.
Embryonic nos llega con una descarga de bajeos y riffs incesantes que acompañan a la masa sonora que avanza: gritos, aullidos, sonidos de animales, campanas, arpas electronicas, coros.

Es este el menos melodico de todos los albums que los Lips han hecho ultimamente; en algunos tracks la voz de Wayne se pierde en el fondo, se funde con él. Tal vez seria en el Zaireeka, más que en los tres álbums, anteriores en donde encontremos más puntos en común. Al mismo tiempo, todo el pasado de los Lips se condensa en este disco: el punk, las disonancias ocasionales, los arreglos electronicos, los pomposos sonidos electro-orquestales (del que ya se encontraban rastros en la banda sonora de su propio film de ciencia ficción "Christmas on Mars").

Como la mayoria de los albums dobles de la historia (The White Album, Physichal Graffiti, Re) éste va en todas direcciones; dejandose llevar por la variedad de ideas, los músicos se sintieron en completa libertad de no preocuparse más por el limite de espacio, de olvidarse de mantener un leitmotiv o idea unificadora.

Cosmogenia, amor hacia los animales y existencialismo parecen ser los temas principales en la mente de Wayne Coyne.
Michael Ivins y Kliph Scurlock, bajista y baterista respectivamente, se encargan de mantener la sección ritmica a todo volumen; y detras de todo este caos se escuchan los teclados suaves de Steve Drozd, que lejos de contrastar le dan una fluidez más que ideal.

Despues de las secciones mas freneticas y psicodelicas ("Convinced of the Hex", "The Sparrow Looks Up at the Machine", "Aquarius Sabotage", "Watching the Planets"), nos encontramos con algunos puntos de descanso en aquellas piezas lentas tipicas de los Lips, llenas de las armonias y melodias sutiles que hacen tan caracteritico su pop electronico y que de alguna manera nos acercan al pasado de Soft Bulletin y Yoshimi ("Evil", "If", "Sagittarius Silver Announcement", "The Impulse").
Podemos escuchar un unico solo de guitarra, que bien podria haber salido de las mentes de Syd Barrett o Lou Reed, en "Powerless", el track mas extenso del disco.

Colaboran en el album, el duo neoyorquino, MGMT, con el track "Worm Mountain"; y Karen O, la voz desquiciada de la banda punk Yeah Yeah Yeahs, en "I Can Be a Frog" y "Watching the Planets". En lugar de contentarse con hacer un dueto tradicional de voces, los Lips prefirieron dejar que la vocalista hiciera ruidos de animales e imitara algunos efectos sonoros.

En lo personal, espero que los Lips vivan cien años y nunca paren de componer. Es su magia la que más necesaria no es ahora, cuando el hombre es un animal hambriento que no teme devorarse a si mismo; o en aquellos momentos cuando estamos tan solos y confundidos y no sabemos ni quienes somos; o cuando nos sentimos abrumados ante el gran espectaculo celestial ¿Que hay detrás de toda esta boveda de estrellas? O en palabras de Wayne Coyne: "I don't know where the sun beams end and the star lights begins it's all a mystery." Necesitamos la profunda comunicación de sus sonidos, necesitamos la magia, purificar nuestros sentimientos y expanderlos fuera de nosotros; llorar como recien nacidos. "El rock and roll renace en nuestros tiempos como un sistema espiritual", solía decir en tono de broma Rockdrigo Gonzalez; pero él era un visionario, un hombre del futuro (y quien sabe si de otros planetas). Los Flaming Lips y otros como ellos mantendran vivo el rock and roll y la palabra músical, esa experiencia telepatica que seria imposible describir con palabras terrestres.
Los Flaming Lips hacen los sonidos del futuro.

Embryonic (2009)

Tracklist:
1. "Convinced of the Hex"
2. "The Sparrow Looks Up at the Machine"
3. "Evil"
4. "Aquarius Sabotage"
5. "See the Leaves"
6. "IF"
7. "Gemini Syringes" (featuring Thorsten Wörmann)
8. "Your Bats"
9. "Powerless"
10. "The Ego's Last Stand"
11. "I Can Be a Frog" (featuring Karen O)
12. "Sagittarius Silver Announcement"
13. "Worm Mountain" (featuring MGMT)
14. "Scorpio Sword"
15. "The Impulse"
16. "Silver Trembling Hands"
17. "Virgo Self-Esteem Broadcast"
18. "Watching the Planets" (featuring Karen O)

BLK JKS: Términos medios de influencias

2009-10-19T20:12:00.012-05:00

Hace unos días fui al cine a ver Sector 9, una nueva película de ciencia ficción bajo producción de Peter Jackson, que a diferencia de otras que vi este año ésta realmente me convenció con su maravillosa y crítica historia, la trama a muy leve grosso modo, retrata una problemática social entre aliens y humanos en el llamado sector 9, área destinada para los alienigenas en la ciudad de Johanesburgo, Sudafrica... Me pareció bastante curioso que se ubicase en ese país la historia de éste film, ya que de un tiempo para acá se ha vuelto muy mencionada (y todavía lo que falta) entre otras cosas porque en el próximo año se celebrara el mundial de futbol. Sin embargo, el nombre de Johanesburgo iba un poco más allá y es que había olvidado que tiempo atrás alguien me había recomendado un disco de una agrupación proveniente de esas tierras, se trata de BLK JKS y venía adornada con muy buenos comentarios, como considerarlos un grupo aún mejor que los mismísimos Tv On The Radio... y claro, cuando uno presta atención a eso se imagina a un montón de músicos mezclando cuanto género se encuentren pero haciendo sobresalir el rap, el hip hop y el funk, pero para mi sorpresa después de escuchar el álbum éste me parecio bastante diferente.

El disco se llama After Robots (notese que seguimos haciendo referencias sci fi), es un lanzamiento de éste 2009 y a diferencia de aquellos neoyorkinos liderados por Tunde Adebimpe éste álbum se envuelve en el afrobeat pero sobre todo el rock psicodélico que alcanza a tocar unas cuantas fibras progresivas, ya que la experimentación los hace rozarlas y caer en sus garras una y otra vez, de ahí a que en más de una ocasión me vinieran pasajes tan familiares creados por unos que conocen bien el rubro, como lo son Mars Volta.

Los BLK JKS (pronunciese Black Jacks) nacieron al comienzo de ésta década, sin embargo por diferentes razones hasta casi terminarla es cuando por fin surge la posibilidad de lanzar su álbum debut, y que para sorpresa se vale de variada instrumentación para armar ese lugar tan común como lo es en el world music al referir a la música con tintes etnicos y añadir otras influencias que provienen de ese rock con guitarras ácidas, sorprendentes cambios de ritmo que hacen eco directamente en el progresivo y todo eso para finalizar siendo sazonado con voces fuertes en algunos de los 11 idiomas oficiales que posee Sudafrica. After Robots es verdaderamente un grato resultado de esa mezcla y esa heterogeneidad entre culturas, un termino medio como ellos mismos lo llaman: "ni tan negro, ni tan blanco".

Confieso que el tema que más me gusto se trata de el que cierra el disco, y aparentemente el más simple, pero si arriba dije que éste álbum tocaba fibras progresivas, con Tselane cantada en zulu por Lindani Butelezi hace tocar (y dejando de lado los géneros) las fibras más internas y sensibles. Ciertamente que conmueve.

Los dejo en contraste con el tema abridor de After Robots:

Slint, los fundamentos del Post Rock

2009-10-12T21:07:00.007-05:00

Hubo un tiempo, cuando lo indie era indie, cuando lo under estaba under; cuando los chicos snob-indie-pretenders-middleclass-goddamnit de hoy derramaban sus primeros mocos y manchaban sus primeros pañales --y yo aprendía a dejar de usar lso míos [qué curioso se siente no estar más en la retaguardia generacional]--; cuando el post rock no era una fórmula acabada aprendida de memoria por imitadores japoneses o texanos garageros que llegados a su tercer disco lo repiten con distinto nombre ad infinitum; cuando ni siquiera existía el post rock porque el término no existía; incluso antes de que llegaran rubios siucidas a vaciar los bolsillos adolescentes antes de tomar la única decisión correcta en la vida; cuando un presidente afroamericano en EU era impensable como falaz era esperar la democracia en México; cuando Jackson estaba en su punto y nadie se lo imaginaba deforme, demandado y sobre todo, muerto.

En ese tiempo ya se comenzaba a sospechar que el rock era un cuento de hadas, que la música estaba muerta, que la historia había llegado a su fin; así que si el rock había muerto ¿por qué no ahcer algo más?, algo a posteriori. Lo post es una especie de fetichismo necrofílico (como la posmodernidad) porque toma el cadaver de lo que le precedió, sus propiedades y recursos para seguir fines distintos; así, post-rock se ha definido como lo que toma los recursos del rock para alcanzar fines distintos; ahí están la guitarra, el bajo y la abtería, ahí están el golpeteo y el zumbido, pero algo apesta, algo ha muerto y nadie parece entristecerse por ello, parecen una bola de flemáticos (dicen que nacimos bajo el signo de la indiferencia, probablemente sea muy cierto).

Sin llamarse a sí mismos Post Rock, Slint coemenzó a tocar el Requiem para el rock, sin que nadie lo notase, sin que a nadie le importase, sin que nadie derramara una lágrima por ese mito juvenil maltraido, gastado, predecible, aburrido, lugar común, mal amigo, jijodelachingada. En efecto, desde el primer murmullo de su segundo disco, Spiderland, el acorde es post rock; rock porque está hecho con guitarra, post proque huele a muerto, huele a los simulacros de Jean Baudrillard.

Un acorde cromático sin importar qué maldita nota sea, o si acaso es una nota. El sonido por el sonido; mover los dedos en la misma posición a lo largo del mástil en fractal cromatismo; crescendos y una batería, si se permite la expresión, armónica. Una oscuridad colorida, flemática.

En la primera canción nos perdemos en la feria, invitamos a la adivina a subirse a la montaña rusa. Bizarro. El vértigo. La segunda viene con un riff y un chillido; "Nosferatu Man" que complace a su reina --dios no quiere saber cómo lo hará-- las guitarras de la segunda parte se resuelven con una clautrofóbica belleza. "Don, Aman", la tercera, es una historia que a mi y a cualquier idiota como yo le ha sucedido; el protagonista se retira del epicentro de una fiesta, a orinar desde luego, el baño está perdido o extraviado así que va a un patio que brinda perspectiva de distancia, entre la vista nublada mira atrás para ver las parejas formadas, el amor adolescente fluye sin invitarlo a aprticipar; entre él y su orina sólo hay rabia y soledad --aquí viene un rasgueo de guitarra del que abusarán los futuros post rockers antes de cualquier crescendo típico del subgénero--; una áspera guitarra se lamenta cacofónica y se escucha "he knew what he had to do", el final queda a elección del auditorio.

"Washer" inicia con un acorde que será lugar común entre otras badas años después; es una especie de canción de amor, mejor dicho de post-amor, porque si el rock era un mito también el amor lo es; nadie con un par de neuronas puede creer más en él; otro mito de la modernidad. Lentamente llega el crescendo, pero como aquí es fresco, novedoso, no se espera, está vivo antes de que pasen los años y se conveirta en una fórmula más --porque el amor es una fórmula más, gastada, predecible, burguesa, goddamnit... el vacío, el quiebre.

"For Dinner..." no puede ser en realidad una canción, es un cadaver de canción que sólo existe como preludio del apoteósico final, que sin chistar es de las mejores piezas de la década pasada. "Good Morning, Captain", con esto, el muerto está bien enterrado; al final del camino no está la luz, sólo el más inmenso vacío. Culmina con un grito reiterado 'I miss you!!!!!'

Wikipédialos
Gracias a musicaparaepigrafes.wordpress puedes bajarlo acá

"Breadcrumb Trail" – 5:55
"Nosferatu Man" – 5:35
"Don, Aman" – 6:28
"Washer" – 8:50
"For Dinner..." – 5:05
"Good Morning, Captain" – 7:38

***

David Pajo – guitar
Brian McMahan – electric guitar, vocals
Britt Walford – drums, Vocals
Todd Brashear – bass guitar
Brian Paulson – engineering
Will Oldham – photography
Noel Saltzman – photography

Stereolab y los acordes químicos del Sound-Dust

2009-10-05T10:36:00.018-05:00

La música puede salvar almas; almas solitarias, almas decepcionadas, almas confundidas... cualquier alma. "La música es el arte que más fácilmente llega al ser humano", solía decir el cineasta alemán, Werner Herzog.

Algunos acordes, por su efecto disonante, por su instrumentación, por su timbre o volumen, acaban desconcertando al oyente; nos hacen sentir que acabamos de escuchar una gran pared de ladrillos desmoronarse; a veces, por mas emoción que esto nos cause, el efecto no puede dejar de ser aturdidor, incluso violento, muy desgastante para cualquier alma sensible a los ruidos fuertes, a la disonancia tras disonancia (que en manos de un compositor no experimentado, puede caer en el cansancio y en la misma monotonía que provocaría el exceso de consonancia). Stereolab se inclina más por la consonancia agridulce; escuchándolos jamas ocurre esa sensación de aturdimiento que describía antes, ni siquiera en sus intentos más monstruosos y distorsionados; al final, Stereolab es de textura suave (para respiro de los que están exhaustos de los interminables sonidos martillantes de la ciudad).

Podríamos decir que Stereolab no dice nada nuevo... ¿y que? A finales del siglo XIX, el compositor francés Erik Satie, aquel excentrico gymnopèdista, tampoco parecía decir nada nuevo en aquel momento, pero él solo llegaria a influenciar toda la música francesa que estaba por venir (directamente a Debussy y Ravel, y estos a Messiaen y Boulez) y al músico-inventor estadounidense John Cage (a quien precisamente los Stereolab le rinden homenaje en su canción "John Cage Bubblegum"). A final de cuentas, toda la música nace libre e igual.

¿Quienes son Stereolab?
La vocalista Lætitia Sadier y el tecladista-guitarrista Tim Gane, son la pareja al frente, quienes a través de los años han reclutado los músicos necesarios para darle vida a la banda.
Sus influencias musicales van desde el krautrock (Can, Faust, Neu!), la música brasileña (Antonio Carlos Jobim), la música clásica (Debussy) los minimalistas (Glass y Reich) e incluso el peculiar compositor mexicano Juan Garcia Esquivel.

El disco que quiero compartirles hoy es el Sound-Dust (2001), que a mi parecer es uno de los mejores de la banda, junto con el Emperor Tomato Ketchup (1996) (aunque el catalogo es muy amplio, si contamos la multitud de Ep's y compilaciones de rarezas que han sacado ellos mismos). Para este álbum la banda ya habrá encontrado toda la madurez posible de su rock-pop electrónico; las distorsiones disminuyeron pero las melodías se volvieron más sutiles.
En una primera escuchada podemos apreciar la gran cantidad de teclados electrónicos usados en cada canción (muchos de ellos modelos ya antiguos: wurlitzers, órganos Farfisa, clavicordios electricos), las guitarras acusticas y eléctricas (tocando como música hawaiana), flautas ("Space Moth"), arreglos de metales en el fondo ("Captain Easychord", "Space Moth", "Baby Lulu", "Hallucinex"), percusiones tintineantes ("Gus the Mynah Bird"), arpegios que nos dan la impresión de escuchar harpas electrónicas, efectos sonoros que realzan el sonido de los instrumentos tradicionales, una marimba ("The Black Arts"), y la maravillosa voz de Laetita Sadier, siempre en perfecta comunicación con la segunda voz de la bajista, Mary Hansen (este seria el ultimo álbum en el que habría de participar antes de su trágica muerte en un accidente). Excelente trabajo de músicos y de instrumentación. Todos estos son los ingredientes perfectos para hacer un disco único, entre el futurismo, la música tradicional, el rock and roll y el pop.

Stereolab empieza con una canción para subitamente cambiar por completo su sentido (ritmicamente, melodicamente). Ellos juegan, dan riendo suelta a su imaginación y a su mundo sonoro.

En sus letras (algunas en francés, otras en ingles, otras en ambos idiomas) nos cuentan acerca de la vida y la muerte, el bien y el mal, luz y oscuridad, el arte, ideas politicas, utopias, la necesidad de amar (esa eterna necesidad) y de aquellos momentos y placeres de la vida que a pesar de su simpleza nos son tan preciados como las grandes cosas.

En la producción del album, tenemos a mentes como las de John McEntire (Tortoise, The Sea and the Cake) y Jim O'Rourke (quien en ese momento aun era un miembro de Sonic Youth).

Decia el legendario Miles Davis que había muchos músicos que podían tocar realmente bien, como el mejor de los virtuosos, pero pocos que tuvieran un sonido único, ese sonido que los hacia sonar a ellos mismos y a nadie más. Stereolab siempre conto con uno propio y eso es lo que los hace tan grandes, emotivos e inspiradores. Es esta la música que se filtra en la vida, se mantiene en el corazón y le da esperanza al alma.

Tracklist:
1. "Black Ants in Sound-Dust" – 1:58
2. "Space Moth" – 7:35
3. "Captain Easychord" – 5:33
4. "Baby Lulu" – 5:13
5. "The Black Arts" – 5:12
6. "Hallucinex" – 3:55
7. "Double Rocker" – 5:33
8. "Gus the Mynah Bird" – 6:10
9. "Naught More Terrific Than Man" – 4:10
10. "Nothing to Do With Me" – 3:38
11. "Suggestion Diabolique" – 7:52
12. "Les Bons Bons des Raisons" – 6:43

Aquí el link para descargar el disco:
http://rapidshare.com/files/179229413/Stereolab_-_Sound_Dust.zip

Stereolab anuncio recientemente al publico su separación por tiempo indefinido.

El nombre en la dirección de este blog se debe a una de sus canciones.

Atlas Sound: Idiosincrasia de ecos

2009-09-28T21:41:00.005-05:00

El síndrome de Marfan es una de esas raras enfermedades genéticas hereditarias, y lo que la caracteriza es un extraño y anormal crecimiento en la longitud de los miembros del cuerpo, por ejemplo, y para tener un concepto del asunto, algunas personas famosas lo han padecido, como Joey Ramone, Abraham Lincoln, Nicoló Paganini y hasta el terrorista por excelencia Osama Bin Laden... entre varia gente populachera que padece la curiosa enfermedad esta por ahí el chico Bradford Cox al que varios tal vez le conocen por su agrupación Deerhunter, más no es mi intención profundizar en ellos , si no más bien, enfocarme en Atlas Sound, el proyecto de solista de Cox.

Y es que por ahí cuentan que después de un tiempo con Deerhunter, el buen Bradford seguía con la inquietud de mostrar a la luz cierto material que había grabado desde que cursaba el sexto grado con ayuda de una maquina de karaoke, sin embargo no se atrevía a incluirlas como material de su agrupación pues era un proyecto muy personal y tal no se encarrilaba lo suficiente con lo que ya venía elaborando con sus compañeros de banda (aunque cualquiera que haya escuchado Cryptograms no podrá negar que algunas piezas tienen un estilo muy parecido), así que el chico prefirió de manera independiente dar a conocer a su proyecto alterno al que desde años atrás ya había venido afinando hasta culminar en un álbum que pareciera que trata sobre ecos, ecos del post punk, ecos del shoegazing, ecos ambient, ecos noise, acompañados de secuencias electrónicas, ruiditos que descolocan y sonidos que extraen de la realidad por sus alucinantes y suaves atmósferas.

Let the blind lead those who can see but cannot feel (2007) es el disco debut, algo tan digno de recordar de los lanzamientos de aquel año, tan ligero y flotante como un átomo de helio y tan delirante como una ingestión de óxido nitroso... esta es música que obsequia inocente y amablemente boletos de ida a planos electropsicodelicos, sin siquiera dolerse o incomodarse por la sobredosis...

Disco dirigido sobretodo para los que gustan de las cosas ambient, "pop-experimentales", y a la vez tienen nostalgia por agrupaciones como Jesus and Mary Chain.

Por cierto, el próximo mes llega la entrega del segundo álbum de Atlas Sound para que estén todos atentos a lo que Bradford Cox nos trae este 2009.

Que disfruten del paseo en globo.

Para descargar el disco dar click en la portada.

A Silver Mount Zion. Diferir. Resistir.

2009-09-21T22:55:00.007-05:00

Hasta la educación media superior hay un aroma de polillas en toda la teoría y pensadores que nos enseñan; suenen tan distantes, tan irrelevantes para la edad, tan muertos.

Es el primer semestre en la Universidad, la materia de Teoría Social I, más abstracción, más pensar --y yo encantado. Llegada la mitad del curso, con Comte, Marx y Weber revisados la profesora anuncia que veríamos a un teórico que tal vez sería el primer personaje vivo que estudiaríamos. En mi caso lo fue, en la preparatoria lo más "nuevo" a que llegué fue Sartre, nada mal.

Pero pensé, este señor todavía está vivo, respira por ahí en algún lugar del mundo; se enteró como yo del 11 de septiembre, vio pactarse los TLC's, observó el nacimiento de la Unión Europea. Tan vivo. Se trataba de Jürgen Habermas; un nuevo post-adolescente idealista universitario de primer semestre no puede más que estar de aceurdo con el viejito alemán.

Termina la carrera, y uno se sorprende de la distancia en perspectiva teórica que ahora separa aquellos primeros días; tres veces cantaron Heidegger, Lumann y Derrida y yo negué a Habermas (=?). Sin embargo uno receurda el primer acuerdo, y no hay manera de resistirse a la sensibilidad y fuerza de su razonamiento.

Lo que entendí esa primera vez es que la soceidad era irracional sencillamente porque ya producía los medios e insumos para resolver por mucho todos los problemas de ambre en el mundo. ¡¿Y por qué demonios no lo hace?! ¡La riqueza del planeta alcanza para que ya no exista un pobre en el planeta! Es el proyecto de las Luces realizado, pero en manos de unso cuantos!

Escuela de Frankfurt, Teoría Crítica, Neo marxismo. Después de Lacan, Derrida y cuanto enfermo suelto pueda legitimamente escribir un libro nada fue igual; dejé de creer en las utopías, en la razón, vi de frente la perversión del comunsmo --bueno no, ciertamente no, no vivi en la Europa Oriental de la guerra fría.

Pero la invitación sigue ahí, y sigue siendo igual de exasperante que una persona muera de hambre en el mundo, que un niño muera de diarrea cuando el resultado histórico del desarrollo técnocientífico basado en autoritarismos etnocentristas por lo menos ha inventado las vacunas. Se ha negado la potencia de la razón, ¿pero eso deja intacta la sinrazón, la barbarie? --si todos los países consumieran al ritmo de los EU, se necesitarían 9 planetas para proporcionar los recursos [y ahí viene China]. Que 4 mil millones de almas tienen una existencia inviable en el planeta. Que gente muera porque un país lejano porque otro país necesita petróleo para que una señora mueva su diminuto trasero en un monstruo de cuatro llantas y una tonelada que es a la gasolina lo que Carstens es a los almuerzos. Es tan estúpido el sentido que las cosas llevan. Y dan más ganas de diferir, de resistir, de negarse a toda costa a formar parte de ello. Qué es imposible cambair el mundo; seguro. pero el mundo no tiene por qué cambiarlo a uno, doblegarlo a sus formas, a sus palabras, a sus ritos, a sus rituales; y cuántas ganas dan de lanzar una molotov.

Todo este sentimiento habita en A Silver Mount Zion... un grupo que dice de su música hecha con violines "This is our punk rock", que en una canción canta con dos voces que susurran como el demonio y el ángel al oído, uno de cada lado:

(left):

The community is sick and the community is blind, yeah.
And it's colder than poland and the sun is not shining here;
And we're tangled in the shit of each other's ruined affairs;
And half of us are faking, and the other half is tired and scared...

(right):

Please believe in labour and hope and joy;
'Cause like a little boy, i have destroyed hope and joy;
And lately i dream about angels with molotovs;
And nightly they fist me, wrists like tender trucks...

(y los dos cantan): These hands could've moved mountains

El nombre del disco es una cita bíblica de Job: "Yet man is born unto trouble, as the sparks fly upwards" (Job 5:7) (en español: "Pero como las chispas se levantan para volar por el aire, así el hombre nace para la desdicha.")

Wikipédialos acá
Bájalo acá
Resiste en tu lugar

Tracklist:

"Sisters! Brothers! Small Boats of Fire Are Falling from the Sky!" – 9:07
"This Gentle Hearts Like Shot Bird's Fallen" – 5:47
"Built Then Burnt [Hurrah! Hurrah!]" – 5:41
"Take These Hands and Throw Them in the River" – 6:58
"Could've Moved Mountains" – 10:59
"Tho You Are Gone I Still Often Walk w/ You" – 4:48
"C'mon Come On (Loose and Endless Longing)" – 8:06
"The Triumph of Our Tired Eyes" – 6:54

[edit]

Astor Piazzolla: Muerte y transfiguración del tango

2009-09-14T07:17:00.023-05:00

El 11 de marzo de 1921, nace en Mar del Plata, Argentina, Astor Piazzola, hijo de inmigrantes italianos. En algún momento de 1921, su padre, sintiéndose nostálgico por su Italia natal, compra un bandoneón en una casa de empeños por 18 dólares y lo pone en manos de su aun pequeño hijo, Astor, sin darse cuenta en ese momento que estaba ayudando a despertar a uno de los más grandes talentos del siglo, al hombre que cambiaría el tango para siempre.

Piazzolla pasaría gran parte de su infancia en Nueva York, antes de regresar a Argentina en 1937, donde tocaría en cuantos cabarets y orquestas encontrara, al lado de los mejores músicos de tango de su pais. Años después, decidido a convertirse en compositor, se presenta sin ningún aviso en la casa que el famoso pianista Arthur Rubinstein tenia en Buenos Aires, con una partitura bajo el brazo (bastante amateur, segun recuerda él mismo), y por mediación de Rubinstein, se pone en contacto con el no menos famoso compositor Alberto Ginastera, quien hasta entonces no había tenido un solo alumno y que estaba a punto de sacar a la luz las obras que le darían el amplio reconocimiento del publico. Seis años pasaría bajo su tutela.

En 1953, obtiene un premio por un obra suya, llamada Sinfonieta, para estudiar en Paris con Nadia Boulanger, la mejor maestra de composición del siglo XX (quien, curiosamente, nunca quizo componer nada ella misma). En este punto de su vida, Piazzolla comenzaba a avergonzarse de ser un músico de tango en aquel ambiente "de conservatorio". Es bien conocida la historia de como la Boulanger le alentó a que siguiera con esta música popular, cuando el estaba a punto de olvidarse de ella en favor de la sinfónica. "¡Pedazo de tonto, esto es Piazzolla!", solía decirle la vieja maestra. En ese momento, Piazzolla comprendió que había encontrado un estilo y que no debia abandonarlo.

Astor Piazzolla es probablemente el mejor melodista de la segunda mitad del siglo XX (los otros geniales compositores de su generación se alejaron del camino melódico para explorar otros caminos menos transitados). Como el brasileño Heitor Villa-lobos, llevo la música popular de su país a las salas de concierto del mundo, justo como los viejos húngaros, Kodaly y Bartok hicieran antes con la música folclórica de su tierra natal.

Emoción; parece ser el primer mandamiento de Piazzolla; inquebrantable: la emoción ante todo. ¿Y quien es capaz de quedarse impasible, no sentir sus nervios exaltarse y escuchar su corazón latir más rapido al escuchar esta música?

Imaginese a un virtuoso del bandoneón (¡y que virtuoso!) tocando mientras en el fondo hallamos golpeteos al piano, armonías ultramodernas, bitonalidades y otro montón de elementos musicales maravillosos más. Tal vez no seria tan aventurado decir que Piazzolla es el precursor directo de lo que hace hoy en día la banda inglesa Radiohead, quienes tomando influencias de compositores orquestales como Messiaen y Penderecki llegaron a crear sus propias piezas de rock.
Un crítico del New york Times dijo una vez: Todo lo "de arriba" que hace Piazzolla es música; y por debajo, se siente el tango. "Y tenía toda la razón", solía decir el compositor.

Músico de fusiones, Piazzolla revitalizo el tango como nadie; no solo alimentandolo con siglos de música clásica (Bach, los romanticos del siglo XIX, Bartok, Stravinsky), las mezclas y los experimentos continuarían: su intento de tango-jazz, su octeto electrónico, colaboraciones con Veloso y otros músicos latino-americanos. La única fusión que al parecer nunca pudo realizar (a pesar de haber intentado con Spinetta y Charly Garcia) fue la de tango-rock; en propias palabras de Piazzolla, el rock argentino de los ochentas estaba entrando en la misma situación que el tango de los cuarentas ("No querían cambiarlo por nada del mundo, hacían todo lo posible por mantenerlo viejo y aburrido"). Llego a ganarse varios enemigos entre los tangueros de su país, quienes pensaban que su música no era tango de verdad, pues traicionaba toda su tradición musical. Pero independientemente de sus detractores, Piazzolla se ha abierto camino; escuchándose cada vez más; y el numero de sus admiradores, creciendo cada día. Hoy, 17 años después de su muerte, su música sigue más viva que nunca.

57 Minutos Con La Realidad

Este disco (del cual he encontrado poquísima información) se editó pocos años después de la muerte de Piazzolla; es parte de un álbum inacabado, grabado en Alemania en 1989 (tracks 1-4); y de unas grabaciones para la BBC en Inglaterra (tracks 5-8).
La agrupación esta formada por un sexteto: Dos bandoneones, Piano, Guitarra, Cello y Contrabajo.
Tracklist:
1) Imagenes
2) Milonga Para Tres
3) Buenos Aires Hora Cero
4) Pasajes Obscuras Dos Estrellas
5) Tres Minutos Con La Realidad
6) Mumuki
7) Sextetu
8) Adios Nonino
9) Prelude To The Cyclical Night

http://rapidshare.com/files/85939430/astor_piazzolla_-_57_minutos_con_la_realidad.rar.html

Me he tomado la libertad de poner un bonus (una recopilación de dos discos que hice yo mismo).
Aquí los links y la info:

Disco 1
1) Libertango
2) Soledad
3) Tango Apasionado
4) Milonga For Three
5) Street Tango
6) Knife Fight
7) Milonga del Angel
8) La Muerte del Angel
9) Mumuki
10) Sur: Los Sueños
11) Sur: Regreso al Amor
12) Fugata
13) Remembrance

http://www.megaupload.com/?d=4E53ALII

Disco 2
1) Five Tango Sensations: Asleep
2) Five Tango Sensations: Loving
3) Adios Nonino
4) Bailongo
5) Contrabajissimo
6) Adios Nonino (Version Orquestal con Bandoneon)
7) Tango Suite: Allegro
8) Tristango
9) Muerte del Angel

http://www.megaupload.com/?d=O2JSYF1L

Kraftwerk: Radiaciones Espontáneas

2009-09-07T22:01:00.005-05:00

Maria Slodowska-Curie mejor conocida por el mundo como Marie Curie, poseía un talento nato para las ciencias exactas como pocos, desde pequeña destaco por ser una estudiante sobresaliente, aplicada y disciplinada , a pesar de algunos infortunios que le toco pasar como vivir en carne propia la pobreza extrema y posteriormente la muerte de su madre y una de sus hermanas. Con el tiempo esto le afecto severamente en lo espiritual, sin embargo no repercutió para truncar sus deseos de lograr convertirse en una importante figura científica. Según datos biográficos por ahí de 1906 Marie ya con su doctorado fue la primera mujer en impartir clases en una universidad en Francia, y para aquella ocasión ésta mujer decidió hablar de la Radioactividad, tema que tenía bien conocido pues su tesis había sido inspirada por los trabajos de Henri Becquerel quien poco tiempo antes había encontrado que las sales de uranio transmitían unos extraños rayos de origen y naturaleza desconocida, unos rayos que por absurdo que parezca ni la misma Curie pensaría que servirían de inspiración para nombrar un disco de música electrónica casi 70 años después, y mucho menos que su nombre serviría para adornar uno de los temas más emblemáticos de ésta agrupación Alemana que son el pilar de la música electrónica.

Y es que pensémoslo detenidamente, es exagerado y osado comparar los descubrimientos y aplicaciones de la radiactividad en la vida moderna, con la electrónica en la música popular, pero ambos fueron un parteaguas, a Curie estos descubrimientos de la radiactividad la inmortalizaron para siempre brindándole dos premios Nobel y a Kraftwerk su experimentación en esta rama los dejo marcados para siempre como la agrupación base de la que partió este prolífico genero.

Radio-Activity (1975) el sexto disco de los hombres robot, es un álbum conceptual que transmite y habla de las maravillas energéticas que produce la Central del energía ( Kraftwerk), un álbum adelantadísimo para su época, cualquiera que se haya tomado el tiempo de prestarle atención se dará cuenta que podrán sonar simples, que quizá actualmente cualquier tipo puede elaborar con la tecnología de ahora eso que aquellos alemanes emprendieron, pero recuerden que en aquel ’75 el mundo estaba invadido por cosas completamente diferentes, sin duda, la vanguardia y energía que estos seres emitían distaba mucho de lo que sonaba en aquel entonces (de solo recordar la música disco me ocasiona un extraño mareo), si bien el Krautrock estaba en su apogeo y las otras ramas progresivas seguían experimentando ( en ese mismo año tenemos desde lanzamientos de Pink Floyd, Frank Zappa y Procol Harum) no había otra que estuviese elaborando algo similar con electrónica.

Con 38 minutos de intensos rayos radiactivos, entre el uranio, ondas, electroshocks y algunos isótopos inestables, podemos disfrutar del paseo por las instalaciones de la planta energética, para goce de nosotros sin altas probabilidades de contraer cáncer, a diferencia de aquella importante mujer que desgraciadamente falleció de anemia aplásica a causa de las radiaciones a las que se expuso durante mucho tiempo. Kraftwerk a manera de tributo le reconocieron sus esfuerzos:

Para descargar da click en la portada del álbum.
Que recarguen sus baterías.

Henryk Górecki: Catharsis elegíaca

2009-08-31T20:04:00.005-05:00

La estructura general del lenguaje mágico consiste en que no hay separación entre lo dicho, el significante, y el objeto que enuncia (se parece ésto a la explicación de la psicosis que ofrece Lacan); pronunciar el nombre de la cosa es ya, por sí mismo, traerla a la presencia. Pronunciar de manera adecuada la invocación a un espíritu es traerlo en sí mismo, nombrar al diablo es invitarlo.

Irracional en nuestros días parece creer esto, pero los pueblos antiguos, mágicos, intuían algo en la potencia de la palabra y en general en todo sistema de representaciones; el signo, ese puente que se tiende el mundo interno, la mente, el espíritu si se quiere, y el mundo.

Algo así de literalmente mágico me sucede con la Sinfonía no, 3 de Henryk Górecki, titulada en polaco Symfonia pieśni żałosnych (Sinfonía de canciones tristes). Su potencia alegórica es tanta que me da miedo ponerla a veces, sobre todo cuando un sabe de dónde viene la temática de la obra, y de qué tipo de lamentación se están llenando los oídos, el alma entera.

Consta de tres movimientos lentos, el primero, un Sostenuto tranquillo ma cantabille, dura poco menos de media hora, una Soprano en solitario recita un lamento de la Virgen María que data del siglo XV; el segundo, un Tranquillissimo que considero el momento más devastador y hermoso de la obra, repite unas parabras que fueron encontradas en el muro de una cárcel de la Gestapo donde recluían a judíos y polacos, las aplabras fueron escritas por una niña que ruega a la Virgen María para que interceda por ellos; el tercero es un Cantabile-semplice, basado en una canción folklórica que relata cómo una madre busca a su hijo asesinado durante los levantamientos de Silesia (en 1920, cuando dicha región lucha apra separarse de la República de Weimar y unirse a la Segunda República Polaca).

Es mágica, casi necromántica, porque nombra a la muerte y la tristeza encarnada; su fuerza alegórica es tanta que me hacer sentir que al escucharla puedo estar con/in/pro-vocando a la muerte misma, llamando a la potencia más triste que se pueda conocer (ya lo dice Lyotard, después del Holocausto, la muerte no es lo peor que puede pasar).

Musicalmente, cada recurso fortalece el sentido de tristeza, sobre todo con los drones continuos (un efecto monofónico de una nota u acorde que se va repitiendo), que da un efecto de pseadez, de agonía que se prolonga, parece que todos los momentos de amargura en la vida sucedieran así de lento. La sinfonía también representa una transición en la obra de Górecki, entre su inicio en la disonancia y su posterior incursión en la tonalidad.

Me parece catártico en el sentido que Platón entiende el Pharmacon en uno de sus diálogos, algo que es más próximo a la enfermedad que a la salud; para salir de la tristeza qué mejor que una sobredosis de tristeza, cuando un trata de imaginar ese dolor de una madre laméntando la pérdida de un hijo (¡y en qué condiciones!), cualquier amargura dominguera de un amor ficticio parece una tomadura de pelo.

Clic en el cover de la grabación para bajar, gracias a soundsofbeauty por el link:

Slowdive: Escondites de Ilusiones

2009-08-23T17:55:00.003-05:00

La primera parte de la década de los noventas nos trajo una severa indigestión de grunge, prácticamente ese producto yanqui se vendió hasta los confines más recónditos del universo y dejo a otros productos salidos de la planta de música popular algo opacados, y no por carecer de calidad sino más bien por que pasaron desapercibidos para la mayoría de los escuchas.
Mientras en Estados Unidos Kurt Cobain seguía llenándose los bolsillos de dinero, allá en el viejo continente unos jugaban en el deshuesadero de géneros musicales que habían tenido una fugaz fama a finales de los ochentas, estos era el dream pop apadrinado así por Cocteau Twins y sus famosas guitarras trémulas, y el shogaze, ramificación del dream pop que entre otras es identificable por una excesiva aportación de reverbaciones.

El shoegaze en comparación del dream pop había sido todavía menos popular, solo un puñado de bandas lo habían abanderado, la más representativa de todas había sido My Bloody Valentine que solo tiene dos álbumes en su haber, ambos estupendos y clásicos para la comunidad alternativa; apenas dos años después del último disco de MBV allá por el ‘93 cuando parecía que el shoegaze se había muerto, y que el grunge y el britpop seguían propagándose como ahora la influenza, Slowdive una de las bandas de ese minoritario puñado shoegazer aporto a la escena a Souvlaki (1993) que es sin duda y lo digo con toda la sinceridad que puedo que es uno de los álbumes más hermosos que he escuchado.

Entre los shoegazers Slowdive era la más obscura, incluso cercana al darkwave por eso es más fiel al sonido Cocteau Twins en algunos de sus temas, pero como todo fiel representante de los delays Slowdive goza de esa saturación de ecos que produce una atmosfera espacial, tantos reverbs transportan y dejan suspendido en ese sueño de melancolía.

Porque eso es Souvlaki, un sueño, una ilusión... sus voces tímidas lo susurran todo el tiempo.
La esperanza y desilusión habladas desde lo más sensible y profundo del corazón.

Éste álbum podrá no haber sido significativo comercialmente en ningún aspecto pero es sin duda un punto de quiebre en el shoegaze.

Dejo un video de uno de mis temas preferidos del álbum, por ahí en el la pantalla verán el logo de Mtv de aquel entonces cuando el canal transmitía videos y no se dedicaba al negocio de los reality shows.

Para descargar Souvlaki dar click en la portada del álbum.
Que disfruten del sueño.

Univers Zero: El Rock auténtico deja de ser Rock

2009-08-17T18:14:00.005-05:00

El Rock; Ser rebelde; decirle "no" a los viejos; "ir contra el sistema"; Ser contestatario; Cambiar el mundo a pantalonazos y guitarrazos --by the way, hoy se cumplen 40 años de Woodstock. El ratón de los dientes; los reyes magos; un mundo de confort; padres responsables y asexuados.

Llega un momento en la vida de todo niño en que deja de creer que alguien pagaría por sus dientes, que sus padres son el modelo perfecto de ser humano, que tres tipos barbudos recorren el globo para traerle juguetes. Así, llega un momento en la vida de todo hombre en que deja de creer en el Rock, deja de confiar en las idealistas frases de sus ídolos, viendo cómo se reveulcan en el mar de la opulencia a costa de quien sabe cuántas carencias afectivas de adolescentes trastornados.

Llega el día en que lo gritado en himnos generacionales se hace polvo ante la decadencia de un panzón, pelón, apenas rehabilitado que ofrece una patética gira de conceirtos para pagar deudas millonarias que contrajo en sus días dorados. Llega ese día en que nos damos cuenta de que nos gusta lo que nos digan que nos va a gustar, lo que suene en el momento, lo que se esté bajando.

Pero llega --by the way algunos dicen que Woodstock fue el momento en que el Rock perdió su inocencia, ante el potencial de mercado masivo, el market clavó los dientes para no soltar nunca a esta presa, una gansa de huevotes de oro.

Casi 10 años después de Woodstock, en 1978, bajo los reflectores, lejos de las cámaras se preparaba un festival, un antifestival. El lema de su cartel [imagen] rezaba "Five Rock groups the record companies don´t want you to hear". El evento simplemente se llamaba "Rock in Opposition", alineaba a Henry Cow (Inglaterra), Stormy Six (Italia), Samla Mammas Manna (Suecia), Univers Zero (Bélgica) y Etron Fou Leloublan (Francia).

Sonidos muy heterogéneos entre sí, a pesar de lo cual se respiraba un aire común: su oposición a la voracidad del mercado, a la industrialización sin sentido de la música. Y para evitar que sucediera lo que a otros movimientos "contestatarios" que se masifican al poco rato, cuando son plato de cualquier mesa snob, tenían una dura coraza: técnica musical, áspera, obscura, a veces pesada, lo suficientemente poco digerible para pasar desapercibida por el mercado (sus influencias como Stravinsky, Bartók, Cage no son, sin duda para augurar buenos resultados comerciales).

Univers Zero es el llamado en esta ocasión, y responde con un Rock atonal; es inevitable imaginar a un Stravinsky ensamblando su propia banda de Rock. Se ven a lo lejos, las masas de adolescentes perdidos, con sus almas extirpadas; no vendrán to join the party. Esta es buena música para cuando los mitos se desmoronan, una buena música para ser libre.

El disco se llama Uzed, y naturalmente no quiero decir más de él, escúchenlo y si les interesa más información wikipedia lo sabe casi todo. Para bajar sigan el linK:

http://www.4shared.com/file/124704341/f6be7b19/Univers_Zero_-_Uzed.html Gracias a proginblog.blogspot.com (tengan la seguridad de que al descargar este disco ninguna compañía disquera los demandará).

The Sea and Cake: Post-Rock muy Pop

2009-08-10T22:49:00.007-05:00

Hace días recordaba una mala experiencia de cuando era muy niña, fue en una ocasión en la que por hacer caso omiso a algunas reglas de mi madre me puse a correr como loquita por un área donde no debía y pise accidentalmente una tabla que tenía uno de esos grandes clavos oxidados, cabe decir que ni me percate en el momento en el que me atravesé dicho fierro, solo recuerdo que empecé a sentir mojado el pie izquierdo, cada vez que pisaba me daba una sensación pegajosa, fue entonces donde decidí echar un vistazo y cuando por fin me quite el tenis vi mi calceta blanca teñida totalmente de rojo, fue todo un drama, hasta ese momento no había sentido dolor alguno pero al ver la sangre llegue a punto del desmayo.

Estando yo ahí ya sentada en el piso muy asustada y envuelta en lágrimas, mi mamá acudió a mi rescate para llevarme rápidamente a atenderme esa desagradable herida.

Cuando recordaba aquel momento tenía de fondo a Oui de The Sea and Cake y aunque de solo recordar todo el brote de sangre saliendo y ese pequeño orificio que me quedo en la planta del pie me sentía algo nerviosa, por más que intentaba recordar, el tema musical que tenía de fondo me distraía y no podía armar exactamente el final de la historia, ya no recordaba bien si el médico que me atendió inmediatamente me vacunó contra el tétanos o si primero mi madre me dejo ver como una niña desobediente delante del doctor; el orden del recuerdo había perdido, pero repito tenia de fondo The Colony Room y con ese temazo cualquiera pierde “el hilo” hasta de uno de sus momentos más traumáticos de su infancia (bueno, quizá no todos, solo alguno que otro atolondrado con la música).

Así que decidí olvidarme por un momento de pie perforado y me dispuse a disfrutar del álbum reproduciéndolo nuevamente desde el principio.

El álbum comienzan con Afternoon Speaker tema para disfrutar de una base popera adornada con beats electrónicos, dando a conocer un poco de los que estos postrockeros son capaces de hacer adentrándose tanto en la electrónica como en su poprock jazzeado, con esto de las etiquetas es común ver a Sea and Cake como post jazz, etiqueta que por cierto he visto hasta haciendo acto de presencia con interpretes como Dido (¡!), así que para no confundirnos dejemos en que al menos en Oui la mezcla difiere a aquello que la chica ex Faithless ha hecho. Pero para dejar un poco más en claro su sonido, a mi me da la impresión que “The “c “ and cake “ es como escuchar a Tortoise dedicándose a hacer pop, con melodías bellas y suaves que llenan de románticos suspiros involuntarios a pesar de que momentos antes hubieses estado recordando a tu pie mutilado, pero otro plus agradable en esta agrupación es que a final de cuentas se muestra orgullosa de sus raices sin abandonar nunca esa esencia experimental; parte de que sobrevengan los ecos de Tortoise es porque el multistrumentista John McEntire toca la batería en esta agrupación dejando una huella perfectamente reconocible en este disco que se percibe de manera tan hipnotica y delicada, suficiente para complacer a los seguidores del post rock en sus ratos más alegres.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind… o algo asi… quien dice Oui?

Para empezar el proceso de borrar tus malos recuerdos da click en la portada del álbum.

Peter Von Poehl: Where the tea trees are

2009-08-02T23:13:00.005-05:00

¿Qué pasaría si de repente todo lo que uno ha deseado apareciera enfrente? Si todos los pretextos, quejas, limitantes, perdieran su peso y simplemente las cosas, aunque sea por un momento, fueran como deben ser [o más desconcertante aún, si lo más anhelado hubera estado siempre a un lado]; si repentinamente tuvieramos todo, sin atenuantes, para ser felices.Tal vez pocos serían capaces de vivir tal momento, de alejarse de la sospecha metódica, tan acostumbrados a la entropía del universo, tal vez no seríamos capaces de ver la felicidad si la tuvieramos frente a nuestros ojos.

El sentimiento es parecido a lo que provoca "The Lottery", una de las últimas canciones de "Going to where the tea trees are", disco publicado en 2005 por Peter Von Poehl. La pieza, con una de esas melodías que se pegan a los oídos (that means pretty pop), pregunta sencilla, pero reflexivamente "If you won the lottery, what would you expect? what if you had all you ever wanted?". Un tono de pregunta inocente y al mismo tiempo curdo, un tanto revelador y desconcertante.

Todo el disco tiene en general el mismo sentimiento, ambiguo, agridulce, y en todo momento placentero. La abridora, que da nombre al disco, anuncia bien toda la textura del álbum; dicho en lugares comunes, habla de esos momentos de caída, más precisamente qué hacer despues de la caída, "So I will go to where the tea trees turn to wine. I'll be just fine, it takes a believer sometimes". Parece que sí, en efecto a veces hace falta parar el carro de la duda hiperbólica cartesiana y creer en algo; esa puede ser la esencia del pop bien ejecutado, como es el caso de este sueco, versión benevolente y no suicida de Kurt Cobain.

En géneros de alta calidad (léase progresivo, jazz, etc), la idea es ir más allá, y más, sin parar. Un pop hueco es no saber a dónde ir, pero un pop bien hechecito es simplemente un descanso, por un momento dejar de buscar, de dudar, dejar de cuestionarse, de caminar y escribir. Simplemente parar.

Ficha técnica:
Bella Union (2005).
1. Going To Where The Tea Trees Are
2. Tooth Fairy
3. Travelers
4. Virgin Mountains
5. Broken Skeleton Key
6. Global Conspiracy
7. Scorpion Grass
8. Story Of The Impossible
9. Tooth Fairy
10. Lottery
11. Little Creatures
12. Bell Tolls Five

Clic aquí para bajar. Gracias a Fede por el link

Set Fire To Flames: Solemnidad experimental

2009-07-26T12:58:00.004-05:00

Entre las bandas de post rock canadiense mucho se ha hablado de A Silver Mount Zion, descendiente directo de Godspeed You! Black Emperor que es significativamente una de las agrupaciones más importantes que existen actualmente, pero casi nunca se hace énfasis sobre Set Fire To Flames una banda de más bajo perfil que desciende de la misma línea de atmosferas solemnidad y descarga emocional solo que regocijándose en el plano experimental minimalista, su álbum debut Sings Reign Rebuilder (2004) es ideal para sumergirse en el misterio de una noche perturbadora en donde podemos encontrarnos en diferentes escenarios: desde un paseo por la ciudad donde escuchamos a coches andando, alarmas y a borrachos gritando a mitad de la calle, hasta encontrarnos perdidos en una casa vieja y abandonada caracterizada por abundantes rechinidos y crujientes sonidos que despiertan antiguos fantasmas que no hacen más que generar misterio.

La agrupación es un colectivo armado por 13 músicos de los cuales 10 son pertenecientes de GY!BE, éstos se reunieron para ensamblar este proyecto inspirado en las sombras, desde su grabación parecería que los mismos integrantes de Set Fire to Flames decidieron ponerse en un estado tanto físico y mental apropiados para dar con el exacto resultado para que la obra tuviese esas similitudes de desgaste y desanimo. Ellos que casi no habían dormido y se encontraban bajo efectos de intoxicación dieron con éste álbum, un trabajo que definitivamente no es para todo el mundo, por eso hasta los mismos fans mas postrockeros se han atrevido a ignorarle porque no es el típico post rock instrumental que los canadienses nos han acostumbrado a escuchar. Se rodea de ruidos de ambiente acompañados de esos violines tan característicos pero tiene como diferencia ser muy inconstante en las estructuras de sus temas por ser muy improvisado pero a la vez calmo, se dan el lujo de hasta jugar con el trip hop en There Is No Dance In Frequency and Balance... para después regresar a la música concreta y el traslape de ruidos tan común en este disco debut. En ocasiones parece que los temas terminan a la mitad solo para dejarnos en incertidumbre y luego volver a aterrarnos de miedo en el rincón más lúgubre donde nos habían abandonado haciendo resonar esos violines hipnóticos una y otra, y otra vez.

Increíblemente envolvente y hechizante…

Set Fire to Flames da la impresión que ese justo escenario nocturno se prolonga, se dilata, cuando más parece que vendrá la luz nos jalan de nuevo a esa casa abandonada en donde no existe ni un mínimo halo que ilumine algo alrededor.

Que disfruten de los fantasmas.

Para descargar el álbum da click en la imagen de la casa.

Martigan: El arte del Rock, el arte de perderse.

2009-07-13T00:46:00.006-05:00

En su página oficial tienen la frase de entrada "A tribute to the art of rock"; algo tan concreto como cierto para Martigan, un conjunto alemán de Neo Progressive/Art Rock, pues el núcleo del rock es tomado en un barco que va dejando rápidamente las islas desiertas de la industria cultural para adentrarse, y sobre todo perderse, en un inmenso már artístico. En efecto, es tan fácil olvidar los vuelos estéticos que el rock, esa síntesis básica de guitarra, bajo, teclados y batería puede alcanzar. Y lo más alentador, se trata de un disco publicado en 2009.

Algo que es muy criticado de grupos contemporáneos de alta factura técnica y pretensiones progresivas es que hacen a toda costa, a veces cuando es francamente innecesario, piezas épicas (léase como composiciones de por lo menos 20 minutos llenos de virtuosismo técnico, crescendos y tiempos complejos), prolongaciones que resultan estériles, obesas de técnica, pretensiosas y sin alma. "Vision", último disco de Martigan (en una trayectoria que inició en 1994), abre con una épica titulada "Boatmans Vision", y para sorpresa de los estereotipos no tiene un solo segundo de desperdicio; de principio a fin, ya en los pasajes etétereos, ya en los rápidos y complejos, todo está en su lugar, nada sobra, ni un sonido, ni un murmullo. Inicia con unas profundas y agudas percusiones que trazan una frase que se repetirá otro par de veces en la larga jornada para recordar el "tema" de la pieza; esos sonidos introductorios tienen un aire de incertidumbre, misterio, pero sorpresivamente de comodidad, es un sonido agridulce.

Entocnes abre un riff pesado, con reminiscencias de Riverside o Dream Theater, que se disfruta más cada que se desdobla con una ntoa aguda para girar sobre su eje e iniciar de nuevo; entra la voz con cierto eco de aquel registro nasal de Peter Gabriel para contar una historia de náufragos, de esperanza y desesperanza. El estribillo es uno de esos que en el momento y lugar más inesperados están siendo recordados por un inconsciente que anhela volver a poenr la canción, se acompaña por el mismo riff, lo que le da uan presencia difícil de olvidar.

Entra el pasaje atmosférico con una voz profunda en tono de narración que rompe diciendo "meant to be rescue, meant to be free, meant to survive" para dar paso a un portentoso solo de guitarra alucinante, que no le pide nada a ningún solo histórico del progresivo. Estructuralmente la idea se repite con las variaciones pertinentes, otro par de solos (el segundo es el mejor, demoledor), algunas atmósferas que no desmerecen y el ceirre con el tema y estribillo principal. Impresionante, los 20 minutos se desvanecen en el océano descrito.

A decir verdad el disco no regresa a un punto tan alto, tal vez sea un error inaugurar la placa con semejante portento. Sin embargo no hay desperdicio, salvo algún pasaje de relleno que termina por ser irrelvante; las piezas regulares no desentonan, un poco de virtuosismo por aquí, buenos teclados por allá, acertados coros y frases sonoras. 79 minutos que, temiendo desperdiciar un solo segundo de la capacidad de almacenaje de un Compact Disc, cierran con otra épica, nada mal. El rock también puede ser arte, y conforme se desvanece la última nota de Vision uno sabe que acaba de constatarlo.

Dan ganas de volver, de volver a perderse en ese mar de notas, tiempos y pasajes, proque en esa inmensidad es difícil atrapar todas las ideas, todos los momentums, y tal vez no lo hagamos, esa complejidad está diseñada para nunca ser aprehendida en su totalidad. Por si fuera poco, cada que volvemos a perdernos algo ha cambiado en el disco, aquél sonido no estaba antes, ahora brilla más, mañana se ocultará tal vez. Es desde ya uno de mis favoritos de este año, sin duda candidato a convertire en un clásico del Neo Prog (junto a placas de Pendragon, Marillion, Arena, IQ, et. al.). Para bajar el disco clic Aquí, den vuelta a la izquierda y sigan las instrucciones de Taringa.

Ficha Técnica:

1. Boatmans Vision (23:12)
2. Craze This Town (6:46)
3. Snapshots (2:22)
4. Touch In Time (7:57)
5. A Great Concern (1:03)
6. Much More (6:51)
7. Red & Green (10:56)
8. The Contract (20:11)

Total Time: 79:18

Line-up / Musicians

- Alex Bisch / drums, vocals
- Bjorn Bisch / guitars
- Kai Marckwordt / vocals, guitars
- Oliver Rebhan / keyboards
- Peter Kindler / bass

With:
- Mirko Baumer / vocals
- Florian Saupp / kids voice on track 1

Múm: Delicadezas electrónicas

2009-07-05T21:06:00.004-05:00

Uno de los discos que nunca me he cansado de recomendar para los seguidores del ambiguos post rock es precisamente este maravilloso álbum de Múm: Finally We Are No One.

Es toda una belleza delicada, sutil y tierna, acompañada de las dulces voces de las hermanas Valtýsdóttir; ellas le brindan una calma y paz a los temas alrededor de ese paisaje que queda plasmado implícitamente con su música de corte pop y electrónico experimental, un panorama tan helado y solitario como el país del que son provenientes. Ese enigmático Islandia cuna de Björk y desde luego Sigur Rós.

Personalmente Finally We Are No One me transmite una tranquilidad equiparable a la que se se percibe después de haber llorado toda una tarde, como un desahogo, se puede aun no estar bien emocionalmente, pero también se sabe que lo peor ya pasó y el momento de la angustia ha quedado atrás, así que solo queda limpiarse las lagrimas y atesorar ese momento tan personal de transición de la angustia a la recuperación, en esa soledad Múm puede estar de fondo, hablándonos tiernamente a pesar de encontrar un desolado panorama (We Have A Map of The Piano), haciéndonos hasta sonreír con sus “claqueantes” sonidos gélidos (Don't Be Afraid, You Just Have Your Eyes Closed ) y hablándonos suavemente al oído entre la melancolía más devastadora (The Land Between Solar Systems).

En los fríos días de invierno es un álbum que me trae el doble de satisfacción, actualmente en la ciudad el calor no puede ser más intenso, por lo tanto este álbum aun no regresa como cada año a estar entre uno de mis discos más reproducidos a la semana, pero es enormemente gratificante sentir ese consuelo sentimental que algunos discos de post rock como este regalan.

Les dejo el link para la descarga, especialmente dedicado para aquellos desconsolados, o en su defecto a aquellos que en este momento se encuentren viviendo muy al hemisferio sur del planeta.
Disfruten su apapacho:

http://rapidshare.com/files/88082085/Mum_-_Finally_We_Are_No_One.rar.html

Gracias A:

http://willsonik.blogspot.com/

Bacamarte. Después del fin: Ἀπο-κάλυψις

2009-06-24T17:26:00.009-05:00

O sangue brota no horizonte
A vida estanca na rua
As almas se trancam nos corpos
Que loucos se atiram à lua
BACAMARTE. ÚLTIMO ENTARDECER

Extraña y placentera sensación, cuando descubrimos el final de una trama de un buen libro, cuando un científico construye una ley o un axioma, cuando el secreto a voces queda cierto del fraude electoral, cuando llegamos al final y sabemos que el camino se ha terminado: se trata de la experiencia de la Verdad.

En la prostituida visión racional-judeo-cristiana la verdad es "adaequatio rei et intellectus", una coincidencia entre la cosa y el concepto o juicio del intelecto; pero los griegos, siempre los griegos, la entendían de manera diferente, como un des-velar, un des-cubrir: ἀ-λήθεια (aletheia), cuando la cosa se mostraba por sí misma como no oculta, en estado de descubierto.

Tal es el camino "lumnoso", porque hay otra ruta para llegar a la verdad, una que transita por derroteros oscuros y angustiantes, se trata del Apo-Calipsis. En la Odisea, Ulises llega a la isla de Calipso (Καλυψώ: la que oculta), quien lo retiene y le hace olvidar su pasado, ofreciéndole las virtudes de los dioses; en el proceso Ulises cree que ha permanecido en la isla durante algunos días, pero en el engaño de Calipso han sido años. Es gracias a Pallas Athenea, diosa de la sabiduría, quien intercede por Odiseo, que el regreso a Ítaca puede continuar.

Así tenemos Ἀπο-κάλυψις; la partícula "apo" es privativa, "lejos" o "fuera"-- de Καλυψώ, la que oculta. Es un des-ocultar, en estrecha relación con su "hermana" A-letheia. Es el mismo sentido de las Revelaciones en la biblia: Ἀποκάλυψις Ιωάννου, Apocalípsis a Juan. Es el encuentro con la verdad, pero contrario a Aletheia, se hace por el camino del dolor, la sangre.

El disco "Depois do fim" del impresionante proyecto de progresivo brasileño Bacamarte es apocalíptico en el contenido y cocnepto de sus letras y en su estética; habla sin duda de El Fin. Los tres cuartos de hora que dura el disco son música increíblemente sólida, sin un solo punto flaco, una maravilla que va tejiendo el anuncio del Final.

Este disco es por sí mismo, y con toda la intención, una Revelación (a través del poder estético de la música). Un álbum impecable, técnico, con espíritu, velocidad y melodía, como pocos discos en la historia tiene Todo lo que se puede pedir. Desde el inicio abre sólido y cuando parece que las cosas no pueden mejorar, lo hacen, de manera impresionante. El clímax llega en el track 6, titulado "Último entardecer", y diré con todo el riesgo asumido que es una de las canciones más cercanas a lo perfecto que jamás haya escuchado. Inicia con los acordes oscuros de un piano, un pasaje virtuoso de guitarra para regresar a un piano luminoso; Entonces aparece una voz hermosa (de un ángel [del Apocalipsis]), resurgen las frases principales de las guitarras; un breve pasaje de teclados para dar paso a una guitarra demasiado virtuosa y veloz, impresionante, que acomete ya por lado izquierdo, ya por el derecho; regresa un bello piano y esa voz para contar cómo el crepúsculo envuelve a la Tierra; un descanso en el que se regodea el piano que conspira junto a una delicada, y no menos virtuosa, guitarra acústica que teje la calma que precederá a una angustiosa tercera sección de voz, la parte más rítmica de la canción, que acaba por retomar las frases más emblemáticas del piano y deja un último e inesperado lugar a una especie de esperanza; la última sección instrumental resume las virtudes escuchadas a lo largo de la canción. Impresionante.

Más increíble aún es saber que el disco se grabó cuando el líder, compositor y guitarrista de Bacamarte (a la usanza de Reznor en NIN) tenía 18 años. Por otro lado no es simplemente un disco de progresivo hecho en latinoamérica; tiene un sonido heredero de la vastísima tradición musical de Brasil que sin duda no podría haber logrado nungún anglosajón en 100 años de grabación y experimento. Sin ser un disco de pretensiones folclóricas suena a toda América Latina y es un digno representante de lo que Vasconcelos llama llama la Raza Cósmica, pues tiene magia, virtuosismo, melodía, ritmo, inspiración, letra (en portugués, una de las lenguas más musicales que pueda haber).

Un disco hermoso e imprescindible. Ficha técnica:

1. UFO (6:26)
2. Smog Alado (4:11)
3. Miragem (4:54)
4. Pássaro De Luz (2:28)
5. Caño (1:59)
6. Último Entardecer (9:29)
7. Controvérsia (1:57)
8. Depois Do Fim (6:31)
9. Mirante Das Estrelas (6:11)

Total Time: 44:03. Publicado en 1983

Line-up / Musicians

- Jane Duboc / vocals
- Marcus Moura / flute, accordion
- Mario Neto / acoustic & electric guitars
- Mr. Paul / percussion
- Delto Simas / acoustic & electric basses
- Marco Veríssimo / drums
- Sergio Villarim / keyboards

Clic en la portada para ir al sitio de descarga.

Gracias a ingasecrets.blogspot.com

Animal Collective: Emisiones de luz solar

2009-06-11T21:43:00.010-05:00

En este sauna que es la ciudad es muy fácil desesperarse y que la tranquilidad se te escape al menos por unos segundos (en mi caso hasta horas). La transpiración molesta, los claxons de los demás autos aturden y todo se empieza a volver como un mal sueño en el que el calor te hace escapar de la realidad de esos sofocantes 40°C con extrema humedad.

En medio de una alucinación radiante en donde hasta el elemento más contrastante termina mezclándose homogéneamente se podría adaptar bien algo de Animal Collective, pero no del material en donde sobreabunda el folk, no, más bien me refiero a su último trabajo el Merriweather Post Pavilion (2009) que muy posiblemente se encuentre dentro de las listas de los mejores álbumes del año.

Así como el día de iluminado y saturado de colores, algo semejante representan los ilustrados por Panda Bear porque terminas perdiéndote en ese viaje alucinógeno pero muy electrónico, ya lo dijo César: postmodernista, y nos remontamos a esa psicodelia que nos trae esa distorsión de la realidad, del tiempo, del espacio y de la misma identidad, para esto y dentro de la contracultura Animal Collective es una banda que se luce, lo ha demostrado con toda su discografía en lo que va de esta década de los “dosmiles” armando collages extraños llamados curiosamente como “freak folk”, al menos en Merriweather la agrupación suena más ordenada, algo así como disciplinada, los niños hacen sus secuencias electrónicas y vician las palabras, pero se ponen más amigables ya que no se salen de esos límites entre el cantar y gritar, y no se abusa de la disonancia como en sus anteriores trabajos, es todo un chantaje por que poco a poco te inserta la idea de ponerte a bailar, de solo escuchar My Girls a quien no le dan unas ganas enormes de hacer unos movimientos aunque sea torpes por más terrible que sea el calor, sobre todo en ese crítico coro:

I don't care for fancy things

Or to take part in a precious race

And children cry for the one who has

A real big heart and a father's grace

Después de eso sobrevienen una y otra, y otra, y otra alucinación (Also Frightened, Daily Routine… [oh Dios, ese intro es digno de acelerarle el pulso hasta al más desertor y escéptico del pop]), entre los flashes deslumbrantes y la saturación que recae en un blanco total por que en el espectro quedaron plasmados todos los colores, Animal Collective es tan radiante como el día pero éste refresca y regala irrealidad, deja casi de lado su romance con lo étnico para celebrar y fortalece más su unión con el IDM en esta su última producción.

Para muchos Merriweather Post Pavillion es el mejor trabajo de Animal Collective, como siempre ya quedara en gustos particulares del escucha, pero algo si les aseguro y es que hay que seguirles la pista a Panda Bear y Cia. Porque joyas pop tan poco convencionales como esta no siempre se encuentran.

Para descargar Merriweather Post Pavilion:

http://rapidshare.com/files/192609510/Animal_collective_-_Merriweather_post_pavilion-2009.ofn.rar

Charlie Parker: Bebop para existir

2009-05-31T02:06:00.009-05:00

"Esto ya lo toqué mañana, es horrible, Miles, esto ya lo toqué mañana"
J. Carter a Miles Davis. Cortázar, El perseguidor

"O make me a mask"
Dylan Thomas, citado en Cortázar, El Perseguidor

En epistemología, una Revolución Científica, concepto manufacturado por Thomas S. Kuhn, se gesta cuando un viejo Paradigma, a entender como “Realizaciones científicas universalmente reconocidas que, durante cierto tiempo, proporcionan modelos de problemas y soluciones a una comunidad científica”, deja de cumplir aceptablemente su función explicativa de la realidad y las anomalías inherentes a su retrato del mundo son cada vez más notorias y difíciles de sobrellevar; esto no puede suceder sin la aparición de un nuevo paradigma fuerte y vigoroso, que llega a aclarar ahí los huecos que el anterior había soslayado. Un nuevo león que se acerca a retar al viejo para eventualmente ganar, gobernar y ser vencido a su vez por un nuevo aspirante. Un claro ejemplo es el león de la relatividad que vino a desterrar al viejo león newtoniano.

En el plano estético y de la música es precisamente eso lo que viene a hacer Charlie Parker, una revolución, una Revolución Musical. El swing era ese paradigma anquilosado, entregado por completo al mainstream, a la pose, a la prosititución y mecenazgo artístico, jóvenes de invaluable talento eran reclutados para als Big Bands que hacían las delicias de un público acartonado, predecible y ansioso de hitparade; entre ellos se encontraban algunos como el mismo Parker, Dizzy Gillespie, Miles Davis o Max Roach. Jóvenes a fin de cuentas, impetuosos y en amplio sentido rebeldes, se reunían después de acabar de tocar en su trabajo formal con sus respectivas Big Bands, para hacer juntos un canto orgiástico a la libertad, creatividad y sobre todo a la música: eran las Jam Sessions, definidas por George Frazier como "una reunión informal de músicos de jazz con afinidad temperamental, que tocan para su propio disfrute música no escrita ni ensayada"

Se decían hartos del aburrimiento y rutina en que los sumergía el swing, así respondían cun furia, improvisación, un ataque casi desesperado, implacable de ritmos, armonías y melodías; esta nueva manera de hacer jazz parecía una metralleta frente a la vieja resortera del swing. Cada instrumento aparentemente por su cuenta, fractura completa de los tiempos clásicos del swing: el paraíso de la síncopa. El solo y la improvisación eran correlato de algo que ya empezaba a ser conocido por el arte y la filosofía del momento: el valor epistemológico y estético del caos y la incertidumbre, descentramiento del ser, un corrimiento nietzscheano hacia la x.

Este espíritu vino a condensarse en un nuevo género, el Bebop, que vino a ponerle vestido sonoro a una época: saliendo de la Guerra Mundial, entrando al sistema de bloques, las angustiantes enseñanzas de Sartre, el clímax y colapso de las vanguardias, el ancimiento de los Beat. Por alguna razón, no tan difícil de entender si se tiene un par de oídos, un corazón y medio cerebro, el bop encajó a la perfección en el agujero del existencialismo, cual jeringa de heroína en el virtuoso brazo de Charlie Parker; la improvisación y tiempos de este jazz hacían paracer cada sonido como totalmente contingente, arrojado de la anda creativa al mundo, cualquier sonido bien pudo no haber nacido, ¿que extraña siápsis mezclada con qué estimulantes en el cerebro de un genio hacían surgir tal nota y no otra, para sin previo aviso quitarle la existencia y pasar a algo más, a amontonar agresivamente cada nota tras la otra, a bifurcarlas, a retorcerlas? Contingencia y sin embargo, una gran potencia de libertad indeterminada en cada sonido: así era como el existencialismo concebía al ser, inclusive podríamos jugar con las palabras Be-bop, un repentino y muchas veces fútil abraso (sic)de Ser, pero que en una juztaposición de oquedades traen algo, un extraño e inesperado deseo de no querer morir.

No fueron pocos los deslumbrados por este genio musical que emanaba de los dedos y saliva de hijos de esclavos, arrojados por casualidad al mundo en la potencia mundial en turno. Tal es el caso de Julio Cortázar, cuyo apasionante relato El Perseguidor, que no ensuciaré con mis feas palabras, es tan homenaje a Bird (Ch.P.) como una disertación del tiempo y la estética. Dejo al final de este post, en palabras del mismo Cortázar, un fragmento del relato, con Parker en el fondo tocando Out of nowhere, un excelente título para poner entre paréntesis la existencia.

Invito a escuchar esta excelente Jam Session en la que Parker se aleja de sus acostumbradas piezas tipo blitzkrieg de 3 minutos para asombrarnos con una densa hora exacta de algo que toca ya definitibamente al Hardbop o Postbop (lean en la portada la impresionante elineación de la noche):

Clic sobre la portada para bajar el disco, la contraseña es: jazzcrisis

Gracias a jazzcrisis.wordpress.com por compartirlo.

EL PERSEGUIDOR:

Animal Collective. Posmodernidad Folcotrónica

2009-05-16T20:18:00.009-05:00

A veces, cuando se repite una palabra insistentemente, sin descanso, una y otra vez, acaba por perder el sentido, queda un sonido estéril, una estructura que no dice más nada --muchos hemos hecho esto, sobre todo cuando niños. La pragmática que esculpió dicha palabra comienza a desestructurarse hasta liquidar una semántica que se escapa como el agua entre los dedos al tratar de levantarla. Queda la fonética, perversa y burlona, nos llama a un aquelarre, si aceptamos la invitación podríamos encontrarnos con Fausto.

Algo similar pasa con los prefijos "Post" y "Neo", tan recurridos, usados, gastados y malgastados; la saturación simbólica de lo Post moderno (en prácticamente todas las esferas de cultura) nos despoja repentina y groseramente de la seguridad pragmática y semántica de la modernidad, nos quita los referentes, los arquetipos, la tranquilidad. Y en medio de la angustia miramos atrás, vemos las estructuras históricas desnudas, vaciadas de sus fantasmas, queda el sonido, el nombre solo (ahí está la sombra de Lyotard).

Algo similar pasa con Visiting Friends (en el Sung Tongs de Animal Collective). El punk puede vanagloriarse de asesinar la vanguardia progresiva con su arte minimalista de los tres acordes, pero Animal Collective, sobre todo en esta pieza, es aniquilación, un total holocausto estético que se abre paso desde un cacofónico y mordaz acorde que se instala y reproduce a sí mismo durante 12 minutos de viaje: la palabra repetida una y otra vez, mientras se escucha accedemos a un sinestésico concierto en que vemos cómo los anti-arquitectos animales quitan uno a uno los signos, intenciones y sentidos que habían construido 400 años de música moderna; sin saber cuándo ni cómo, vemos que ya no están los tonos, melodías o notas, queda "un" desnudo sonido que nos mira con el orgullo de saberse Aleph de las estructuras sonoras complejas, el sonido por el sonido, en cuyos ojos se refleja (aniquilación de) la historia de la música. Deconstrucción. Ojalá Borges y Derrida hubieran escuchado esto.

Pos(¿después y antes de qué?)modernidad: la huida del sentido no por la oquedad sino por la saturación (que engendró la modernidad misma), la mezcla y la orgía: biónica, biantropología, bioquímica, reggaetón, emo, myspace, un presidente negro, un papa nazi: Posmodernidad. Una "electrónica folclórica": eso es Animal Collective.

El momento en que la electrónica se convirtió en la expresión más folclórica de nuestra cultura global.

[¿Y el gato mami? Aulla
¿y el perro? Ladra
¿la oveja? Bala
¿el caballo? Relincha
¿la gallina? Cacarea
¿la vaca? Muge
¿el león? Ruge
¿el jabalí? Arrúa
¿el pavo? Gluglutea
¿y el hombre? Habla, a veces chilla
¿y la vaca multicolor? Es poeta.]

Al abrir el mismo disco con Leaf House, me atrevo a decir que una de las mejores canciones de esta década por fenecer, escuchamos algo que parece hablar:

This house is sad... Because he’s not... inside it

[¿Quién, quién falta?]

There’s no one, there’s no one, there's no one, no one There’s no one, no one, there’s no one, no one, There’s no one, no one, there’s no one, no one, There’s no one, no one, there’s no one to say meow, kitties,

[vacía, vacía, vacía, vacía está la casa ¡¿Quién dirá miau?! --Vacío, el sentido se ha escapado]

Meeow, kitties!!!!!!!!!

Ficha técnica del disco (junio 1 de 2004. Fat Cat Records):

"Leaf House" – 2:42
"Who Could Win a Rabbit" – 2:18
"The Softest Voice" – 6:46
"Winters Love" – 4:55
"Kids on Holiday" – 5:47
"Sweet Road" – 1:15
"Visiting Friends" – 12:36
"College" – 0:53
"We Tigers" – 2:43
"Mouth Wooed Her" – 4:24
"Good Lovin Outside" – 4:26
"Whaddit I Done" – 4:05

Pa' bajar el disco, haz clic sobre esos signos--> http://www.mediafire.com/?ttzz2e4kzo4

Gracias por el link a: uarethevoice.blogspot.com

Si aún estuvieramos en la modernidad y decidieran comprar el disco, la portada (hecha de un compuesto olvidado llamado papel) se vería más o menos así:

Cśar.

Este post está dedicado a todas las chicas que gustan, no sexualmente hablando, de los gatos.

Art Bleek: Ambientación y Descanso Anímico

2009-05-05T16:41:00.014-05:00

Hay algo que siempre me ha gustado del acid jazz, resulta excelente para tener de soundtrack a la hora de tomar un café a mitad de la tarde en un lugar agradable, es como una especie de sedante para el alma, el mundo se puede ir en picada por cualquiera razón que sea la que acontezca pero ese momento de satisfacción nadie me lo roba (es algo muy al estilo de un comercial de helados), a mí se me queda plasmada una sonrisa boba en la cara y por un instante solo pienso en cosas superfluamente agradables. En estos días de caos por la polémica influenza el señor Arthur Pochon ha contribuido a esos momentos de paz interior, dándome esas dosis downtempo, acid jazz y hasta hip hop entre otras cosas, todo un sublime coctel suave de sabores variados.

Between Yesterday and Tomorrow (2008) es un disco del multi instrumentista francés Arthur Pochon mejor conocido en el mundo de la música como Art Bleek, donde su eclecticidad forma parte de éste álbum de 14 piezas que topa con variedad de géneros pero todos con la constante de ser suaves y sutiles como una especie de caricia tibia, aun en Get Your Weight Up feet y Spicy Cinnamon, sus temas con más carga hip hop brindan movimiento dentro del estilo que engloba el disco, no hace contraste al contrario enriquece y le da una sensual variante trip hopera.

Otras joyas que guarda el disco son el tema homónimo, Wanderers Creek y la hermosa pieza de aire bossanova Another Island. Todas estas características hacen a Between Yesterday ser candidato de los discos de reproducción en cualquier tienda de ropa “trendy” o de esos lugares tan comunes y viciados del tipo lounge, pero no por eso este trabajo es para tomarse por superficial y de formula, pues vaya que a pesar de no ser lo más vanguardista y tener sus ratos minimalistas el francés utiliza todas las herramientas disponibles para sorprender con un disco uniforme, dedicadamente armado para ser digerible a pesar de todos los ingredientes que posee explorando los géneros ya mencionados y otros aún más allá escondidos como el soul, funk, broken beat , dub y música clásica, y no es para atribuirle más el merito a Arthur Pochon, pero tuvo su formación académica en una escuela prestigiada donde principalmente se especializo en piano y saxofón orientando al chico principalmente a las ligas del jazz, en donde se refugió por varios años hasta que se incursiono en la electrónica y sus variantes experimentales del que nos ha proveído ya por varios años. Entre otras cosas el hombre también ensambla y da muestra de su talento en diferentes tipos de bares y restaurantes parisinos, que en estos días de tanta paranoia por la gente para su servidora sería el complemento perfecto para un día tranquilo ambientado con una encantadora banda sonora ausente de sobrevaloradas pandemias, teorías de conspiraciones políticas y otras cosas aún más desagradables.

Para descargar Between Yesterday: http://www.filefactory.com/file/801db5/n/AB-between-smb_rar

Password: secretmusicbox

Gracias A: http://secret-music-box.blogspot.com/

Negură Bunget: Metal místico rumano

2009-04-28T14:56:00.007-05:00

Ruido y armonía, paz y guerra, noche y día; las dicotomías acompañan al hombre desde que nace. Muchas tendencias civilizatorias a lo largo de la historia han privilegiado un solo camino de manera desequilibrada, Occidente es un gran ejemplo. En el hinduísmo, OM [imagen] es el mantra primordial, el sonido que da origen a todos los demás; es la unidad con el universo y lo divino, la unión de lo físico con lo espiritual, representa a Brahman, la deidad absoluta. El universo es la reunión de todos los opuestos.

Om (que aquí tiene una significación más cercana a "hombre"), poderoso disco de Progressive Black Metal rumano es precisamente eso, una mística reunión del estruendo proveniente del Black metal con usos orquestales de atmósferas delicadas; la armonía entre el canto gutural y los divinos y profundos mantras OM. Negură Bunget significa bosque de neblina negra, y provenientes de Rumania, con los Cárpatos en el paisaje no es difícil imaginar las razones de su misticismo obscuro; abiertamente se declaran seguidores de una forma de pensar que parte de la "voluntad del universo".

El disco tiene un primer tercio imponente, abre con Ceasuri rele (horas oscuras), que parece un eco sinfónico de su compatriota Béla Bartók; sonidos muy dignos de un bosque negro se reunen y comienzan a narrar la historia del matrimonio entre luz y sombra, ruido y armonía, cielo e infierno (ciertamente el espíritu de William Blake encaja a la perfección). La tormenta inicia con Ţesarul de lumini (tejedor de luz), Primul Om (el primer hombre) es una suave y mágica construcción de cuerdas herméticas, con algunas tímidas percusiones que acompañan todo el camino como Virgilio a Dante cuando están a punto de entrar al infierno, es entonces cuando irrumpe la que es probablemente la mejor canción del disco, Cunoașterea tăcută (conocimietno silencioso) que incorpora el sonido de lo que parece ser un xilófono, la mitad de la canción invoca a los momentos más progresivos del disco, para finalizar con un silencio repentino que deja escuchar de manera repentina ecos del mantra OM que parecía haber estado ahí todo el tiempo mimetizado a la perfección con cada estallido de las guitarras Black Metal. Om cierra con la mística Al doilea Om (el segundo hombre), con percusiones profundas y vientos densos que escoltan un mantra más lento y grave; hay un sentimiento de circularidad y comunión, no la del tipo occidental que sólo festeja la luz: a esta dicha sólo fue posible llegar mediante la oscuridad o, mejor dicho la deconstrucción de la luz.

Altamente recomendado; en mi caso fue amor a primera vista, no pierdan detalle del hermoso arte del disco. Nunca había escuchado tan consecutivamente un disco de tintes Black Metal, que no es el subgénero más pulido dentro del metal. Si uno pide a la base de datos de Progarchives los mejores discos de esta década, OM aparece por ahí del número 5.

Ficha técnica:

Studio Album, released in 2006

Track Listings 1. Ceasuri Rele (intro) (03:07)
2. Tesarul de lumini (12:48)
3. Primul Om (04:22)
4. Cunoasterea Tãcutã (07:11)
5. Înarborat (06:22)
6. Dedesuptul (06:39)
7. Norilor (03:00)
8. De Piatrã (05:36)
9. Cel Din Urmã Vis (10:03)
10. Hora Soarelui (05:55)
11. Al Doilea Om (outro) (02:03)

- Hupogrammos / Vocals, Guitars, Keyboards, Pipes (Nai, Fluiere), Horns (Tulnic, Bucium), Synth
- Negru / Drums, Percussions, Xylophone Wooden Plate (Toacă)
- Sol'Faur / Guitars, Keyboards

Para probar el disco http://rapidshare.com/files/142947311/Negura_Bunget-_Om__2006_.rar

Gracias a doomstonercommunity.blogspot.com por el link.

Cźar.

Obscuridad electropop

2009-04-22T20:58:00.010-05:00

Too far away from the city
Some kids left on their own
They said we had a communist in the family
I had to wear a mask

Forest Families

En la obscuridad dentro de la electrónica con corte electropop existen un par de hermanos de origen sueco, un tanto introvertidos, de apariencia antisocial y lúgubre, parecidos quizá en esas características a unos dentro de la escena avant-garde del rock como lo fueron The Residents, y quizá, esta agrupación que lleva por nombre The Knife es un ligero acercamiento de los mismos solo que en la escena independiente del tipo electrónico. Entre lo que va de la discografía de The Knife, se encuentra una pieza digna del deseo de todos los amantes del beat sintético, de elaboración a base de secuencias por computadoras, y de voces extremadamente modificadas que te causan extrañeza a primera instancia.

Silent Shout (2006) es sin duda un disco que posee características para poner a bailar a cualquiera que acepte abiertamente al género, llegando desde un lado bizarro y amorfo que poco a poco toma estructura rítmica dentro de esa atmosfera extraña que termina siendo cada vez más adictiva, y que de manera progresiva te convence a dar los primeros pasos para inmiscuirte con ellos a ese túnel donde empieza la fiesta finamente grotesca.

Una cosa que no puede dejar de ser mencionada de este par de personajes es su poca disposición con los medios y con la gente en general, hasta hace un tiempo Karin Dreijer Dreijer Andersson y Olof Dreijer no hacían apariciones en vivo, pero finalmente optaron por hacerlo, solo que utilizando un recurso bastante común por algunos que fue usando el remedio del disfraz y de esta manera hasta la fecha los suecos han mantenido su imagen detrás de una máscara, para acentuar todavía más su rareza en sus conciertos un elemento muy usado por ellos es el jugar con los efectos de luces para modificar su imagen a personajes de carácter “pesadillesco” que contrastan con su lado popero minimalista, y que para fortuna de los amantes de los raves y de los sonidos extravagantes ausentes de guitarras, Silent Shout lo sabe hacer bien, manejando este lado fresco del electropop aún no viciado que la hacen mantenerse como una propuesta de las que vale la pena prestar atención.

Para descargar Silent Shout:
http://rapidshare.com/files/141857546/The_Knife_-_Silent_Shout.rar

Gracias A:
http://www.zona-musical.com/postt99613.html