La estructura general del lenguaje mágico consiste en que no hay separación entre lo dicho, el significante, y el objeto que enuncia (se parece ésto a la explicación de la psicosis que ofrece Lacan); pronunciar el nombre de la cosa es ya, por sí mismo, traerla a la presencia. Pronunciar de manera adecuada la invocación a un espíritu es traerlo en sí mismo, nombrar al diablo es invitarlo.

Irracional en nuestros días parece creer esto, pero los pueblos antiguos, mágicos, intuían algo en la potencia de la palabra y en general en todo sistema de representaciones; el signo, ese puente que se tiende el mundo interno, la mente, el espíritu si se quiere, y el mundo.

Algo así de literalmente mágico me sucede con la Sinfonía no, 3 de Henryk Górecki, titulada en polaco Symfonia pieśni żałosnych (Sinfonía de canciones tristes). Su potencia alegórica es tanta que me da miedo ponerla a veces, sobre todo cuando un sabe de dónde viene la temática de la obra, y de qué tipo de lamentación se están llenando los oídos, el alma entera.

Consta de tres movimientos lentos, el primero, un Sostenuto tranquillo ma cantabille, dura poco menos de media hora, una Soprano en solitario recita un lamento de la Virgen María que data del siglo XV; el segundo, un Tranquillissimo que considero el momento más devastador y hermoso de la obra, repite unas parabras que fueron encontradas en el muro de una cárcel de la Gestapo donde recluían a judíos y polacos, las aplabras fueron escritas por una niña que ruega a la Virgen María para que interceda por ellos; el tercero es un Cantabile-semplice, basado en una canción folklórica que relata cómo una madre busca a su hijo asesinado durante los levantamientos de Silesia (en 1920, cuando dicha región lucha apra separarse de la República de Weimar y unirse a la Segunda República Polaca).

Es mágica, casi necromántica, porque nombra a la muerte y la tristeza encarnada; su fuerza alegórica es tanta que me hacer sentir que al escucharla puedo estar con/in/pro-vocando a la muerte misma, llamando a la potencia más triste que se pueda conocer (ya lo dice Lyotard, después del Holocausto, la muerte no es lo peor que puede pasar).

Musicalmente, cada recurso fortalece el sentido de tristeza, sobre todo con los drones continuos (un efecto monofónico de una nota u acorde que se va repitiendo), que da un efecto de pseadez, de agonía que se prolonga, parece que todos los momentos de amargura en la vida sucedieran así de lento. La sinfonía también representa una transición en la obra de Górecki, entre su inicio en la disonancia y su posterior incursión en la tonalidad.

Me parece catártico en el sentido que Platón entiende el Pharmacon en uno de sus diálogos, algo que es más próximo a la enfermedad que a la salud; para salir de la tristeza qué mejor que una sobredosis de tristeza, cuando un trata de imaginar ese dolor de una madre laméntando la pérdida de un hijo (¡y en qué condiciones!), cualquier amargura dominguera de un amor ficticio parece una tomadura de pelo.

Clic en el cover de la grabación para bajar, gracias a soundsofbeauty por el link:

El Rock; Ser rebelde; decirle "no" a los viejos; "ir contra el sistema"; Ser contestatario; Cambiar el mundo a pantalonazos y guitarrazos --by the way, hoy se cumplen 40 años de Woodstock. El ratón de los dientes; los reyes magos; un mundo de confort; padres responsables y asexuados.

Hace días recordaba una mala experiencia de cuando era muy niña, fue en una ocasión en la que por hacer caso omiso a algunas reglas de mi madre me puse a correr como loquita por un área donde no debía y pise accidentalmente una tabla que tenía uno de esos grandes clavos oxidados, cabe decir que ni me percate en el momento en el que me atravesé dicho fierro, solo recuerdo que empecé a sentir mojado el pie izquierdo, cada vez que pisaba me daba una sensación pegajosa, fue entonces donde decidí echar un vistazo y cuando por fin me quite el tenis vi mi calceta blanca teñida totalmente de rojo, fue todo un drama, hasta ese momento no había sentido dolor alguno pero al ver la sangre llegue a punto del desmayo.

Estando yo ahí ya sentada en el piso muy asustada y envuelta en lágrimas, mi mamá acudió a mi rescate para llevarme rápidamente a atenderme esa desagradable herida.

Cuando recordaba aquel momento tenía de fondo a Oui de The Sea and Cake y aunque de solo recordar todo el brote de sangre saliendo y ese pequeño orificio que me quedo en la planta del pie me sentía algo nerviosa, por más que intentaba recordar, el tema musical que tenía de fondo me distraía y no podía armar exactamente el final de la historia, ya no recordaba bien si el médico que me atendió inmediatamente me vacunó contra el tétanos o si primero mi madre me dejo ver como una niña desobediente delante del doctor; el orden del recuerdo había perdido, pero repito tenia de fondo The Colony Room y con ese temazo cualquiera pierde “el hilo” hasta de uno de sus momentos más traumáticos de su infancia (bueno, quizá no todos, solo alguno que otro atolondrado con la música).

Así que decidí olvidarme por un momento de pie perforado y me dispuse a disfrutar del álbum reproduciéndolo nuevamente desde el principio.

El álbum comienzan con Afternoon Speaker tema para disfrutar de una base popera adornada con beats electrónicos, dando a conocer un poco de los que estos postrockeros son capaces de hacer adentrándose tanto en la electrónica como en su poprock jazzeado, con esto de las etiquetas es común ver a Sea and Cake como post jazz, etiqueta que por cierto he visto hasta haciendo acto de presencia con interpretes como Dido (¡!), así que para no confundirnos dejemos en que al menos en Oui la mezcla difiere a aquello que la chica ex Faithless ha hecho. Pero para dejar un poco más en claro su sonido, a mi me da la impresión que “The “c “ and cake “ es como escuchar a Tortoise dedicándose a hacer pop, con melodías bellas y suaves que llenan de románticos suspiros involuntarios a pesar de que momentos antes hubieses estado recordando a tu pie mutilado, pero otro plus agradable en esta agrupación es que a final de cuentas se muestra orgullosa de sus raices sin abandonar nunca esa esencia experimental; parte de que sobrevengan los ecos de Tortoise es porque el multistrumentista John McEntire toca la batería en esta agrupación dejando una huella perfectamente reconocible en este disco que se percibe de manera tan hipnotica y delicada, suficiente para complacer a los seguidores del post rock en sus ratos más alegres.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind… o algo asi… quien dice Oui?

Para empezar el proceso de borrar tus malos recuerdos da click en la portada del álbum.