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Los mejores discos de 2009

Así que el último año de la década terminó. La cosecha musical en realidad no fue tan mala. Resultó difícil darle la vuelta al asunto y evadir la tentación de hacer eco de las listas que aclamaron al Merriweather Post Pavilion como el claro favorito del año; y a final de cuentas nuestra lista no podrá ser una excepción, esto por una razón específica, el último disco de Animal Collective condensa una de las pocas líneas de producción musical que resultó mínimamente original durante la década --en contraste con el refriteo vintage y revivalismo de muchos grupos que acabaron por ser extendidamente populares en los últimso años, ya sabrán a cuáles me refiero.

En estos tiempos es sumamente difícil hacer algo un poco original --en el borde final de la historia, dos mil años de civilización occidental dejan poco margen de maniobra, pocos territorios no explorados, una tragedia de nuestra generación. Sin embargo, ese sonido, llamémosle "Prog Pop", sin ser la cúspide del virtuosismo --no creo que pretenda serlo-- no suena a algo anterior, es imposible imaginar una de estas canciones en las estaciones radiales de los 90's,80's o cualquier otra anterior.

Merriweather Post Pavilion es casi con seguridad el mejor disco de Animal Collective, y logra algo que pocos consiguieron esta década, ser un sonido particular identificante de una generación (imposible concebir ese sonido sin la matriz cultural que lo gestó: los ipods, globalización en su punto, culturas híbridas, el creciente internet, myspace, facebook: nada de esto había en el año 2000). Junto con él, otros excelentes álbumes que corroboran una especiede estética compartida: los de Dirty Projectors y Grizzly Bear, entre varios otros grupos que no figuraron esta década, o el mismo Atlas Sound.

Es un sonido pop, sin duda, pero haciendo algo que no concebíamos apenas en el 1999 reinado por la aún señorita Spears y las patéticas Boybands: el pop puede crear,puede progresar ya hacer cosas interesantes. Pop, POPular, lo masivo, en medio de la sociedad de información, el consumo masivo de información como posibilidad creativa, algo impensable en el siglo XX.

Sin embargo, no encuentro argumento para dejar de lado lo que, sin decir lograr cosas nuevas, suena excelente con lenguajes ya conocidos; también fue un buen año para las intenciones progresivas: Martigan con una de las canciones más sólidas, épicas y redondas que he escuchado en mucho tiempo, el regreso portentoso de Magma, el accidentalmente buen disco de Maudlin of the well.

El metal mantuvo un bajo perfil este año, sin embargo, creo que contra todo pronóstico el género agarró un segundo aire en la década, y mostró una importante evolución. El death metal está representado este año por un sólido Obscura; algo más melódico por el inesperadamente buen disco que resultó el último de Dream theater (no pude evitar ponerlo en el quinto lugar pues disfruto cada segundo del disco), o el ya popular Mastodon.

También está el pop de alta factura, a veces oscuro, de Bat for Lashes (qué linda mujer), St. Vincent, The Antlers o Phoenix. La lista ecléctica como ya es constumbre, tratandod e hacer un buen balance.

Una buena cosecha; no queda más que redundar en la recomendación para que se bajen algunos de estos discos (un par ya han sido reseñados aquí en el loboob), la gran mayoría está por ahí volando en la blogósfera. No adelanto más porque el staff de loboob también está preperando una lista con lo mejor de la década. Sin más, aquí la lista:

1. Animal Collective – Merriweather post pavilion
2. Martigan – Vision
3. Maudlin of the Well – Part the second
4. Dirty Projectors – Bitte Orca
5. Dream Theater – Black clouds & silver linings
6. Riverside – Anno Domino High Definition
7. Grizzly Bear – Veckatimest
8. Bat for Lashes – Two suns
9. Magma – Ëmëhntëhtt-Ré
10. Nemo – Barbares
11. Gazpacho – Tick Tock
12. Isis – Wavering radiant
13. Atlas Sound – Logos
14. The XX – XX
15. The Antlers – Hospice
16. Mastodon – Crack the skye
17. Obscura – Cosmogenesis
18. The Tangent – Down and out in paris and London
19. Transatlantic – The whirlwind
20. The Big Pink – A brief history of love
21. Fever Ray – Fever Ray
22. St. Vincent – Actor
23. Memory Tapes – Seek Magic
24. IQ - Frequency
25. Lindstrøm & Prins Thomas – II
26. Phideaux – Number 7
27. Porcupine Tree – The incident
28. Delirium – Il nome del vento
29. Antony & The Johnsons – The crying light
30. 5bridgeS – The Thomas tracks
31. Neon Indian – Psychic Chasms
32. Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix
33. BLK JKS – After the robots
34. Bibio – Ambivalence avenue
35. The pains of Being Pure at Heart – The pains of being pure at heart
36. A Sunny day in Glasgow – Ashes grammar
37. Katatonia – Night is the new day
38. Dominique A – La musique
39. The Flaming Lips – Embryonic
40. The Decemberists – The hazards of love

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Vince Guaraldi y los doce dias de navidad

Navidad. El invierno ha llegado. Los niños están tirados, sin hacer nada; viendo la tele todo el día en casa (afuera hace mucho frió para salir a jugar) o inventando los juegos imaginarios que solo su mente infantil es capaz de comprender. Están lejos de los maestros, de las tareas y los regaños; no hay mejor momento para celebrar. En casa, mama cuelga las medias en la chimenea y desempolva las miniaturas de jesucristo y los reyes magos; papa se hace bolas poniendo los foquitos del pino; en un par de días, todos en casa acabamos aprendiéndonos de memoria esas tonadas que salen de la pequeña bocina de los foquitos musicales, esas melodías que suenan siempre nostálgicas, casi tristes, y aun así, de una manera extraña... esperanzadoras.
Esta época ha inspirado a un buen numero de obras de arte del mundo occidental, desde música: el Oratorio de Navidad, de Johann Sebastian Bach; incontables pinturas desde la época medieval; literatura: Canción de Navidad, de Charles Dickens; cine: It's A Wonderful Life, de Frank Capra; The Nightmare Before Christmas, de Tim Burton. Caricaturas bizarras (en verso): "How The Grinch Stole Christmas", de Chuck Jones. Y, sin lugar a dudas, a influenciado fuertemente la mente de Wayne Coyne, el hombre al frente de Los Flaming Lips (su mayor ambición, después de hacer canciones con su banda, es llevar la festividad a los marcianos y a los animales del zoologico).

Vince Guaraldi Trio - A Charlie Brown Christmas (1965)

En este álbum, melodías clásicas navideñas pasan por el filtro de un jazz rico en armonías, cuidadosamente balanceadas, que incluso, me atrevería a decir, intensifican el espíritu navideño, ya inherente en ellas.
Ésta inspirada interpretación corre a cargo del trio de Vince Guaraldi (piano, arreglos y composiciones), acompañado por Jerry Granelli en la bateria y Fred Marshall al contrabajo.

Creo que la mayoria de nosotros alguna vez hemos escuchado el juguetón y pegajoso tema de la serie Peanuts, aquella de Charlie Brown (un niño calvo, que si creciera, probablemente terminara mas neurótico que el mismo Woody Allen) y su perro Snoopy. Si nunca la ha escuchado, vaya al youtube, o a su tienda de discos más cercana y seguro se le quedara grabada para siempre la pequeña pieza compuesta por Guaraldi, incluida en este álbum, banda sonora para el especial navideño de dicha serie.
La música es mayormente instrumental, pero de vez en cuando al trio se les une un coro de niños.

No puedo imaginar un banda sonora mejor para acompañar esta festividad; recordar aquella infancia llena de magia, y disfrutar un buen momento en compañía de familia, amigos y amantes.

Tracklist:

"O Tannenbaum"
"What Child Is This?"
"My Little Drum"
"Linus and Lucy"
"Christmas Time Is Here" (Instrumental)
"Christmas Time Is Here (Vocal Version)"
"Skating" –
"Hark! The Herald Angels Sing"
"Christmas Is Coming"
"Für Elise"
"The Christmas Song"
"Greensleeves"

Para descargar, darle click a los niños bailarines

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Siouxsie and the Banshees y las creencias en lo etéreo

Una de las cosas que más encuentro graciosas últimamente es el interés que tuvo Sir. Arthur Connan Doyle en las hadas, hace ya no mucho tiempo que vi una película basada en estos hechos reales en donde un par de niñas fotografiaron a las hadas mismas en medio de su jardín y en aquel entonces el popular creador del detective de Sherlock Holmes, se tomo tan en serio dichas fotografías que dedico parte de su vida al estudio de éstos seres fantásticos protectores de la naturaleza.

Para muchos fanáticos del detective Holmmes este hecho es como un pequeño tropezón del creador del personaje, ya que al menos se sabe que Conan Doyle siempre mantuvo vivo ese lado creyente en lo místico y desde luego en los seres halados cosa que lo llevo a publicar por allá de 1922 el libro “The coming of the fairies”, que por lo que he leído se trata de un estudio a detalle de éste mundo mágico (No se, pero me da la impresión de que el personaje de Arthur Spiderwick de la historia Crónicas de Spiderwick esta algo inspirado en Conan Doyle). Para colmo de todo esto, allá por el ’82 mucho después de todos esos dimes y diretes de las supuesta autenticidad de aquellas fotografías, una de las niñas (ahora ya una mujer de la tercera edad) revelo la falsedad de éstas al decir que las dichosas hadas eran imágenes de revistas recortadas sostenidas con alfileres para sombreros… Gran desilusión, pero bueno, al menos yo me hubiera llevado la desilusión desde un principio, como eso de que el tipo le tuviera tanta fe a semejantes chiquilladas del club winx, para desilusiones como esa me he llevado unas grandes de algunos héroes personales, en el mundo de la música existen varias cosas que me hicieron sentir un tanto desilusionada.

Siempre lo he dicho, pero al menos Roberth Smith fue uno de esos que me ha hecho sentir que actualmente no vale la pena seguir comprando los discos de The Cure, si, que buenas desilusion

es me ha dado éste hombre en estos últimos años… y ya que estamos en el post punk, otros que iban para aquel lado a temprana edad pero se pudieron reivindicar fueron los de Siouxsie and the Banshees, muy personalmente creo que el Tinderbox los salvo de caer en un bache del que tal vez ya no se repondrían en el ’86 por tener tan malas críticas en el Hyaena tanto por sus fans más punks de antaño como por la crítica especializada (y que mal, aunque éste no es obviamente mi álbum preferido me encanta ese excelente cover de Dear Prudence que los hizo aún más populares ), pero Tinderbox supo conjugar esa formula popera ochentera que ya se traían en mano con la vivacidad del post punk, si bien Robert Smith los abandono en Hyaena en éste álbum no se le extraña nada al señor de los The Cure. Siouxsie Sioux tan diva y melodramatica como siempre entonando con su voz potente piezas tan intensas y bailables como City in Dust, un sencillo que se coloco dentro de los favoritos de la comunidad inglesa durante esa época y que sigue siendo de las canciones más recordadas del género, y que a pesar de que Tinderbox es una celebración al pop guarda algunos tintes góticos para goce de los que se habían hartado un tanto de la dilusión en la que se vieron envueltos en Hyaena.

Un conjunto de canciones misteriosas y provocativas que dejan con ganas de sacar tus discos de Joy Division, The Cure y Bauhaus para revivir esa etapa "fea" y siniestra del punk, para ahora si creer en lo etereo y la magia desde un lado más obscuro que estas piezas regalan ,y más que añorar a unas hadas de jardín, el añoro se centra en esa dama de negro y su encantadora voz.

Descarga Tinderbox aquí

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Atheist: La bifurcación del dios

En pleno siglo XIX se sucitó lo que me parece ser una conmosión en toda la cultura occidental ¿En qué consistió? Fue un terremoto subterráneo debido a la intuición, un secreto a voces, de la crisis de todo fundamento. Uno de esos macro-diagnostas de la civilización, Nietzsche, lo resumió todo en el aforismo 125 de la "Gaya ciencia":

"¿No habéis oído hablar de ese loco que encendió un farol en pleno día y corrió al mercado gritando sin cesar: ¡Busco a Dios!, ¡Busco a Dios!. Como precisamente estaban allí reunidos muchos que no creían en dios, sus gritos provocaron enormes risotadas. ¿Es que se te ha perdido?, decía uno. ¿Se ha perdido como un niño pequeño?, decía otro. ¿O se ha escondido? ¿Tiene miedo de nosotros? ¿Se habrá embarcado? ¿Habrá emigrado? - así gritaban y reían alborozadamente. El loco saltó en medio de ellos y los traspasó con su mirada. ¿Qué a dónde se ha ido Dios? -exclamó-, os lo voy a decir. Lo hemos matado: ¡vosotros y yo! Todos somos su asesino. Pero ¿cómo hemos podido hacerlo? ¿Cómo hemos podido bebernos el mar? ¿Quién nos prestó la esponja para borrar el horizonte? ¿Qué hicimos cuando desencadenamos la tierra de su sol? ¿Hacia dónde caminará ahora? ¿Hacia dónde iremos nosotros? ¿Lejos de todos los soles? ¿No nos caemos continuamente? ¿Hacia delante, hacia atrás, hacia los lados, hacia todas partes? ¿Acaso hay todavía un arriba y un abajo? ¿No erramos como a través de una nada infinita? ¿No nos roza el soplo del espacio vació? ¿No hace más frío? ¿No viene de contiuno la noche y cada vez más noche? ¿No tenemos que encender faroles a mediodía? ¿No oímos todavía el ruido de los sepultureros que entierran a Dios? ¿No nos llega todavía ningún olor de la putrefacción divina? ¡También los dioses se pudren! ¡Dios ha muerto! ¡Y nosotros lo hemos matado!..."

Es de subrayar esa angustia; ¿hacia dónde iremos ahora que Dios ha muerto? ¿Hacia todas partes? --y bien sabemos que todas son ninguna. Desde luego, esta no es una frase de ateísmo insulso como muchos quieren leer. Uno de los más puntuales intérpretes de Nietazsche, el italiano Gianni Vattimo, ha explicado cómo este pasaje se refiere a la caida de todos los fundamentos (lo que François Lyotard llamaría en el s. XX el fin de los "Metarrelatos).

El occidente antiguo tuvo el Mito, luego, por un periodo corto vino el Logos; durante siglos la Fe habría de regir el mundo occidental para dar paso, con el Renacimiento y la Ilustración, a la Razón. Todos ellos son Metarrelatos del mundo, Fundamentos para organizarlo y confiar ciegamente que seguirá igual, relativamente estable. Sin embargo, ya para los días de Nietzsche, sobre todo con él, comienza a sospecharse que incluso la Razón estaba fracturada (los "maestros de la sospecha" aprecerían en este contexto, Nietzsche, Marx y Freud); y no había forma de resanar el hueco con u Fundamento "mejor", más puro, perfecto. Se aceptó la tragedia, no hay fundamento apra el mundo, la existencia o la acción humana.

En el aforismo del Loco de Nietzsche el tono desesperado ya despunta; pero sería necesario que un creyente "sintiera" esa crisis de fundamento en la médula del alma. Tal fue Feodor Dostoievski; en una de las más grandes novelas de la historia, Los hermanos Karamázov, la línea temática central es un parricidio (¡¿no es un síntoma psico-cultural que nos indica el magno parricidio? ¿el asesinato de El Padre?!); una de las lineas de sentido subyacente más interesante está representada por Iván Karamázov (la imagen perfecta del hombre de la Modernidad: un ilustrado, racionalista, revolucionario, ateo), su historia trágica se puede resumir en una simple pregunta: si no existe Dios, ¿qué me obliga a respetar a los otros seres humanos? ¿qué me obliga a no salir, complir todo impulso y asesinar a todos? En efecto, si no existe un más allá, un jucio, un criterio superior, ¿qué nos obliga a llevar una vida buena? ¿por qué no romper las filas de la sociedad y entregarse al placer, al asesinato, hasta que el último hombre sobreviva?

Esa fue la primera reacción a la crisis de los fundamentos; la angustia en Dostoievski es mayúscula. Y es la pregunta de nuestros días, de los tiempos posmodernos; si hemos dejado de creer en Dios, en la Razón ilustrada como fundamente de una sociedad de derecho, si ya no creemos en nada ¿qué nos obliga a respetarnos mutuamente? La línea es delgada. No en vano se dice que la sociedad, en estricto sentido de la palabra, se ha diluido al dejar atrás ese fragil Contrato Social heredado de la Ilustración. Lo que queda es un el egoísta elogio neoliberal del Mercado que se meuve sobre una sociedad simulada (Baudrillard) --la crisis económica de 2009 ¿no fue una sacudida para aquellos que veían en el mercado una nueva entidad metafísica autorregulada y perfecta que nos llevaría al bienestar?

En medio de la tormenta parecían haber sólo dos opciones: el dogma o la barbarie, con Auschwitz como inesperado punto intermedio. Precisamente despues de la Segunda Gurra (punto de inflexión en la que se mostró lo peor del hombre, toda su mosntruosidad, su capacidad de dogma y su potencial de barbarie) algunos comenzaron a pensar en salidas no dicotómicas, no dogmáticas, intermedias, difusas (en el sentido de la Fuzzy Logic). Así, continuando con la lectura Nietzscheana, Vattimo nos invita a un "nihilismo asumido" (una "ontología debil"); en efecto, renunciar al fundamento, renunciar al centro y reconocer la periferia (algo significativo para nosotros, los marginales, los mestizos, los latinoamericanos, en la "periferia" que señala el argentino-mexicano Enrique Dussel); según Vattimo es una chance (así con el angilicismo)renovada para la libertad. ¿No era lo que la civilización pedía a gritos? ¿que nada la obligara a nada? ¿ser libre?

Más recientemente, uno de los más eloceuntes cronistas de la posmodernidad (modernidad líquida según sus términos), el polaco Zygmunt Bauman ha llamado la atención sobre un punto: es la muerte de "El" Dios, El Dios "único" que ha provocado dogmas y masacres, el único dios de las cruzadas, el único dios del 11 de septiembre; el concepto de "Un Dios Único" (y que además nos pide rechazar a los otros es el que subyace al odio étnico, los Otros son enemigos de El Dios. Lo que muere es el concepto de Un Dios, o, para hacer una extensión conceptual, de Un Fundamento. Chance para la libertad, conceurda Bauman.

La humanidad, y en específico la civilización occidental ya ha experimentado el "multicromatismo divino", justo en la cuna de occidente, con la hélade (quede claro que politeísmo no es sinónimo de tolerancia, las muestras sobran en al historia). Varios helenistas, como Jacqueline de Romilly han notado que la matriz cultural griega (específicamente ateniense) en que se gestó el nacimiento de la democracia, la libertad, la filosofía, la isonomía, la justicia (en resumen, las virtudes de occidente, porque hay que admitirlo, tiene virtudes en contraste con sus grandes demonios) es ese politeísmo tolerante que los caracterizaba (tolerancia, no la "tolerilla" que defendemos actualmente; tolerancia y no indiferencia; no insultar al contrario, pero discutir y argumentar si no hay aucerdo). Cuando los griegos se encotnraban un pueblo con diferentes creencias, no trataban de borrarlas para imponer las suyas; decían "Amón-Ra es el Zeús egipcio", continuamente incorporaban deidades extranjeras a su panteón.

Esa fue la matriz de la democracia, de las leyes, la tolerancia, de la libertad; no en vano, un mudno civilizatorio, el nuestro, surgió de ahí, y al que no le guste puede libremente marcharse (como sócrates en su coloquio con Las Leyes).

Una metáfora de musical de esta libertad es "A-theist". Tocan sobre un hilo frágil, tan frágil como el nihilismo asumido de Vattimo. La crisis consumada, la barbarie, sería sólo ruido; pero Atheist es mucho más que eso, es un complejo estruendo. No es el metal dogmático. Por ahí están las síncopas del jazz, los tiempos elaborados del progresivo, y por algunos momentos el colorido de influencia latina -por increíble que parezca. No es el ruido irreflexivo, un ateísmo burdo, sino la deidad bifurcada.

Su disco "Unquestionable presence" de 1991 es considerado como uno de los más (o el más) influyentes en el Technical Death Metal. Es una salida de las estructuras rígidas, del dogmatismo, signo cultural, tal vez, de una salida/reposición de la metafísica.

Un pasaje en Mother Man, crítico de uno de los últimos metarrelatos, el humanismo ilustrado (contra el eco cartesiano del Hombre como "amo y señor de la naturaleza"):

"You say there's freedom within our nature
Well I don't think you understand

Mother Earth has fallen to Mother Man

The Air, the Sea, the Grass, the Trees,The nemesis is the major,

Fearless leader Mother Man

Come on take a look

At what's become

Of the existence that leads

Or so we think

That's always a popular phrase
It suits the laws written

By dear Mother Man,Those heavy hands"

¡Bienvenida sea la época sin dios!

Baja el disco aquí

Conoce más de la banda por acá

(Gracias a danmetal por el link)

Ficha del disco (1991):

"Mother Man" – 4:34
"Unquestionable Presence" – 4:07
"Retribution" – 3:17
"Enthralled in Essence" – 3:38
"An Incarnation's Dream" – 4:53
"The Formative Years" – 3:30
"Brains" – 3:41
"And the Psychic Saw..." – 4:45

Lainop:

Kelly Shaefer (vocals,guitar)
Rand Burkey (guitar)
Tony Choy (bass)
Steve Flynn (drums)
Roger Patterson (bass) (on tracks 9-15 on 2005 re-release)

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King Crimson: El despertar del Rey Carmesí

Algunas personas, por intervención divina o por injusticias del destino, tienen la habilidad de poder distinguir cada nota musical; basta una escuchada, a veces incluso entre toda la masa tonal, pueden separar cada sonido y nombrarlo: Es el llamado Absolute Pitch (oído absoluto). Famosa es la anécdota del niño Mozart, en aquel entonces de 13 años de edad, llendo a la capilla sixtina a escuchar el gran Miserere de Gregorio Allegri (Para coro a cappella. Una interpretación en la catedral de Salisbury: http://www.youtube.com/watch?v=1FQND5YFIqA&feature=related), cuyo manuscrito, el Papa había prohibido sacar de la capilla. El pequeño genio, después del concierto fue y la copio entera de memoria.
Otras personas, sin poseer este don, son capaces de entrenar el oído hasta que, después de años de estudio, pueden distinguir en mayor o menor medida estos sonidos: Es el llamado Relative Pitch (oído relativo).
Otros, menos afortunados, son incapaces de distinguir las notas musicales o les cuesta un trabajo fuera de lo ordinario: Son los llamados Tone Deafs (Tone: Tono o nota. Deaf: Sordo). Robert Fripp, la mente propulsora de aquella idea llamada King Crimson, decía incluirse en esta ultima categoría cuando aun era un joven estudiante de guitarra: "I was tone deaf, with no sense of rhythm at all". (Otro músico celebre, Roger Waters, también clamaba serlo; su compañero en la mítica banda Pink Floyd, Rick Wright, decía que era incapaz de afinar su propio instrumento y debía hacerlo por él).

Si llamo "idea" a King Crimson en lugar de "banda", es porque seria imposible señalarla como tal; varios son los miembros que han pasado a través de el Rey Carmesí; solo Fripp se ha mantenido desde el principio; para él "King Crimson es una forma de hacer las cosas". Una reencarnación que incluso en nuestros días aun no ha muerto por completo.

Músico imparable e inquieto, mantuvo una gran cantidad de proyectos y colaboraciones fuera de Crimson, al lado de nombres como Brian Eno, David Bowie y Peter Gabriel.

Uno de los guitarristas legendarios de la historia del rock, Fripp se distinguía por tener una manera de tocar que poco tenia que ver con el blues y más con el jazz o las nuevas tonalidades de la música clásica del siglo XX. Con un estilo más mecanisado que sus colegas Clapton, Hendrix, Beck, Page y Zappa; al igual que estos, supo abrirse camino como uno de aquellos virtuosos que también podían componer (el cual nunca fue el caso de algunos de los guitarristas de rock más veloces).
Cosa rara entre los compositores: durante todas las épocas y cambios de agrupación de la banda, Fripp nunca intento imponer su voluntad, dándole siempre voz a todos.

En 1969, sale a la luz In

The Court of The Crimson King, álbum debut de la banda, uno de los más grandes, que podemos incluir junto con discos como: Velvet undergournd and Nico, The Piper at the Gates of Dawn (Pink Floyd), The Doors, Are You Experienced? (Jimi Hendrix), Led Zeppelin I, The Songs of Leonard Cohen, Marquee Moon (Television), The Ramones, y Horses (Patti Smith). Todos en la lista de debuts geniales del Rock and Roll.

Inspiración posteriormente de muchos, este disco fue curiosamente ignorado por completo por la revista Rolling Stone en su lista de los 500 mejores álbums. Si yo fuera el editor de la famosa revista, me sentiría agobiado y obligado a escribir una disculpa publica por tremenda metida de pata.

Un año despúes, In The Wake of Poseidon, un hermano gemelo del anterior nacía. Para muchos una obra menor, una mera copia del anterior; para otros (entre los que me incluyo) tal vez no sea una obra tan fuerte, emocionalmente hablando, que su antecesor, pero un disco nada despreciable, con grandes e inspirados momentos.

¿Que diferencia hay entre estos dos discos? Las guitarras acusticas tienen mas protagonísmo en el segundo. ¿Que elementos se repiten en ambos? Hechemos un vistazo:

In The Court Of The Crimson King (1969):

"21st Century Schizoid Man"
Un clásico de la banda, es una tema lleno de riffs de guitarras y distorsiones, acompañadas de vez en cuando por un frenetico saxofón. Los pasajes instrumentales son multiples y extensos, rapidos y ritmicamente diversos e inestables. Subitamente, sin previo aviso (¡y sin preparación!), entra de nuevo el riff inicial; y como no podia terminar de otra manera una pieza asi: todos los musicos se vuelven locos y tocan de la manera mas disparatada posible; premeditadamente, pero no escrito previamente. Gran tema abridor.

"I Talk To The Wind"
El estruendo y el cataclismo de "21th Century Schizoid Man" subitamente se vuelca en la dulce "I Talk to The Wind", uno de los temas mas bellos del disco (que de paso parece contradecir todo lo anterior). El vocalista (Greg Lake), una flauta (ejecutada por el multi-instrumentista de la banda, Ian MacDonald), y una guitarra, conversan en perfecta armonia; posteriormente sera la flauta la que lleve el protagonismo antes de regresar al tema principal.

"Epitaph"
Una entrada de timbales orquestales marca el incio de "Epitaph", otra melodia suave, con una guitarra acustica y las cuerdas de fondo (reproducidas por un mellotron, instrumento tambíen usado por The Beatles en "Strawberry Fields Forever".)

"Moonchild"
Los teclados salen a la superficie, acompañando otra melodia lenta y suave de parte de Greg Lake. Es el track que contiene el pasaje instrumental más largo, donde el teclado (Ian McDonald) y la guitarra (Fripp) tocan juntos a un volumen realmente bajo y con un timbre dulce y tintineante (como pequeñas campanas); por momentos, lejos de ser un sonido reconfortante, la armonía se aleja del mundo tonal para acercarse al de Boulez y Stockhausen.

"The Court of the Crimson King"
Otra pieza rock-orquestal. El mellotron haciendo el papel de las cuerdas de nuevo; Fripp interpreta arpegios sencillos en su guitarra acustica. El estribillo, con sus coros sacados de la música sacra de la antiguedad, y de nuevo, la flauta, haciendo un ultimo pasaje, un ultimo solo; esta vez la guitarra electrica se le unira. El tema principal regresa, la banda parece dar el golpe final, lleno de pomposidad orquestal, pero no, ha sido un final falso... a los pocos segundos podemos esuchar pequeños instrumentos de viento, y de nuevo, entra el estribillo, esta vez en un arreglo puramente instrumental; este si es el final, ha terminado una obra maestra, irrepetible, como todas.

In The Wake Of Poseidon (1970):

"A Peace - A Begining"
Contiene el tema principal del disco; un tema corto y sencillo. El vocalista (de nuevo Greg Lake, quien dejaría la banda para formar Emerson Lake and Palmer) interpreta, casi a cappella (casi, ya que solo aparecen un par de notas en los teclados al final.) una de las melodías mas suaves del repertorio de Crimson.

"Pictures of a City"
Podría ser la compañera perfecta de "21st Century Schizoid Man", algunos elementos se repiten: los riffs incesantes, llenos de distorsion; los metales, las variaciones ritmicas. Un pequeño bajeo jazzeado aparece despúes de 5 minutos de guitarras eléctricas.

"Cadence and Cascade"
La contraparte de I Talk To the Wind, una guitarra acustica acompaña al vocalista Greg Lake. De nuevo, la flauta hace su entrada para hacer una melodia llena de magia.

"In The Wake of Poseidon"
Con elementos que nos remiten a Epitaph e In the court of the Crimson king. De nuevo el sinfonismo, que tanto le obsesiono a esta banda y los coros de lamentos paganos.

"Peace - A Theme"
El tema principal del disco en una versión instrumental, para guitarra acustica sola.

"Cat Food"
Con un sonido ligermaente distinto al de los tracks de su album anterior; los Crimson hicieron una especie de blues bizarro, lleno de disonancias al piano.

"The Devil's Triangle"
Un remake (o re-interpretación) de la sinfonia Los Planetas, de Gustav Holst (Primer movimiento, Marte: http://www.youtube.com/watch?v=L0bcRCCg01I)

"A Peace - An End"
Re-exposición del tema inicial. La voz entra sola, como al principio del disco; y entonces: un coro de voces y una guitarra acustica entran a acompañarla. Es como indica el titulo, un final de atmosfera quieta, pacifica.

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Belle and Sebastian y los paseos bicicleteros.

Hay música que se disfruta más al aire libre, y hay música que parece acoplarse perfecto a las caminatas a mitad de la tarde, a los paseos por el campo y a las aventuras en bicicleta en el recorrido por una natural y verde vereda.

Es una lástima que nunca aprendí a andar en bicicleta, si no seguro que unos de mis discos preferidos para los paseos representantes de la ñoñez pura serían los de Belle and Sebastian,si ese fuera el caso tal vez me reproduciría un par de veces seguidas el If You’re Feeling Sinister que de siniestro no tiene ni una gota, para nada, si como todo de éstos escoceses se trata de emotivas y radiantes piezas para iluminar esos ratos con un folk y pop suavecito de tintes sesenteros, el equivalente a un respiro para el más hastiado del estruendo y las máquinas de la ciudad, ese pan de cada día… esos discos son para mi son como oxígeno puro directo a los pulmones justo como esos alegres paseos por un lugar repleto de árboles.

Stuart Murdoch vocalista de B&S hasta en sus (extensas) letras más tristes trata de hacerlo lo menos incomodo para el escucha:

Now he is swapping his tent for a sheltered home
He doesn't have a family, he is living alone
He remembers all the punks and the hippies too
And he remembers Roxy Music in seventy-two
He doesn't understand and he doesn't try
He knows there's something missing and he knows it's you and I
We're the younger generation, we grew up fast
All the others did drugs
They're taking it out on us

Como tratando de no deprimir lo suficiente pues al menos en la música con toda su riqueza coral siempre mantiene esa dulzura tan común de ésta banda que nació en Glasgow Escocia en el año de 1996 y que ha sido comparada con The Smiths por crear en sus fans una fidelidad exagerada justo como Morrisey lo llego a ocasionar en sus seguidores. (No se la verdad, pero al menos yo no me abalanzaría intentando manosear a Stuart Murdoch como a Morrisey muchas veces le ha tocado con algunos, pero bah, el solo imaginarlo me hace sentir como una loca que intenta abusar de un chico puro e inocente).

Definitivamente que el sentimiento que transmiten esos temas dista mucho de esos roces con la sensualidad, de hecho, como con todos los discos de Belle and Sebastian ésta no es la excepción y es que If You’re fFeling sinester es un buen compañero para los corazones sensibles, desde el nombre de la banda (si ya sabrán, ponerle de nombre a la banda como una popular caricatura basada en un aún más popular cuento infantil)que va hasta la delicadas y alegres composiciones que sobre todo hacen enfatizar en estos escoceses su buena y bien intencionada oda al pop para concluir con un simple “me pone de buenas”, tal vez y ya después de varias reproducciones el efecto bicicletero llegue por sorpresa para invitar a dar un recorrido lleno de color en el parque más cercano; y para quien no sabe andar, de perdido da la ilusión de imaginarlo.

Descarga el disco aquí

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John Coltrane: meditación y fractalidad

Actualmente asuntos como la expansión del universo, que éste surgió del susodicho Big-Bang, que para ser como es debe tener cuando menos 9 dimensiones son temas de chisme de lavadero. Bueno, tal vez exagero; lo cierto es que ya forma parte del dominio público el que Todo estuvo junto alguna vez para luego explotar, que no somos el centro del universo, etcétera; que hasta un Vicente Fox cualquiera lo podría decir sin empacho.

Y esas conclusiones que hoy pueden integrarse sin mayor problema a la doxa cotidiana no serían posibles sin siglos de civilización, sin la idea loca de éste u aquel otro astrónomo ya polcao, ya italiano, ya inglés. Lo inverosimil debió haber sido el punto cero de la civilización; trato de imaginar al primer ser humano que se hizo un pregunta, sin absolutamente ninguna referencia previa, tal vez se preguntó "qué es aquello" (desde luego, lo equivalente en términos de su hipotético primer lenguaje), no pudo haberlo hecho sin una cierta noción de lo "aquello", la "aquellidad" (sic); pero cómo concebir cualquier conceptualidad, la aquellidad ene ste caso, sin el lenguaje. El punto cero es casi inconc

ebible para cualquiera que venga después de él, después del lenguaje, del pensamiento abstracto. El hombre del punto cero debió haber sido un auténtico Adán.

Así, sería inimaginable la cuántica o la gravedad sin la creación de aparatos como el telescopio, sin que a un loco se le ocurriera el cálculo diferencial y, en fin, sin que a un par de semi changos, o mejor dicho de post changos, les pasara por la masa gris que hay un mundo más allá de sus narizotas, más allá de comer y de comer con "g".

Así pues, me sorprenden cada vez más los pensadores llamados "presocráticos". Su grado de abstracción y lejanía histórica hace que muchos los quieran leer desde la actualidad de manera simplista. Pero ¡traten de concebir el origen de todas las cosas que existen, que son --y en algunos casos también las que no son-- sin todas las fórmulas acabadas que nos enseñaron en la primaria!

Es por ello que me voy de espaldas cuando leo a un tipo que vivió cinco siglos antes que cristo, y sus escritura asegura "Juntas y de vez estaban todas las cosas, sin límite en cuanto a capacidad repletiva, sin límite igualmente en cuanto a pequeñez; que lo pequeño no tenía tampoco límite. Y, a pesar de hallarse juntas y de vez todas las cosas, bajo el dominio de la pequeñez ni una sola de ellas estaba de manifiesto". Me refiero, claro está, a Anaxágoras; cualquier parecido con lo que se dice que había antes del Big Bang no es coincidencia.

O cuando dice "en todo hay de todo, hay una suerte o parte de todo": ¡una noción de fractalidad dos milenios antes de Mandelbrot! No es este el momento de sacar a relucir la genialidad heráclito-parmenidea, o el prólogo a la cuántica que hace Demócrito; sólo cabe señalar y pasmarse ante las conclusiones a que llegaron con el único --si se me permite la redundancia-- medio de la Meditación, la contemplación, la θεωρία.

Meditar ¿Qué es meditar? Al plantear la pregunta comenzamos ya a meditar. ¿Qué es meditar? --del latín "meditatio". En el orden del estricto significante, es decir, abstraídos del significado y la etimología, Meditatio remite a una cierta mediación, lo medio, el en medio; mediación entre dos (cuando menos), un uno y un otro. Si se busca la mediación es por el no acceso, la no estancia en lo otro, el objeto de la meditación. Y lo que está del otro lado del camino, del medio, es una iluminación, un des-cubrimiento, Alétheia --que no tendrá "validez" científica, eso vale aquí un Pontificio Rábano.

Meditar sobre lo Uno y lo Múltiple --empédocles, desdeluego--, el todo y lo particular, lo uni-verso y lo multi-verso, la fractalidad del todo contenido en lo uno. ¡Vaya Maravilla!

Fractalidad y Meditación, un adjetivo y un sustantivo para John Coltrane. Meditación por lo abstracto y poder de mediación (con un posible dios, con el amor, la comapsión por los otros, lo otro, El Otro, l'Autre, le tout autre) de su disco llamado así "Meditations" un poderoso tránsito (¡mediación!) que va del Coltrane modal (en lo personal mi etapa favorito, no sólo de Coltrane sino tal vez de todo el jazz) a su etapa free --y última.

La fractalidad, un justo calificativo para su jazz modal. ¿Qué es jazz modal? --meditamos. Más que un estilo, es una estructura para interpretar, ohh estructuras --guiño para Lévi-Strauss. Y como se dice mejor en términos wikis, cito: que en el jazz modal "cada nota en la escala se convertía en la primera nota de un nuevo modo, que aunque podía incorporar todas las notas de la escala mayor original, sonaba diferente porque el nuevo punto de partida reorganizaba el orden de distancias entre las notas. Así, si un músico estaba improvisando sobre, por ejemplo, un acorde en Re, podía elegir cualquier

centro clave correspondiente a la escala, incluyendo la nota Re (a menos que el compositor dictase modos específicos para ser usados en los solos)."

Por eso hay un aire de fractalidad e irresolución, una estructura que se propone, se bifurca, se contrae; el sonido inicial anunciaba ya la pieza total, que a su vez conserva la reminiscencia de las primeras notas. El todo es escucha en la parte y la aprte resuena en el todo. Por ello la improvisación en el Modal Jazz es sumamente difícil, además hay que hacerlo sin sonar repetitivo. ¡Por eso hay tan pocos discos de jazz modal!, todos ellos ejecutados por un puñado de genios.

Davis, el padrino del modal dijo "The music has gotten thick. Guys give me tunes and they're full of chords. I can't play them...I think a movement in jazz is beginning away from the conventional string of chords, and a return to emphasis on melodic rather than harmonic variation. There will be fewer chords but infinite possibilities as to what to do with them".

Y para no ser tan simplístas, hagamos un tándem. Hoy la medicación de loboob exige una sobredosis de Coltrane, el libre y el modal:

Para Meditations: www.mediafire.com/?23d1nd2ww51 (cortesía de http://theoreticalmusic.blogspot.com)

Y para los buenos modales, my favorite things, por si aún no lo tienen --que sería un pecado--: http://www.badongo.com/file/10812756

Y como wikipedia es mejor para als fichas técnicas: Coltrane

Aquí su ejecución de My favorite things (Vi a McCoy Tyner en vivo, malditasea!):