Algunas personas, por intervención divina o por injusticias del destino, tienen la habilidad de poder distinguir cada nota musical; basta una escuchada, a veces incluso entre toda la masa tonal, pueden separar cada sonido y nombrarlo: Es el llamado Absolute Pitch (oído absoluto). Famosa es la anécdota del niño Mozart, en aquel entonces de 13 años de edad, llendo a la capilla sixtina a escuchar el gran Miserere de Gregorio Allegri (Para coro a cappella. Una interpretación en la catedral de Salisbury: http://www.youtube.com/watch?v=1FQND5YFIqA&feature=related), cuyo manuscrito, el Papa había prohibido sacar de la capilla. El pequeño genio, después del concierto fue y la copio entera de memoria.
Otras personas, sin poseer este don, son capaces de entrenar el oído hasta que, después de años de estudio, pueden distinguir en mayor o menor medida estos sonidos: Es el llamado Relative Pitch (oído relativo).
Otros, menos afortunados, son incapaces de distinguir las notas musicales o les cuesta un trabajo fuera de lo ordinario: Son los llamados Tone Deafs (Tone: Tono o nota. Deaf: Sordo). Robert Fripp, la mente propulsora de aquella idea llamada King Crimson, decía incluirse en esta ultima categoría cuando aun era un joven estudiante de guitarra: "I was tone deaf, with no sense of rhythm at all". (Otro músico celebre, Roger Waters, también clamaba serlo; su compañero en la mítica banda Pink Floyd, Rick Wright, decía que era incapaz de afinar su propio instrumento y debía hacerlo por él).

Si llamo "idea" a King Crimson en lugar de "banda", es porque seria imposible señalarla como tal; varios son los miembros que han pasado a través de el Rey Carmesí; solo Fripp se ha mantenido desde el principio; para él "King Crimson es una forma de hacer las cosas". Una reencarnación que incluso en nuestros días aun no ha muerto por completo.

Músico imparable e inquieto, mantuvo una gran cantidad de proyectos y colaboraciones fuera de Crimson, al lado de nombres como Brian Eno, David Bowie y Peter Gabriel.

Uno de los guitarristas legendarios de la historia del rock, Fripp se distinguía por tener una manera de tocar que poco tenia que ver con el blues y más con el jazz o las nuevas tonalidades de la música clásica del siglo XX. Con un estilo más mecanisado que sus colegas Clapton, Hendrix, Beck, Page y Zappa; al igual que estos, supo abrirse camino como uno de aquellos virtuosos que también podían componer (el cual nunca fue el caso de algunos de los guitarristas de rock más veloces).
Cosa rara entre los compositores: durante todas las épocas y cambios de agrupación de la banda, Fripp nunca intento imponer su voluntad, dándole siempre voz a todos.

En 1969, sale a la luz In The Court of The Crimson King, álbum debut de la banda, uno de los más grandes, que podemos incluir junto con discos como: Velvet undergournd and Nico, The Piper at the Gates of Dawn (Pink Floyd), The Doors, Are You Experienced? (Jimi Hendrix), Led Zeppelin I, The Songs of Leonard Cohen, Marquee Moon (Television), The Ramones, y Horses (Patti Smith). Todos en la lista de debuts geniales del Rock and Roll.

Inspiración posteriormente de muchos, este disco fue curiosamente ignorado por completo por la revista Rolling Stone en su lista de los 500 mejores álbums. Si yo fuera el editor de la famosa revista, me sentiría agobiado y obligado a escribir una disculpa publica por tremenda metida de pata.

Un año despúes, In The Wake of Poseidon, un hermano gemelo del anterior nacía. Para muchos una obra menor, una mera copia del anterior; para otros (entre los que me incluyo) tal vez no sea una obra tan fuerte, emocionalmente hablando, que su antecesor, pero un disco nada despreciable, con grandes e inspirados momentos.

¿Que diferencia hay entre estos dos discos? Las guitarras acusticas tienen mas protagonísmo en el segundo. ¿Que elementos se repiten en ambos? Hechemos un vistazo:

In The Court Of The Crimson King (1969):













"21st Century Schizoid Man"
Un clásico de la banda, es una tema lleno de riffs de guitarras y distorsiones, acompañadas de vez en cuando por un frenetico saxofón. Los pasajes instrumentales son multiples y extensos, rapidos y ritmicamente diversos e inestables. Subitamente, sin previo aviso (¡y sin preparación!), entra de nuevo el riff inicial; y como no podia terminar de otra manera una pieza asi: todos los musicos se vuelven locos y tocan de la manera mas disparatada posible; premeditadamente, pero no escrito previamente. Gran tema abridor.

"I Talk To The Wind"
El estruendo y el cataclismo de "21th Century Schizoid Man" subitamente se vuelca en la dulce "I Talk to The Wind", uno de los temas mas bellos del disco (que de paso parece contradecir todo lo anterior). El vocalista (Greg Lake), una flauta (ejecutada por el multi-instrumentista de la banda, Ian MacDonald), y una guitarra, conversan en perfecta armonia; posteriormente sera la flauta la que lleve el protagonismo antes de regresar al tema principal.

"Epitaph"
Una entrada de timbales orquestales marca el incio de "Epitaph", otra melodia suave, con una guitarra acustica y las cuerdas de fondo (reproducidas por un mellotron, instrumento tambíen usado por The Beatles en "Strawberry Fields Forever".)

"Moonchild"
Los teclados salen a la superficie, acompañando otra melodia lenta y suave de parte de Greg Lake. Es el track que contiene el pasaje instrumental más largo, donde el teclado (Ian McDonald) y la guitarra (Fripp) tocan juntos a un volumen realmente bajo y con un timbre dulce y tintineante (como pequeñas campanas); por momentos, lejos de ser un sonido reconfortante, la armonía se aleja del mundo tonal para acercarse al de Boulez y Stockhausen.

"The Court of the Crimson King"
Otra pieza rock-orquestal. El mellotron haciendo el papel de las cuerdas de nuevo; Fripp interpreta arpegios sencillos en su guitarra acustica. El estribillo, con sus coros sacados de la música sacra de la antiguedad, y de nuevo, la flauta, haciendo un ultimo pasaje, un ultimo solo; esta vez la guitarra electrica se le unira. El tema principal regresa, la banda parece dar el golpe final, lleno de pomposidad orquestal, pero no, ha sido un final falso... a los pocos segundos podemos esuchar pequeños instrumentos de viento, y de nuevo, entra el estribillo, esta vez en un arreglo puramente instrumental; este si es el final, ha terminado una obra maestra, irrepetible, como todas.



In The Wake Of Poseidon (1970):













"A Peace - A Begining"
Contiene el tema principal del disco; un tema corto y sencillo. El vocalista (de nuevo Greg Lake, quien dejaría la banda para formar Emerson Lake and Palmer) interpreta, casi a cappella (casi, ya que solo aparecen un par de notas en los teclados al final.) una de las melodías mas suaves del repertorio de Crimson.

"Pictures of a City"
Podría ser la compañera perfecta de "21st Century Schizoid Man", algunos elementos se repiten: los riffs incesantes, llenos de distorsion; los metales, las variaciones ritmicas. Un pequeño bajeo jazzeado aparece despúes de 5 minutos de guitarras eléctricas.

"Cadence and Cascade"
La contraparte de I Talk To the Wind, una guitarra acustica acompaña al vocalista Greg Lake. De nuevo, la flauta hace su entrada para hacer una melodia llena de magia.

"In The Wake of Poseidon"
Con elementos que nos remiten a Epitaph e In the court of the Crimson king. De nuevo el sinfonismo, que tanto le obsesiono a esta banda y los coros de lamentos paganos.

"Peace - A Theme"
El tema principal del disco en una versión instrumental, para guitarra acustica sola.

"Cat Food"
Con un sonido ligermaente distinto al de los tracks de su album anterior; los Crimson hicieron una especie de blues bizarro, lleno de disonancias al piano.

"The Devil's Triangle"
Un remake (o re-interpretación) de la sinfonia Los Planetas, de Gustav Holst (Primer movimiento, Marte: http://www.youtube.com/watch?v=L0bcRCCg01I)

"A Peace - An End"
Re-exposición del tema inicial. La voz entra sola, como al principio del disco; y entonces: un coro de voces y una guitarra acustica entran a acompañarla. Es como indica el titulo, un final de atmosfera quieta, pacifica.

Hay música que se disfruta más al aire libre, y hay música que parece acoplarse perfecto a las caminatas a mitad de la tarde, a los paseos por el campo y a las aventuras en bicicleta en el recorrido por una natural y verde vereda.

Es una lástima que nunca aprendí a andar en bicicleta, si no seguro que unos de mis discos preferidos para los paseos representantes de la ñoñez pura serían los de Belle and Sebastian,si ese fuera el caso tal vez me reproduciría un par de veces seguidas el If You’re Feeling Sinister que de siniestro no tiene ni una gota, para nada, si como todo de éstos escoceses se trata de emotivas y radiantes piezas para iluminar esos ratos con un folk y pop suavecito de tintes sesenteros, el equivalente a un respiro para el más hastiado del estruendo y las máquinas de la ciudad, ese pan de cada día… esos discos son para mi son como oxígeno puro directo a los pulmones justo como esos alegres paseos por un lugar repleto de árboles.

Stuart Murdoch vocalista de B&S hasta en sus (extensas) letras más tristes trata de hacerlo lo menos incomodo para el escucha:

Now he is swapping his tent for a sheltered home
He doesn't have a family, he is living alone
He remembers all the punks and the hippies too
And he remembers Roxy Music in seventy-two
He doesn't understand and he doesn't try
He knows there's something missing and he knows it's you and I
We're the younger generation, we grew up fast
All the others did drugs
They're taking it out on us

Como tratando de no deprimir lo suficiente pues al menos en la música con toda su riqueza coral siempre mantiene esa dulzura tan común de ésta banda que nació en Glasgow Escocia en el año de 1996 y que ha sido comparada con The Smiths por crear en sus fans una fidelidad exagerada justo como Morrisey lo llego a ocasionar en sus seguidores. (No se la verdad, pero al menos yo no me abalanzaría intentando manosear a Stuart Murdoch como a Morrisey muchas veces le ha tocado con algunos, pero bah, el solo imaginarlo me hace sentir como una loca que intenta abusar de un chico puro e inocente).

Definitivamente que el sentimiento que transmiten esos temas dista mucho de esos roces con la sensualidad, de hecho, como con todos los discos de Belle and Sebastian ésta no es la excepción y es que If You’re fFeling sinester es un buen compañero para los corazones sensibles, desde el nombre de la banda (si ya sabrán, ponerle de nombre a la banda como una popular caricatura basada en un aún más popular cuento infantil)que va hasta la delicadas y alegres composiciones que sobre todo hacen enfatizar en estos escoceses su buena y bien intencionada oda al pop para concluir con un simple “me pone de buenas”, tal vez y ya después de varias reproducciones el efecto bicicletero llegue por sorpresa para invitar a dar un recorrido lleno de color en el parque más cercano; y para quien no sabe andar, de perdido da la ilusión de imaginarlo.

Descarga el disco aquí

En algún momento de 1965, John Lennon y George Harrison se encontraban en un elevador, cuando súbitamente ante ellos apareció la visión abrasadora de las llamas; creían que todo estaba incendiándose o que estaban a las puertas del infierno. No tenían la menor idea de lo que sucedía y se pusieron a gritar como histéricos. Minutos antes, en un club en el que se encontraban, un conocido les había suminstrado LSD en su bebida sin que ellos se dieran cuenta.

La experiencia psicodelica siempre ha estado ligada a la de las drogas, específicamente al ácido lisérgico. Los hippies, esos predicadores del flower power, se esparcían por todos lados en América, eran cristos multiplicándose como gremlins. Los hijos de Chuck Berry y James Dean bailaban mas frenéticos que nunca.
En aquellos tiempos se hacían experimentos con el LSD cuales investigaciones científicas, sometían a personas como a el cineasta Federico Fellini a tales experiencias, con la única intención de observar de que manera se prolongaban los efectos en las personas creativas. Aldous Huxley, el autor de "Un Mundo Feliz" y "Las Puertas de la Percepción", (titulo éste ultimo que inspiraría el nombre de la famosa banda del difunto Jim Morrison) por su propia cuenta buscaba desarrollar su propia percepción e "iluminarse" por medio de esta y otras drogas de efectos similares.

Pero estábamos en 1965. La música pop, o el rock and roll, se volvía más aventurada; ahora danzaban a la par con formas más extensas y más propias del sinfonismo o del jazz. Aunque, probablemente todos estaban demasiado drogados para escucharla. O tal vez, todo se reducía a revivir los rituales mágicos, los rituales paganos del pasado.
Detrás de estas danzas dionisiacas, estaban los músicos, fabricando las bandas sonoras de la alucinación colectiva. Pink Floyd, The Grateful Dead, Janis Joplin, The Doors, Jimi Hendrix, al igual que bandas previamente establecidas como The Beatles, The Who y The Kinks, eran los sumos sacerdotes que se adherirían a ese nuevo estilo, a ese surrealismo de parábolas pacifistas.

Corta fue la existencia del movimiento hippie, y así mismo, de la música psicodelica, pero su influencia seguiria esparciendose a través de los años.

En la década de los ochentas surgiría en la ciudad de Oklahoma, The Flaming Lips; quienes en aquel entonces eran una banda de culto que solian crear un sonido que bien podría calificarse de psicodelia punk (si tal mezcla es posible). Sus miembros cambiarían a través de los años, a excepción de el hombre de la voz, Wayne Coyne, un tipo obsesionado con la ciencia ficción, la navidad y los zoologicos; y el bajista Michael Ivins, un tipo bizarro que hoy lleva siempre lentes oscuros y parece miembro de la policía secreta. A principio de los noventas se les uniría el multi-intrumentalista Steve Drozd (batería, teclados, guitarras), un ex-heroinomano, hijo de un saxofonista que tocaba en una banda de Polka. Recientemente se les uniría Kliph Scurlock, al principio como baterista de gira, y después como miembro permanente de la banda.

A partir de finales de los noventas, su sonido tomaría un giro completo para encontrarse con la música electrónica y el pop sinfónico, dejarían de ser una banda de culto para entrar en el mainstream, para bien o para mal. Sin ser virtuosos de su instrumento, sin duda lo llegarían a ser del estudio de grabación, explotando todas sus posibilidades de la misma manera en que lo harían The Beatles a finales de los sesentas o recientemente la banda inglesa Radiohead.

No hay necesidad de hablar y alabar sus magníficos trabajos previos: Zaireeka (1997), The Soft Bulletin (1999) y Yoshimi Battles the Pink Robots (2002). Los tres son albums que para para muchos de nosotros tienen un lugar asegurado en los clásicos de nuestra audioteca personal.

Hoy, despues de tres años desde su ultimo album, At War With The Mystics (2006). Los Labios Ardientes vuelven a la carga, los chicos de Oklahoma empuñaron sus guitarras, mas distorsionadas que nunca, llenos de entusiasmo como siempre, y nos traen el album más psicodelico que hasta a la fecha han hecho.
Embryonic nos llega con una descarga de bajeos y riffs incesantes que acompañan a la masa sonora que avanza: gritos, aullidos, sonidos de animales, campanas, arpas electronicas, coros.

Es este el menos melodico de todos los albums que los Lips han hecho ultimamente; en algunos tracks la voz de Wayne se pierde en el fondo, se funde con él. Tal vez seria en el Zaireeka, más que en los tres álbums, anteriores en donde encontremos más puntos en común. Al mismo tiempo, todo el pasado de los Lips se condensa en este disco: el punk, las disonancias ocasionales, los arreglos electronicos, los pomposos sonidos electro-orquestales (del que ya se encontraban rastros en la banda sonora de su propio film de ciencia ficción "Christmas on Mars").

Como la mayoria de los albums dobles de la historia (The White Album, Physichal Graffiti, Re) éste va en todas direcciones; dejandose llevar por la variedad de ideas, los músicos se sintieron en completa libertad de no preocuparse más por el limite de espacio, de olvidarse de mantener un leitmotiv o idea unificadora.

Cosmogenia, amor hacia los animales y existencialismo parecen ser los temas principales en la mente de Wayne Coyne.
Michael Ivins y Kliph Scurlock, bajista y baterista respectivamente, se encargan de mantener la sección ritmica a todo volumen; y detras de todo este caos se escuchan los teclados suaves de Steve Drozd, que lejos de contrastar le dan una fluidez más que ideal.

Despues de las secciones mas freneticas y psicodelicas ("Convinced of the Hex", "The Sparrow Looks Up at the Machine", "Aquarius Sabotage", "Watching the Planets"), nos encontramos con algunos puntos de descanso en aquellas piezas lentas tipicas de los Lips, llenas de las armonias y melodias sutiles que hacen tan caracteritico su pop electronico y que de alguna manera nos acercan al pasado de Soft Bulletin y Yoshimi ("Evil", "If", "Sagittarius Silver Announcement", "The Impulse").
Podemos escuchar un unico solo de guitarra, que bien podria haber salido de las mentes de Syd Barrett o Lou Reed, en "Powerless", el track mas extenso del disco.

Colaboran en el album, el duo neoyorquino, MGMT, con el track "Worm Mountain"; y Karen O, la voz desquiciada de la banda punk Yeah Yeah Yeahs, en "I Can Be a Frog" y "Watching the Planets". En lugar de contentarse con hacer un dueto tradicional de voces, los Lips prefirieron dejar que la vocalista hiciera ruidos de animales e imitara algunos efectos sonoros.

En lo personal, espero que los Lips vivan cien años y nunca paren de componer. Es su magia la que más necesaria no es ahora, cuando el hombre es un animal hambriento que no teme devorarse a si mismo; o en aquellos momentos cuando estamos tan solos y confundidos y no sabemos ni quienes somos; o cuando nos sentimos abrumados ante el gran espectaculo celestial ¿Que hay detrás de toda esta boveda de estrellas? O en palabras de Wayne Coyne: "I don't know where the sun beams end and the star lights begins it's all a mystery." Necesitamos la profunda comunicación de sus sonidos, necesitamos la magia, purificar nuestros sentimientos y expanderlos fuera de nosotros; llorar como recien nacidos. "El rock and roll renace en nuestros tiempos como un sistema espiritual", solía decir en tono de broma Rockdrigo Gonzalez; pero él era un visionario, un hombre del futuro (y quien sabe si de otros planetas). Los Flaming Lips y otros como ellos mantendran vivo el rock and roll y la palabra músical, esa experiencia telepatica que seria imposible describir con palabras terrestres.
Los Flaming Lips hacen los sonidos del futuro.

Embryonic (2009)




















Tracklist:
1. "Convinced of the Hex"
2. "The Sparrow Looks Up at the Machine"
3. "Evil"
4. "Aquarius Sabotage"
5. "See the Leaves"
6. "IF"
7. "Gemini Syringes" (featuring Thorsten Wörmann)
8. "Your Bats"
9. "Powerless"
10. "The Ego's Last Stand"
11. "I Can Be a Frog" (featuring Karen O)
12. "Sagittarius Silver Announcement"
13. "Worm Mountain" (featuring MGMT)
14. "Scorpio Sword"
15. "The Impulse"
16. "Silver Trembling Hands"
17. "Virgo Self-Esteem Broadcast"
18. "Watching the Planets" (featuring Karen O)

Hubo un tiempo, cuando lo indie era indie, cuando lo under estaba under; cuando los chicos snob-indie-pretenders-middleclass-goddamnit de hoy derramaban sus primeros mocos y manchaban sus primeros pañales --y yo aprendía a dejar de usar lso míos [qué curioso se siente no estar más en la retaguardia generacional]--; cuando el post rock no era una fórmula acabada aprendida de memoria por imitadores japoneses o texanos garageros que llegados a su tercer disco lo repiten con distinto nombre ad infinitum; cuando ni siquiera existía el post rock porque el término no existía; incluso antes de que llegaran rubios siucidas a vaciar los bolsillos adolescentes antes de tomar la única decisión correcta en la vida; cuando un presidente afroamericano en EU era impensable como falaz era esperar la democracia en México; cuando Jackson estaba en su punto y nadie se lo imaginaba deforme, demandado y sobre todo, muerto.

En ese tiempo ya se comenzaba a sospechar que el rock era un cuento de hadas, que la música estaba muerta, que la historia había llegado a su fin; así que si el rock había muerto ¿por qué no ahcer algo más?, algo a posteriori. Lo post es una especie de fetichismo necrofílico (como la posmodernidad) porque toma el cadaver de lo que le precedió, sus propiedades y recursos para seguir fines distintos; así, post-rock se ha definido como lo que toma los recursos del rock para alcanzar fines distintos; ahí están la guitarra, el bajo y la abtería, ahí están el golpeteo y el zumbido, pero algo apesta, algo ha muerto y nadie parece entristecerse por ello, parecen una bola de flemáticos (dicen que nacimos bajo el signo de la indiferencia, probablemente sea muy cierto).

Sin llamarse a sí mismos Post Rock, Slint coemenzó a tocar el Requiem para el rock, sin que nadie lo notase, sin que a nadie le importase, sin que nadie derramara una lágrima por ese mito juvenil maltraido, gastado, predecible, aburrido, lugar común, mal amigo, jijodelachingada. En efecto, desde el primer murmullo de su segundo disco, Spiderland, el acorde es post rock; rock porque está hecho con guitarra, post proque huele a muerto, huele a los simulacros de Jean Baudrillard.

Un acorde cromático sin importar qué maldita nota sea, o si acaso es una nota. El sonido por el sonido; mover los dedos en la misma posición a lo largo del mástil en fractal cromatismo; crescendos y una batería, si se permite la expresión, armónica. Una oscuridad colorida, flemática.

En la primera canción nos perdemos en la feria, invitamos a la adivina a subirse a la montaña rusa. Bizarro. El vértigo. La segunda viene con un riff y un chillido; "Nosferatu Man" que complace a su reina --dios no quiere saber cómo lo hará-- las guitarras de la segunda parte se resuelven con una clautrofóbica belleza. "Don, Aman", la tercera, es una historia que a mi y a cualquier idiota como yo le ha sucedido; el protagonista se retira del epicentro de una fiesta, a orinar desde luego, el baño está perdido o extraviado así que va a un patio que brinda perspectiva de distancia, entre la vista nublada mira atrás para ver las parejas formadas, el amor adolescente fluye sin invitarlo a aprticipar; entre él y su orina sólo hay rabia y soledad --aquí viene un rasgueo de guitarra del que abusarán los futuros post rockers antes de cualquier crescendo típico del subgénero--; una áspera guitarra se lamenta cacofónica y se escucha "he knew what he had to do", el final queda a elección del auditorio.

"Washer" inicia con un acorde que será lugar común entre otras badas años después; es una especie de canción de amor, mejor dicho de post-amor, porque si el rock era un mito también el amor lo es; nadie con un par de neuronas puede creer más en él; otro mito de la modernidad. Lentamente llega el crescendo, pero como aquí es fresco, novedoso, no se espera, está vivo antes de que pasen los años y se conveirta en una fórmula más --porque el amor es una fórmula más, gastada, predecible, burguesa, goddamnit... el vacío, el quiebre.

"For Dinner..." no puede ser en realidad una canción, es un cadaver de canción que sólo existe como preludio del apoteósico final, que sin chistar es de las mejores piezas de la década pasada. "Good Morning, Captain", con esto, el muerto está bien enterrado; al final del camino no está la luz, sólo el más inmenso vacío. Culmina con un grito reiterado 'I miss you!!!!!'

Wikipédialos
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1. "Breadcrumb Trail" – 5:55
2. "Nosferatu Man" – 5:35
3. "Don, Aman" – 6:28
4. "Washer" – 8:50
5. "For Dinner..." – 5:05
6. "Good Morning, Captain" – 7:38

***

• David Pajo – guitar
• Brian McMahan – electric guitar, vocals
• Britt Walford – drums, Vocals
• Todd Brashear – bass guitar
• Brian Paulson – engineering
• Will Oldham – photography
• Noel Saltzman – photography